Todos os artigos de Rogério Santos

Maria Manuela Couto Viana

Hoje, comecei a escrever sobre Maria Manuela Couto Viana (1919-1983), poeta, escritora e tradutora, que também trabalhou na rádio (escreveu e interpretou). Ela obteve o primeiro prémio do concurso “Procura-se um Romancista”, em 1942, organizado pelo Grémio Nacional dos Escritores e Livreiros, com o romance Raízes que não Secam. De ascendência galega, ela usou o galego no livro Frauta Lonxana (1964).

Orlando Raimundo, no seu livro de 2015, António Ferro. O Inventor do Salazarismo, conta que Salazar não pudera assistir a espetáculo em Viana do Castelo em 1938, levando António Ferro a obsequiá-lo com uma representação noturna em espaço fechado do Auto das Oferendas, de António Correia de Oliveira. A representação esteve a cargo de grupo folclórico de Santa Marta de Portuzelo (Viana do Castelo), integrado por camponesas afinal oriundas das melhores famílias da sociedade minhota (Raimundo, 2015: 238-240). Maria Manuela Couto Viana, então com 19 anos, já com pequenos papéis nos filmes do regime Revolução de Maio (1937) e Rosa do Adro (1938), interpretou o papel principal do auto. Salazar ficou encantado com a calorosa declamação, o que teria facilitado a carreira da jovem na Emissora Nacional como autora e intérprete de teatro radiofónico.

Esta história precisa de ser acautelada, pela importância da família Couto Viana: o irmão António Manuel Couto Viana (1923-2010) estreou-se como ator e figurinista em 1946 no Teatro Estúdio do Salitre, em Lisboa, por intermédio de David Mourão-Ferreira. Ele esteve sempre ligado a companhias de teatro para a infância. Muito novo, ele recebera como herança do avô o Teatro Sá de Miranda em Viana do Castelo (retirado da wikipedia).

[imagens: entrevista a Maria Manuela Couto Viana (Jornal de Notícias, 18 de agosto de 1957) e fotografia de Maria Manuela Couto Viana com o traje de Meia Senhora, ao lado de Luísa Cerqueira com traje de Mordoma, na Festa do Traje (década de 1950, catálogo do Museu do Traje de Viana do Castelo)]

Natércia Freire

Da Memória, do Amor e do Génio. Fotobiografia de Natércia Freire é um livro escrito por Isabel Corte-Real, filha daquela, agora editado pela Aletheia. Não se trata de um livro de análise científica da produção de uma escritora e poeta (1919-2004), mas de uma longa recordação da vida e obra por alguém muito perto dela. Nos anos mais recentes, a sua obra poética foi toda (re)publicada pela Quasi.

A principal motivação para o livro foi revisitar a poesia de Natércia Freire e traçar o percurso desde Benavente, onde ela nasceu, até à direção da página “Artes e Letras” do Diário de Notícias, exercida entre 1954 e 1974. Aqui, publicou textos de Jacinto Prado Coelho, João Gaspar Simões e David Mourão-Ferreira, entre outros, o que a tornou uma das primeiras jornalistas culturais do país. Fez traduções de peças para a companhia de teatro de Amélia Rey Colaço e Robles Monteiro. Natércia Freire foi premiada diversas vezes. Um dos maiores galardões foi o Prémio Nacional da Poesia de 1971, ganho ex-aequo com David Mourão-Ferreira. Antes, ganhara o prémio Antero de Quental (1947, 1952) e o prémio Ricardo Malheiros (1956).

Além da poesia e da escrita regular em jornais, a biografada tem outro interesse: a sua colaboração com a Emissora Nacional. Ela iniciou a ligação à estação de rádio em 1940, com palestras mensais. Aí conheceu Luís Forjaz Trigueiros. Foi vogal do Conselho de Programas da Emissora Nacional e, depois, da RTP (e do conselho de leitura da Gulbenkian). Para exercer bem a sua função na rádio, ela escutava os programas através de um pequeno transístor.

Por o livro ser escrito pela filha, a personalidade de Natércia Freire aparece afetiva, clara e compreensiva na sua relação com a família, a Igreja Católica e os colegas escritores. Da ligação aos escritores e gente de letras, Isabel Corte-Real destaca a relação sempre positiva da sua mãe, independentemente das tendências estéticas e políticas dos autores. A página do Diário de Notícias, que ultrapassou o número mil pouquíssimo antes de 25 de abril de 1974, quando foi saneada pelo novo regime político, será a demonstração dessa abertura intelectual.

Museu Nadir Afonso

O Museu Nadir Afonso (Chaves, numa margem do rio Tâmega) merece ser visto (e refletido). Pintor, arquiteto e filósofo, Nadir Afonso Rodrigues nasceu em Chaves (1920) e licenciou-se em arquitetura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto. Ele tinha 24 anos quando a sua obra A Ribeira entrou no Museu de Arte Contemporânea de Lisboa. Em 1965, abandonou a arquitetura e desenvolveu estudos sobre a geometria (e a abstração geométrica). Influenciaram-no os estudos, experiências e contactos em França (com Le Corbusier) e Brasil (com Óscar Niemeyer), como a vemos no museu, onde se exibem trabalhos das décadas de 1930 a 1970. Para saber mais sobre o pintor, que faleceu em 2013, ler aqui.

O museu, suportado no Quadro de Referência Estratégico Nacional (QREN), foi orçado em nove milhões de euros, com projeto do arquiteto Siza Vieira (2016). Segundo a estratégia cultural da região, o Museu Nadir Afonso localiza-se dentro do perímetro do centro histórico e da reabilitação ribeirinha do Tâmega e forma um triângulo cultural com o Museu do Douro (Peso da Régua) e o Museu do Côa (Vila Nova de Foz Côa).

Sem contestar o valor arquitetónico do museu de Chaves, o seu volume parece-me exagerado, a lembrar outras obras em Portugal, como o CCB e o museu de Côa, acima indicado. A opção de colocar um conjunto de pinturas de menor formato acima do nível da longa janela de corredor voltado para o lado do rio não permite ver com profundidade as linhas geométricas e as cores dessas obras. Além disso, Chaves, cidade interessante a visitar, tem ainda problemas vindos da crise financeira da última década. Se o museu influenciará na produção de riqueza da região, com ida de interessados em conhecer melhor a obra do pintos, uma casa onde ele pintor viveu, mesmo junto à ponte de Trajano, com uma lápide sobre a porta a indicar tal situação, está em total ruína. Parece-me uma contradição violenta.

