Arquivo da categoria: Exposição

Ópera chinesa no Museu do Oriente

O ocidente gosta da ópera chinesa mas não conhece o seu repertório narrativo e o modo como se combinam o canto, a música, a dança, a mímica, a acrobacia e o humor. A ópera chinesa surgiu no final do século XI e a sua época dourada iniciou-se no século XIII. Há estilos regionais diferentes, mas destacam-se os de Beijing e de Cantão.

 

 

 

 

 

O repertório inclui comédias satíricas, histórias de amor, peças históricas e mitos fundadores da China. A exposição patente no Museu do Oriente explora quatro das mais célebres histórias: Romance dos Três Reinos, A Viagem ao Ocidente, A Lenda da Serpente Branca e o Pavilhão da Ala Oeste. Assim, compreendem-se traços gerais da história do país, como a crítica de costumes, a exaltação das virtudes guerreiras, o temor aos deuses, a transmissão da sabedoria dos mais velhos. Há ainda espaço para o teatro das marionetas.

Trajes, maquilhagem e acessórios identificam as personagens. Linhas negras indicam rugas. O branco é para ministros traidores