Peles pintadas

(fotografias retiradas das páginas do MUDE e do Observador)

Retiro da informação da exposição patente na rua de O Século, 79, do Instituto Nacional de Medicina Legal e Ciências Forenses (até 25 de junho de 2017), O mais Profundo é a Pele. Coleção de Tatuagens 1910-40: “analisando-a na perspetiva científica/médico-legal, filosófica e artística. No total, estão expostos 61 frascos com fragmentos de pele humana obtidos de corpos autopsiados e uma abundante documentação com o retrato sociocultural de cada indivíduo tatuado, os desenhos e sua localização anatómica, o lugar, a data e os motivos da tatuagem. Os visitantes ficam a conhecer uma coleção de particular valor museológico e científico, ao mesmo tempo que podem sentir a vivência dos bairros típicos de Lisboa durante as primeiras décadas do século XX, em que a tatuagem se misturava com a marginalidade, a prostituição, o fado, a marinhagem”.

A exposição permite reconstituir, num dado momento, a histórias dos homens tatuados da Lisboa das décadas em exibição, com circuitos pessoais de violência e prisão (Limoeiro), local de onde saiam com novas tatuagens. Estas podiam refletir um estado de alma mas principalmente um tipo de troféu simbólico de poder sobre os outros homens. Os pedaços de peles guardadas mostram desenhos figurativos, quase sempre ingénuos, mulheres, nuas com frequência, elementos religiosos e até uma representação do símbolo do Benfica.

Paula Rego no museu e no cinema

O filme, realizado pelo filho Nick Willing, é elegante e terno, mas também revela medos, fantasmas e obsessões, descendo à intimidade da pintora Paula Rego e abrindo pistas para a compreensão da sua obra. Sim, nós precisamos de signos e de interpretação para entendermos as suas pinturas. O ideal de belo e harmonioso não faz parte da estética dela, mas o grotesco e o violento. Documentário e exposição, patentes desde esta semana no cinema Ideal (Lisboa, onde vi o filme) e na Casa das Histórias (Cascais), ajudam-se mutuamente. Na exposição, parcelas das falas de Paula Rego no filme acompanham as telas que vimos mais fugidiamente no ecrã.

As séries sobre o aborto, as mulheres-cão, o crime do padre Amaro (a partir de Eça de Queirós), as pinturas zoomórficas de coelhos, ursos e macacos e as obras no período da depressão de 2007, sempre escondidas e agora reveladas numa só sala (onze quadros), representam um percurso muito rico desde a aprendizagem artística na Slade School of Fine Arts (Londres), de 1952 a 1956, onde ela também conheceu aquele que viria a ser o seu marido Vic Willing. O filme revela melhor o seu itinerário biográfico, entre Ericeira e Estoril, de um lado, e Londres, do outro. A exposição mostra o percurso artístico marcado pela biografia: as alegrias, as tristezas, os sonhos e os pesadelos.

A par da exposição de obras e temas emblemáticos dos trabalhos da pintora, em Cascais veem-se fotografias, cartas, livros que pertenceram a Paula Rego, uma pintura da sua mãe (que aquela comenta no filme) e até a reconstituição do seu estúdio, visto no filme mas mais próximo de nós na exposição.

Rádio Clube de Moçambique

Este documentário da RTP sobre Rádio Clube de Moçambique merece ser visionado (conhecido via Ribeiro da Silva). Por ele, se se perceciona uma cultura colonial, com preocupações da minoria branca. Em simultâneo, uma modernidade mais vincada que a rádio aqui em Portugal. Exemplos: a estereofonia, os múltiplos canais e a influência da cultura sul-africana, com um canal em inglês orientado para aquele país e de onde vinha muita publicidade. O documentário (16:37) começa com uma marcha (Mocidade Portuguesa) e o uso de xilofone para marcar a programação (noutras estações usava-se um gongo).

Tertúlia Recordar os Esquecidos

A tertúlia de hoje Recordar os Esquecidos (livraria Almedina, Saldanha, Lisboa) teve como convidados Luís Carmelo (esquerda) e Paulo Moreiras (direita), com moderação de João Morales. Os dois convidados evidenciaram a qualidade da literatura portuguesa, com autores muito esquecidos e à procura de resgate. Hoje, foi dito, vivemos sob o ditame da atualidade, da realidade que se remove permanentemente. Paulo Moreiras apresentou livros de Guilherme Centazzi (O Estudante de Coimbra), Fortunato da Câmara (Os Mistérios do Abade de Priscos), Bento da Cruz (Histórias de Lana-Caprina), António Manuel Policarpo da Silva (O Piolho Viajante) e João Palma Ferreira (Vida e Obra de D. Gibão). Já Luís Carmelo falou de livros de José Almada Negreiros (Nome de Guerra), Malcom Lowry (Através do Canal do Panamá), Patrícia Melo (Inferno), Adolfo Bioy Casares (A Invenção de Morel) e Maria Judite de Carvalho (Tanta Gente, Mariana).

Retirei algumas ideias. Em Paulo Moreiras, a confissão da influência do livro de João Palma Ferreira no seu primeiro romance, a este dedicado (A Demanda de D. Fuas Bragatela, 2002). Em Luís Carmelo, a emoção com que recordou Maria Judite Carvalho, casada com Urbano Tavares Rodrigues. Quando ia a casa deles, ela abria-lhe a porta mas afastava-se silenciosa. De Guilherme Centazzi, médico, foi destacado o seu papel pioneiro no romance português, mesmo antes de Alexandre Herculano e João Almeida Garrett, ele que foi estudante em Coimbra e diretor de dois jornais, um deles com o propositado nome Desenganos da Vida. Do livro de Fortunato da Câmara, destacou-se as viagens de noventa e tal histórias em torno da culinária. Por exemplo, a distinção entre porco com ameijoas e carne de porco à alentejana, modo de referir a alimentação do porco com peixe dado pelos pescadores do Algarve. Sobre o livro de Bento da Cruz, Paulo Moreiras falou do recorte satírico, de histórias bem humoradas, para não se andar com ar de enterro. Talvez o Piolho Viajante tenha merecido a mais divertida leitura. O dito piolho viajou por 72 cabeças no Terreiro do Paço, numa época em que este sítio era o local onde tudo acontecia, de festas a autos-de-fé e a touradas. O pequeno bicho passou por cabeças como boticário, estudante, caixeiro, ladrão, criada e velha gaiteira. Para quem quiser estudar a época e as suas expressões linguísticas, o livro de António Manuel Policarpo da Silva (1802) é aconselhável.

Para Luís Carmelo, se Almada Negreiros é recordado hoje pela bela exposição patente na Gulbenkian, o livro que ele levou para a tertúlia representaria três novidades: dar voz à noite, o eu que se interroga e o primeiro romance que alia a ficção à reflexão. De Malcom Lowry, em tradução de Ana Haterly, existe um universo de perda, errância e loucura, de ser deserdado, de tempestade interior e de solitário. O livro de Patrícia Melo, autora que foi jornalista e guionista e partilha muitas ideias com o escritor Rubem Fonseca, percorre a favela do Rio de Janeiro e dá um lado mitológico, com histórias de crianças que sobrevivem num mundo deveras hostil. De Adolfo Bioy Casares, livro escrito no ano da invasão de Paris pelas tropas nazis, há uma escrita do fantástico, com a personagem principal a ser objeto de uma projeção virtual. Isolado numa ilha, há uma máquina que produz imagens irreais. Sobre o livro de Maria Judite de Carvalho, duas notas: um grande elogio a um romance de género e retrato impiedoso de uma época (1959, com um regime político fechado a tudo); um pedido para as suas obras serem republicadas, dado ela estar injustamente esquecida (contudo, Tanta Gente, Mariana tem uma reedição de 2010).

Wim Wenders

Vistos em retrospetiva, os filme de Wim Wenders são mais do que road movies, são sobre a identidade e a sua busca. Em Paris Texas (1984), Travis Henderson (Harry Dean Stanton) vai quase inconscientemente à procura do sítio onde os pais se conheceram e o conceberam, tendo ele próprio comprado um terreno, de que possui uma vaga fotografia. Mas essa é parte da história, porque, na realidade, o que lhe vai acontecer é levar o filho Hunter (Hunter Carson), que reencontra, à mãe Jane (Nastassja Kinski). Um e outro tinham abandonado a criança ao irmão e cunhado dele, que o tinham adotado como filho. O filme mostra a procura da identidade em diversas personagens: pai, mãe e filho.

Mas Alice nas Cidades (1974), realizado uma década antes de Paris Texas, revela melhor essa ideia de busca de identidade. E também apresenta a ideia de lugares sempre iguais, como autoestradas e motéis, aquilo a que Marc Augé chamaria de não lugares, pois eles são semelhantes em qualquer parte do mundo. Neste filme, a história é mais dramática, a que se associa um grande experimentalismo do realizador e dos seus colaboradores mais próximos.

Philip Winter (Rüdger Vogler), jornalista em crise de identidade, “recebe” Alice em Nova Iorque das mãos da mãe, que a abandona temporariamente para voltar ao seu homem. Winter não conhecia a mãe nem Alice (Yella Rottländer), de nove anos, e fica encarregado de a levar até Amsterdão, onde a mãe Lisa (Lisa Kreuzer, então mulher de Wenders) a procuraria no dia seguinte ou nos dias seguintes. Mas ela não aparece e o jornalista procura uma avó da menina no Rhur (geografia natal do realizador), entrega-a à polícia e nos leva para uma sociedade cultural e arquitetónica em lenta decomposição, a dar lugar a uma nova geração.

Os filmes de Wenders revelam ainda a sua paixão pela música: a jukebox onde se ouve os Canned Heat e um rapazinho a trautear a música (On the Road Again, 1970) – “Well, I’m so tired of crying / But I’m out on the road again / I’m on the road again / Well, I’m so tired of crying / But I’m out on the road again / I’m on the road again / I ain’t got no woman / Just to call my special friend” – e o concerto de Chuck Berry, hoje falecido com 90 anos. Do mesmo modo que, em Asas do Desejo (1987), Nick Cave e Bad Seeds apareciam. Ainda a realçar a música de Ry Cooder em Paris Texas.

Numa crítica ao filme Alice nas Cidades, há uma outra indicação – a das fotografias polaroid como provas de contacto. No filme, diz-se que as fotografias são uma prova da existência do jornalista-fotógrafo, para justificar a passagem dele por certos sítios. E, como as fotografias com grão (Robby Müller), o filme também tem o sinal do tempo. A passagem da película para o digital, com mudança de formatos (filmado em 16 mm mas desejado por Wim Wenders em 35 mm), ilustra a qualidade (ou perda de) da imagem como víamos na televisão a preto e branco.

Tentativas para matar o amor

Ana (Cleia Almeida) é casada com João, apenas nomeado na narrativa, mas vive uma paixão com Jaime (Tomás Alves) há dez anos. Também presente-ausente é o filho dela, JP. Ao fim desse tempo, fazem um balanço das dificuldades em viver daquele modo. Contas para pagar, uma vida dupla, salários baixos, presença permanente de uma sociedade agressiva (tróica, tickets restaurante em vez de subsídio de alimentação, poluição e qualidade de vida). Manuel (Eurico Lopes) é uma espécie de contraponto, próximo do casal mas também quase o narrador.

Talvez as gerações mais novas compreendam a relação, talvez os mais velhos encontrem a história muito frágil, no sentido que damos a uma peça de cristal. Aliás, podia concluir-se que ela não é bem uma história mas um olhar poético sobre o amor e as relações no interior de um casal moderno numa geografia lisboeta bem precisa. A personagem feminina está mais bem desenvolvida, apresenta uma perspetiva do amor mais moderna e desinibida, enquanto os homens surgem mais defensivos. Será que Ana e Jaime vão continuar? Ou será a peça uma construção feminista?

A peça é de Marta Figueiredo, engenheira civil a trabalhar na Infraestruturas de Portugal, concorrente e vencedora do Grande Prémio de Teatro Português SPAutores / Teatro Aberto 2015. Ela tem dois filhos pequenos, nasceu na Meda, estudou em Lisboa e vive no Porto. Dramaturgia e encenação de Levi Martins e Maria Mascarenhas, figurinos de Dino Alves, cenário e desenho de luz de Adelino Lourenço, música original e sonoplastia de André Reis e vídeo de Eduardo Breda.

Ópera chinesa no Museu do Oriente

O ocidente gosta da ópera chinesa mas não conhece o seu repertório narrativo e o modo como se combinam o canto, a música, a dança, a mímica, a acrobacia e o humor. A ópera chinesa surgiu no final do século XI e a sua época dourada iniciou-se no século XIII. Há estilos regionais diferentes, mas destacam-se os de Beijing e de Cantão.

 

 

 

 

 

O repertório inclui comédias satíricas, histórias de amor, peças históricas e mitos fundadores da China. A exposição patente no Museu do Oriente explora quatro das mais célebres histórias: Romance dos Três Reinos, A Viagem ao Ocidente, A Lenda da Serpente Branca e o Pavilhão da Ala Oeste. Assim, compreendem-se traços gerais da história do país, como a crítica de costumes, a exaltação das virtudes guerreiras, o temor aos deuses, a transmissão da sabedoria dos mais velhos. Há ainda espaço para o teatro das marionetas.

Trajes, maquilhagem e acessórios identificam as personagens. Linhas negras indicam rugas. O branco é para ministros traidores e personagens violentas como generais e bandidos, o vermelho é para homens honestos e fieis, o azul para personagens vigorosas, o amarelo para calculistas, o verde para orgulhosos e o dourado para os deuses. As personagens masculinas dividem-se em idoso, jovem e guerreiro, as femininas em idosa, mulher virtuosa, cortesã ou criada, guerreira e jovem de família distinta. A estas personagens, juntam-se os rostos pintados e os palhaços [texto a partir dos elementos da exposição].

A Festa, uma banda desenhada

Julgo ter sido em 1988 que Henrique Leorne fez as vinhetas da banda desenhada A Festa, a partir de um texto meu. Descobri nos meus papéis esta colaboração – na altura, trabalhávamos na indústria das telecomunicações – e resolvi reproduzi-las aqui, numa homenagem ao autor dos desenhos. A Festa era um concurso do melhor mascarado no Carnaval – e que até envolve a televisão.

Realce: a importância do telefone na comunicação humana. O objetivo era fazer uma impressão tipo livro de banda desenhada. Mas nunca foi publicado nem sequer mostrado a alguém. Creio que nem o autor dos desenhos ficou com uma cópia.

A realização da festa é comunicada a muita gente de profissões diferentes: empregada de escritório, basquetebolista, professora do ensino secundário, mecânico. Todos recebem bem a notícia e vão preparar as suas roupas e máscaras. O telefone é sempre fixo. De notar o telefone que liga ao futebolista, com um longo cabo desde a ficha, algo que não era habitual nas instalações telefónicas de então mas que se viam em filmes americanos, quando as conversas eram longas (e românticas).

Numa imagem, Henrique Leorne propôs-me mudar o texto. Onde eu tinha escrito bebidas como vinho e cerveja, ele optou por bebidas não alcoólicas (ver o meu texto no final da mensagem). Era um tempo em que se discutia publicamente a questão, do mesmo modo que o tabaco. Ainda me lembro de ver locutores-jornalistas na televisão apresentarem o telejornal enquanto fumavam. Hoje, é impossível.

Noutra vinheta, observa-se o movimento urbano (transportes públicos e particulares, transporte de bens) e indicação da discoteca da festa. Em fundo, que eu apreciei muito quando Henrique Leorne me mostrou o conjunto dos desenhos, uma cidade de prédios elevados e muitas luzes, a indiciar uma pujante vida urbana. Curiosa, porque datada num tempo, a vinheta do cliente ir à loja de computadores reservar uma mesa para a festa. Hoje, far-se-ia online (em linha). Na mesa ao fundo, um empregado da loja escreve num papel; hoje, usaria um tablet ou telemóvel inteligente.

Já agora, nem um só telemóvel ao dispor dos utentes do metro ou autocarro. O desenhador não podia prever a explosão de aparelhos de comunicação móvel. A primeira empresa em Portugal, a TMN surgiu em 1991 e os primeiros telemóveis eram muito grandes (implantavam-se nas malas dos automóveis) e muito caros.

Uma das imagens tem anacronismos. Se a empresa de telefones pretendia que o consumo (ligações telefónicas) fosse fluído, a ideia aqui é a do “entupimento” (linhas todas ocupadas). A imagem da central manual com telefonistas quase tinha desaparecido com a implantação de centrais digitais. O desenho da telefonista, de perfil, retoma uma imagem de Henrique Leorne feito noutra ocasião da sua colaboração.

Quando o cliente comenta ir para a festa, a telefonista, ainda vista de perfil, lamenta não poder ir. As horas do seu turno de trabalho coincidiam com as da festa. Na vinheta seguinte, onde se recupera o enquadramento de desenho anterior da banda desenhada, vê-se uma carrinha com panos publicitários a anunciar a festa. Ao fundo, no passeio, de forma estilizada, tipos de figuras: o punk (de cabelos eriçados), o janota (de chapéu alto) e a senhora da sociedade (com estola).

Como comentário final, houve sempre uma ligação (ou tentação) das telecomunicações aos media. A televisão é cobiçada pelas telecomunicações em termos de conteúdos e transporte de mensagens. A PT teve no seu portfólio de empresas jornais e uma rádio. Nos anos mais recentes, procurou comprar um canal de televisão generalista.

Observação: faz hoje 15 anos que comecei a escrever nas redes sociais (caso da Blogger.com).

O Pai

A interpretação de João Perry é soberba. Não posso dizer que é a melhor personagem por si interpretada, porque não conheço toda a sua carreira, mas esta está muito bem feita. O Pai é um homem entre 70 e 80 anos, velho e com Alzheimer. Nos diálogos com a filha (Ana Guiomar), percebem-se os momentos de perda de memória e de espaço. A encenação (João Lourenço) ajuda, apoiada na luz (Alberto Carvalho e João Lourenço); as duas criam dimensões dramáticas, de desespero, insegurança, mergulho no abismo, de alucinação e incompreensão dos outros face à realidade do sujeito. O vídeo (Luís Soares) mostra imagens de um menino e de um velho (Perry), numa espécie de retorno.

A filha quer ajudar o pai, mas o dia-a-dia torna-se difícil. O universo mental do pai afasta-se da realidade física. Ele vai esquecendo os locais, confunde relações, vê rostos diferentes. Com a enfermeira que cuida dele, estabelece uma relação de recusa, o que leva a filha a equacionar levá-lo para um lar. O motivo mais próximo é a perda do relógio, em que se acusa a enfermeira de roubo. Mas o relógio está apenas dentro do micro-ondas, local onde costuma guardar alguns dos seus bens. O pai – André – não quer sair da sua casa, quando já habita a da filha. Não se apercebeu da mudança embora percecione móveis diferentes ou ausentes.

Para ser mais realista, a encenação coloca duas atrizes no papel de filha e dois atores no papel de genro e altera a cenografia da casa onde ele está. Em jogo, um processo interno de relacionamento com os outros. A peça mostra a lenta desagregação do corpo do indivíduo. Ele fora engenheiro, agora, perante a nova enfermeira, indica ter sido artistas de variedades. E canta e seduz – mas o brilho do momento apaga-se e ele volta a confundir a realidade, como se fosse um luz a perder-se. Ao escrevê-la, Florian Zeller (1979) recorda a avó cuja demência começou quando ele tinha 15 anos. De uma peça de Ionesco tirou a ideia com que acaba a peça. O Pai, já muito enfraquecido, pede à filha que lhe cante uma cantiga de embalar.

Mesmo no final, quando já está num lar de velhos, ele pretende que a mãe o leve embora daquele sítio – a luz do palco vai-se reduzindo e o ator fica num ponto e numa centelha até desaparecer. O silêncio na sala ficou mais denso e a reação dos espectadores demorada até às palmas.

Do programa, refiro a leitura de dois textos. O primeiro, de Cícero, aponta quatro causas que indicam a infelicidade da velhice: o indivíduo aparta-se dos negócios, o corpo fica debilitado, decresce o número de prazeres a usufruir, está-se perto da morte. Como o indivíduo não é imortal, o que viveu muito tempo deve recordar o que fez honrada e corretamente. O segundo texto pertence a Atul Gawande. O avó dele, indiano, viveu até aos cem anos, admirado pelos mais novos, exercendo a sabedoria e o respeito devido aos mais velhos. Melhor, viveu integrado na família até morrer. Esta, numerosa, tinha sempre elementos que o podiam ajudar. O pai de Gawande foi viver e trabalhar para os Estados Unidos. Aqui, o velho já não vive na família, reduzida a células pequenas. O velho vai passar os últimos anos num lar e aí morrer, com algum conforto material mas sozinho. O Pai da peça de Florian Zeller já está nesta categoria.

Teatro Aberto, com João Perry, Ana Guiomar, Paulo Oom, Sara Cipriano, Patrícia André (Laura) e João Vicente (Pedro).

Museu de Música Mecânica, de novo

No Museu de Música Mecânica (Pinhal Novo, Palmela), aprendi hoje que, antes da gravação de discos, houve gravação em cilindros. O equipamento era usado nomeadamente em escritórios em que as secretárias deixavam mensagens ao patrão sobre o expediente e restantes atividades comerciais da empresa. O que melhora a minha compreensão do registo sonoro. Na rádio, é dito que o registo inicial foi em disco. Será que as primeiras estações de rádio gravaram música em cilindros?

Na fotografia, uma das primeiras juke boxes, marca Regina, de seis cilindros (Estados Unidos, 1912). Colocada num sítio público, funcionava com uma moeda, com seis melodias cujos títulos se expunham na parte superior do aparelho.

No vídeo, o colecionador dr. Luís Cangueiro em três momentos da visita guiada: 1) fonógrafo de Edison, 2) Frank Sinatra numa canção de Natal, 3) canção Auld Lang Syne, melodia popular tradicional, conhecida em países ingleses e cantada para comemorar o começo do ano novo. Robert Burns em 1788 adaptou-a com um poema seu, conhecida como The Song that Nobody Knows, porque ninguém se lembra desse poema, que começa assim: Should auld acquaintance be forgot / and never brought to mind? / Should auld acquaintance be forgot/ and days of auld lang syne? / For auld lang syne, my dear, / for auld lang syne, / we’ll take a cup of kindness yet, / for auld lang syne.

Vinil ultrapassou pela primeira vez a música digital no Reino Unido

Assim começa o artigo de Joana Amaral Cardoso no Público que dá conta do regresso nostálgico do formato analógico do disco. O vinil, caso do álbum lançado em 1948, em tempos o formato dominante, escreve a jornalista, volta a estar presente de uma forma que a cassete, ela também sujeita de um ressurgimento setorial, inveja. Há muito pouco tempo, o descarregamento digital parecia ser o futuro sem qualquer outro formato por perto, o que torna a realidade mais complexa e quase estranha.

Os dados da expansão do vinil são da Entertainment Retailers Association (ERA) britânica: gastaram-se 2,8 milhões de euros em discos de vinil e 2,4 milhões em formatos digitais. Desde 2008, o crescimento do vinil no mercado foi constante após o final do século XX e da quase extinção. Contudo, no geral, o vinil representa apenas 2% do mercado musical. Possivelmente, o crescimento do vinil esteja associado a vendas de Natal e aos locais de venda dos discos, que se alargam das lojas de discos a lojas de vestuário, de decoração e supermercados, mesmo que estes locais não tenham outros suportes disponíveis. E também a ideia de colecionar não é despicienda. No mesmo texto, há uma referência a sondagem da BBC no início de 2016, em que 48% dos inquiridos admitiam não pôr a tocar o disco em vinil que compravam e que 7% nem sequer eram proprietários de um gira-discos. Um lado positivo do ressurgimento do vinil é o impacto no bolso dos artistas, muito dependentes das atuações ao vivo para fazer dinheiro.

Hugo Ribeiro e a Valentim de Carvalho

Sigo de muito perto a notícia publicada no Diário de Notícias sobre Hugo Ribeiro (1925-2016), que começou a trabalhar na firma de discos Valentim de Carvalho na década de 1940, então no Chiado (Lisboa).

A partir de 1951, gravou a voz de Amália Rodrigues e a guitarra de Carlos Paredes – o que significa que ninguém soube registá-las tão bem, segundo o editor discográfico David Ferreira, que trabalhou com ele. Hugo Ribeiro viveu um “tempo em que grandes artistas torciam o nariz à ideia de gravar. Obrigou-se a dar-lhes o som verdadeiro”, disse o mesmo David Ferreira, que ainda contou que “em 1961, esperou que Alfredo Marceneiro acabasse a sua ronda pelas casas de fado para conseguir finalmente registar um LP do fadista que já tinha mais de 70 anos. E, mesmo assim, ou ele ou o [editor] Rui Valentim de Carvalho ainda tiveram de se lembrar dum expediente para Marceneiro, que ao chegar ao estúdio queria cancelar o projeto, gravar sem o «ambiente» das casas de fado: vendaram-lhe os olhos”.

Hugo Ribeiro gravou durante cerca de 40 anos, quase todos os grandes do seu tempo: Amália Rodrigues, Alfredo Marceneiro, Hermínia Silva, Carlos Paredes, Max, Maria Teresa de Noronha, Lucília do Carmo, Carlos Ramos, Fernando Farinha, António dos Santos, Celeste Rodrigues, Fernanda Maria, João Ferreira-Rosa, Maria da Fé, Teresa Silva Carvalho, Vicente da Câmara, Tristão da Silva, Alberto Ribeiro, Milú, João Villaret, Trio Odemira, Eugénia Lima, Júlia Barroso, Maria Clara, Maria de Lourdes Resende, Maria de Fátima Bravo, Rui de Mascarenhas, António Calvário, Conjunto Académico João Paulo, Luiz Goes, Simone de Oliveira, Tony de Matos, Duo Ouro Negro, Thilo’s Combo, José Afonso, Sheiks, Marco Paulo, Carlos do Carmo, Frei Hermano, José Cid, Paco Bandeira, António Mourão, Beatriz da Conceição, Jorge Palma, Rão Kyao, Opus Ensemble, Tantra, UHF, GNR, Trovante, Carlos Paião e Vitorino.

Após inauguração dos estúdios da Valentim de Carvalho, em 1963, Paço d’ Arcos, o técnico de som passou a ter outras condições de trabalho e o estúdio atraiu intérpretes estrangeiros como Cliff Richard, Joan Manuel Serrat ou Julio Iglesias. As últimas gravações de estúdio de Carlos Paredes foram também as últimas que fez (década de 1990).

Terrorista elegante

A peça foi escrita por Mia Couto e José Eduardo Agualusa para os 45 anos de atividade da Comuna Teatro. Um homem, angolano, chamado Charles Poitier Bentinho (Miguel Sermão), foi apanhado a sair da Síria, onde teve contactos com o estado islâmico Isis. Chegado a Lisboa é preso e interrogado por polícias nacionais e uma americana – inspetor Laranjeira (Virgílio Castelo), agente Lara (Ana Lúcia Palminha) e agente Maggie (Rita Cruz).

Rapidamente, para o espectador, percebe-se que Charles Poitier Bentinho não é terrorista. Mas sim um homem que vive num universo onírico e não ocidental, uma espécie de feiticeiro que conversa com os pássaros e afasta os demónios de cada indivíduo, querendo resolver os seus problemas, além de um grande coração para as mulheres. Mas cada personagem tem um papel a desempenhar e os polícias têm que apresentar serviço e descobrir o que levou o feiticeiro africano a passar muito tempo na Síria. Ele seria levado pelos olhos do tamanho de um oceano de uma mulher e perseguiu-a até ao Oriente (ele não viu mais nada porque a mulher vestia uma burca).

Gostei especialmente das palavras (falas) de Charles Poitier Bentinho, porque desmonta o mundo racional e lógico em que nos costumamos mover, o que é uma nota positiva para os escritores da peça. Além de divertido na sua inocência, deteta-se uma outra forma de pensar – uma lógica não cartesiana. O título do seu livro Minas e Armadilhas não é o que pensam os polícias mas apenas um manual de cortesia para com o sexo oposto. Convencido que a aparência no vestir é o primeiro passo para uma conquista ou solução, e após ouvir desabafos ou confidências dos polícias, ele muda de papel e passa de bandido a conselheiro, indicando-lhes os remédios para afastar os problemas.

No final, como cada personagem cumpre um papel, o de Charles Poitier Bentinho é o de ser expatriado para os Estados Unidos, para a prisão de Guantánamo. Contudo, ele exerce uma grande influência nos seus carcereiros, com os comportamentos dos polícias a mudarem: o inspetor passou a vestir-se no alfaiate de Bentinho e voltou a sair com Lara, ao passo que a americana Maggie ficou com uma imagem distinta (e humana) de África.

Charles Poitier Bentinho é um contador de histórias. Afinal, a atividade central do seu intérprete, Miguel Sermão. Por isso, o papel está tão bem construído. Versão cénica e encenação de João Mota.

O silêncio e os intelectuais

Reconheço que não dei o devido valor ao livro de Tito Cardoso e Cunha, Silêncio e Comunicação. Ensaio sobre uma Retórica do Não-Dito, saído em 2006. Comecei a lê-lo e, mergulhado em aulas, leituras e obrigações burocráticas – passara a coordenador científico da área da Comunicação da Universidade Católica -, deixei-o sob outros volumes à espera de tempo. Agora, lembrei-o, ao ouvi-lo na conferência organizada por Mário Mesquita, Os Intelectuais na Democracia, com Maria Inácia Rezola, Tito Cardoso e Cunha e Luís Filipe Castro Mendes.

Os temas de Tito Cardoso e Cunha, de que guardo boa memória de aulas suas no mestrado da Universidade Nova de Lisboa, pela atualidade e humor fino na análise da contemporaneidade, mantêm-se atuais face ao livro. Escrevia ele sobre a dicotomia entre o silêncio – expresso, por exemplo, na leitura reflexiva de um livro – e a sobreabundância de informação no audiovisual tornada ruído, entendido como medida da perda de sentido. De uma forma mais específica, o autor compara o recolhimento silencioso que a (suposta) observação religiosa permite com o materialismo da modernidade e da industrialização. E, um pouco mais à frente, refere Platão, no Górgias, que opunha a retórica, arte que opera pela palavra, à pintura, cuja imagem se nos mostra silenciosa. Tudo isto está, conclui, ultrapassado pelas tecnologias multimedia. E cita M. Picard (The World of Silence, 1952) sobre a rádio, “máquina que produz ruído verbal absoluto. O conteúdo já pouco importa; a produção do ruído é a principal preocupação”.

Na sua comunicação, Cardoso e Cunha entende que a democracia precisa do uso da palavra e do discurso. Enfatiza: a presença do intelectual faz-se pelo uso da palavra. E suporta-se em George Steiner (The Retreat from the Word). O retraimento da intervenção pública do intelectual torna-se evidente no tempo da televisão, ritmada pelo soundbite, meio eletrónico apto para a retórica patética e para excitar as comoções. Hoje, há falta de tempo. Pierre Bordieu (Sobre a Televisão) concluía que a televisão não é favorável à expressão do pensamento. Na urgência não há tempo a perder. Ora, a democracia tem como regra a circulação livre da palavra, ao passo que a não democracia é da ordem da silêncio e da censura. Cardoso e Cunha falaria ainda da distinção entre o intelectual – cuja linguagem tem dificuldade de chegar a sua intervenção e compreensão não redutíveis à linguagem comum – e especialista – aquele que fala para pares especialistas. Ou técnico do saber prático, como diria Sartre.

Escritores esquecidos

Recordar os Esquecidos, tema que João Morales propõe uma vez por mês na livraria Almedina (Saldanha, Lisboa). Desta vez, os escritores escolhidos para a tertúlia foram Nuno Camarneiro e Nuno Costa Santos. Eles falaram sobre Georges Perec, Jorge Listopad, Augusto Monterroso, Giovanni Papini, Aquilino Ribeiro, Rui Knopfli, Sá de Miranda, Emanuel Félix e José Martins Garcia. Geografias, percursos, géneros, biografias, poesias, inclinações políticas ou religiosas, costumes e épocas foram algumas ideias sobre os autores, que para os dois escritores e moderador precisam de ser reabilitados, republicando e falando deles. Uma hora e meia de agradável conversa.

Museu de Música Mecânica

O Museu de Música Mecânica excedeu as minhas expectativas. Situado em Pinhal Novo (Palmela), em edifício construído para o efeito (em forma de caixa de música), alberga cerca de 600 peças de música mecânica, coleção que Luís Cangueiro começou em 1987, quando comprou uma máquina de música mecânica num centro comercial de Almada por 30 mil escudos (quase 470 euros a preços atuais). Luís Cangueiro foi professor do ensino secundário e dedica-se à publicidade e ao hipismo.

De um pequeno texto do colecionador, retiro: “Destes instrumentos poderiam ouvir-se as mais belas melodias, rodando simplesmente uma manivela, dando corda a uma mola, acionando pesos, movimentando pedais, articulando foles”. De uma notícia do Público, de há quatro anos, sobre a coleção então ainda à espera de sítio definitivo, retiro a seguinte parcela: “E que sistemas [de produção de sons] são esses? Os cilindros de madeira, por exemplo, eram movidos rodando uma manivela e activavam várias peças, tais como um Gem Roller Organ de 1887 para se ouvir 39 segundos de Auld Lang Syne, uma conhecida canção tradicional inglesa de Ano Novo, ou um piano bastringue que toca sozinho a valsa Douce Risette. Os cilindros de metal são usados nas caixinhas de música. A Edellweiss (peça do final do século XIX) usa um disco de metal para ressoar 63 segundos de um excerto de La Fille de Madame Argot, uma ópera cómica criada por Charles Lecocq em 1872. Já o Coelophone Orquestre, uma peça francesa de 1884, prefere uma simples banda de cartão. E o gigantesco Seybold, que junta um piano, um acordeão e um tambor numa mesma peça, é capaz de animar uma sala com Mimi d”Amour usando um frágil rolo de papel”.

Num olhar mais preciso, noto similitudes em tecnologias: entre aparelhos de música mecânica e telefones, na transição do século XIX para o XX; no cartão perfurado de aparelhos de música mecânica a lembrar os computadores das décadas de 1950 a 1970.

 

 

Descobri um texto – que coloco a seguir, escrito por Teresa Margarida Cangueiro (e colegas) em abril de 2013 aqui – sobre o que se esperava do museu, agora tornado realidade (inaugurado em outubro de 2016):

“A música é algo intrínseca ao ser humano. A sociedade contemporânea tem uma relação diária com gira-discos, leitores de cassetes, ipods, iphones”, afirma Luís Cangueiro, “A história é a memória da humanidade, e será através das sonoridades que estes instrumentos nos transmitem que as gerações vindouras poderão recriar e reviver uma época já longínqua”. A prática colecionista de Luís Cangueiro remonta a muitas décadas atrás.

Em 2000, a coleção de instrumentos de música mecânica já contava com cerca de três centenas de peças. Como consequência, o proprietário deste importante espólio decidiu que se justificava
a construção de um espaço próprio, de forma a poder preservar e expor estas peças de forma condigna. Tratar-se-ia de um espaço museológico privado, de acesso restrito a familiares e amigos. O interesse em aumentar a área de construção de um pequeno espaço, destinado a utilização privada, seria transformar a edificação já quase concluída num projeto de museu que pudesse ser considerado de relevante interesse cultural. “A iniciativa da construção deste museu tem como objetivo contribuir para a divulgação da música mecânica, muito pouco conhecida em Portugal, ao contrário do que acontece com outros países da Europa”, acrescenta Luís Cangueiro. As previsões para a conclusão das obras de construção do museu apontam para o próximo ano.

A coleção prima pelas diversas tipologias que se distribuem pelos mais variados instrumentos. Estes têm como objetivo tentar compreender a importância e o lugar que a música ocupava na sociedade da época da segunda metade do Séc. XIX até aos anos 30 do Séc. XX. O acervo divide-se nas duas grandes áreas da música mecânica: os instrumentos de música mecânica e os fonógrafos e gramofones. A primeira forma de instrumento musical mecânico foi a caixa de música de cilindro, tornando possível ouvir-se música em casa sem ter que aprender a tocar um instrumento. Dentro desta parte da coleção é possível encontrar as diversas tipologias dos instrumentos de música mecânica: caixa de música de disco metálico, caixa de música de cilindro metálico, o autómato, o instrumento de cilindro de madeira, o instrumento de suporte perfurado e diversos objetos ligados a estes instrumentos.

A segunda área da música mecânica é dedicada aos fonógrafos e gramofones. Estes aparelhos tornaram possível gravar e reproduzir no momento seguinte a voz humana pela primeira vez. Estes têm a capacidade de nos transmitir a sua sonoridade por intermédio de cilindros que imortalizam as canções dos artistas do passado.

O primeiro fonógrafo foi apresentado por Thomas Edison em 1877. Esta máquina era constituída por um cilindro posto em movimento por uma manivela e recoberto por uma folha de estanho muito fina. “Num dos lados havia um estilete preso a um diafragma para gravar o som, e no outro uma agulha presa a um outro diafragma para o reproduzir. Edison pôs lentamente em movimento o cilindro e recitou um poema infantil Mary Had a Little Lamb, ouvindo-se a sua voz a reproduzir estes versos”, explica o colecionador, “Assim, tinha acabado de nascer a primeira máquina falante, o Tin Foil Phonograph, a primeira invenção com a capacidade de registar a voz humana”. O surgimento do fonógrafo levou o público a desinteressar-se pelos instrumentos de música mecânica.

Posteriormente foi a vez do gramofone se impor em relação ao fonógrafo. O Gramofone foi inventado por Berliner em 1887. O gramofone substituiu claramente o fonógrafo como instrumento de reprodução, sendo considerado como o grande precursor dos gira-discos elétricos que chegaram até aos nossos dias.
Nesta coleção estão incluídos diversos modelos de fonógrafos e gramofones: gramofones de viagem, gramofones de criança, grafonolas, objetos relacionados com esta área como brinquedos musicais, agulhas, etc. e as formas de comunicação utilizadas na promoção destes aparelhos. O aparecimento da telefonia fez com que os gramofones perdessem gradualmente a sua influência. Durante décadas as máquinas falantes que constituem esta colecção eram os únicos meios para divulgar a música. Perante o som destas caixas falantes no plano acústico, estas são restauradas permitindo a audição destas sonoridades que nos transportam para o plano sentimental ao despertar uma profunda nostalgia através da recriação do fascínio que provocou nas gerações
passadas.

A coleção começou como um passatempo, tornando-se no primeiro museu dedicado à música mecânica. Neste espaço é impossível resistir à audição dos sons mágicos e nostálgico, produzidos e reproduzidos por estas máquinas falantes. É através da memória auditiva dos visitantes que ficará parte da essência da sociedade desta época. Este museu será o palco de um concerto do passado. “Ver, ouvir e sentir” é a mensagem que se deixa a todos os visitantes que se aventurem nesta viagem musical. A difusão desta arte permitiu o universo de uma linguagem musical, sem barreiras linguísticas.

O Museu de Música Mecânica, para além das salas de exposição, tem um auditório, uma sala de exposições temporárias (atualmente com uma coleção de fotografias de Luís Cangueiro), um centro de documentação, uma cafetaria e um espaço de venda de artigos relacionados com o museu.

Andor violeta


Andor violeta foi uma expressão que sempre achei, em simultâneo, fascinante e estranha. Significa apenas “põe-te a andar” ou “sai da minha frente, não me aborreças”. Há outras expressões ou palavras igualmente curiosas como sertã (frigideira), “estar com o toco” (estar aborrecido) ou morcão (tonto ou estúpido). E ainda cruzeta (cabide), ferrar o jeco (fazer uma dívida), trolha (pedreiro) ou carago (caramba).

Estas e outras palavras fazem parte das entradas do livro lançado ontem no café Progresso (Porto), Dicionário do Calão do Porto, de João Carlos Brito (Porto, 1966). Licenciado em Línguas, Literaturas e Culturas Modernas, exerce a profissão de professor-bibliotecário na Escola Secundária de Gondomar. Em 2010, publicara Heróis à Moda do Porto, a que se seguiu em 2014 Lugares e Palavras do Porto. Agora é a vez do dicionário.

O autor é favorável aos regionalismos. Aquando da saída do livro anterior, ele defendia as marcas linguísticas regionais, as quais tendem a esbater-se devido à televisão. No lançamento do livro de ontem, foi um pouco mais longe e falou de centralismo de Lisboa. Mas elogiou marcas de identidade linguística dos madeirenses e açorianos, com vocábulos levados do Alentejo para aquelas paragens. Creio que, a par dos regionalismos da região portuense, deve haver um estudo das marcas linguísticas alentejanas.

Museu ferroviário de Quioto

O museu ferroviário de Quioto (Kyoto Railway Museum) abriu no final de abril deste ano. É uma nova atração da cidade, pela quantidade e qualidade de material exposto, como as locomotivas de carvão e os modernos comboios que operam na linha de alta velocidade Shinkansen (新幹線). A joia da coroa é uma enorme sala-anfiteatro cheia de linhas e comboios em miniatura a andar, o que causa muita alegria a crianças e adultos. Entrada 1200 ienes (cerca de dez euros).

50 Anos de Rádio em Angola

50 Anos de Rádio em Angola, de José Maria Pinto de Almeida, é um livro de memórias de gente que fez rádio naquele país, do arranque das estações em cada cidade (Rádios Clubes) até 1975 (em alguns casos até depois). Não é uma história da rádio mas uma história das pessoas que fizeram a rádio. Não é um livro de um autor mas de muitos locutores, técnicos e homens de cultura que nasceram em Angola ou adotaram aquele país como o seu. Ao ler o livro, verifico que a rádio em Angola teve tão ou maior importância que em Portugal – pela dimensão, pela originalidade, pelas influências (Portugal, Brasil, culturas locais).

rádio em angola

É um livro de cultura maioritariamente branca, pensei num primeiro momento. Mas o que este retrata nos 50 anos de rádio naquele país foi o que foi feito, logo não existe razão para a crítica. E, depois, cria espaço para os esforços de promoção da música angolana, branca e negra. Se aparece o Duo Ouro Negro, há atenção para N’gola Ritmos, Elias Dia Kimuezo, Liceu Vieira Dias (Muxima), Lurdes Van-Dúnem.

Da leitura das páginas do livro de José Maria Pinto de Almeida, revejo alguns dos nomes mais importantes na rádio portuguesa, a começar pelo pioneiros Fernando Curado Ribeiro e Joana Campina, idos para Nova Lisboa (Huambo). Mas também Fernando Alves, Emídio Rangel, Carlos Cruz, Carlos Brandão Lucas, Alexandre Caratão, Sebastião Coelho, Paulo Cardoso, Alice Cruz, Maria Dinah, Adelino Gonçalves, Jaime de Saint-Maurice, Celestino Leston Bandeira, Jorge Pêgo, António Macedo, António Taklim, Jorge Perestrelo, Rui Romano, Júlio Coutinho Antunes, Humberto Mergulhão e Natália Bispo. E muitos outros, que nunca ouvira os nomes.

Há estações que registo como sendo das mais importantes, como Rádio Clube de Huíla, Rádio Clube de Huambo, Rádio Ecclesia, Rádio Clube de Angola, Emissora Oficial de Angola. E programas como Luanda (de 1962 a 1975). José Maria Pinto de Almeida, o autor do livro, foi também o grande animador do programa (pp. 46-49). No arranque do programa, ele é apresentado como um rapazinho desconhecido que dançava twist, o ritmo da moda, no cinema Restauração, operadorzeco que substituía o operador Armando Rebordão Correia na abertura da estação às sete da manhã, já a mostrar uma tendência para a sonoplastia. Quem o conhece dele diz que foi o maior sonorizador da rádio angolana e, com isso, também ganhou muita fama e proveito. O livro agora editado é o velho sonho dele – um balanço de carreiras fabulosas e ricas de locutores, sonoplastas e escritores. Onde descobri, por exemplo, que Leston Bandeira foi locutor de desporto para os lados longínquos do Moxico (estou certo do sítio?).

Ao ler o livro é que compreendi a saudade dos que deixaram Angola: os cheiros, a savana, a Mutamba e o Bairro Operário de Luanda, os embondeiros e os animais, a poesia e as artes. Em que a rádio, lê-se no livro, foi um elemento muito importante. Nestes dias de leitura do livro, fiquei apaixonado por Angola e encantado pela cultura feita pelos homens da rádio em Angola.

Leitura: José Maria Pinto de Almeida (2016). 50 Anos de Rádio em Angola. Casal de Cambra: Caleidoscópio. 247 páginas, 34,98 euros.

Observação: ao longo do texto, a maior parte das palavras não estão separadas, o que causa bastantes problemas de leitura.

Consumos de media

Foi ontem de manhã que a ERC, a Universidade Católica e a GfK apresentaram o estudo As Novas Dinâmicas do Consumo Audiovisual em Portugal, mais assente na televisão que nos restantes media audiovisuais. Conforme alguém da assistência resumia na parte de debate, desapareceram alguns mitos da atual conceção dos media: a internet atinge 60% da população, a televisão é o meio audiovisual de maior consumo de informação e entretenimento, o consumo é fundamentalmente linear (o consumo posterior ou time-shift tem uma expressão de 12%).

O cenário do auditório em que decorreu a apresentação dos resultados estava bonito – parecia a sala de estar onde consumimos habitualmente a televisão, a preparar a apologia deste meio de comunicação. Os resultados foram apresentados por Nelson Ribeiro e Catarina Burnay, investigadores da Universidade Católica, e Joelma Garcia e Natacha Cabral, especialistas e responsáveis da GfK.

Retenho-me no sumário executivo do documento apresentado (total de 66 páginas, e que pode ser lido aqui). O sumário executivo divide-se em duas partes (consumo de media; consumo de conteúdos audiovisuais). Enfatizo a segunda parte do sumário executivo: equipamentos/aparelhos, consumo por tipos de conteúdos, consumo em direto versus em diferido, multi-ecrãs, rotinas de consumo de televisão indoor, outdoor e em linha e subscrição de conteúdos em linha. Foco ainda mais em pormenor no consumo por tipos de conteúdos: informação (89,5%), telenovelas, filmes e séries (56,3%), entretenimento (50,3%), documentários (47,2%), desporto (44,6%) música e desenhos animados (perto de 30%). O trabalho de campo, realizado pela Intercampus, foi feito entre 3 de outubro e 30 de novembro de 2015, num processo de random-route para seleção do lar e teve uma amostra inicial de 1018 entrevistas.

A conferência terminou com a participação de Nuno Artur Silva (RTP) e José Eduardo Moniz (especialista de televisão e antigo diretor-geral da TVI)

[vídeos com parcelas das intervenções de Catarina Burnay e Joelma Garcia]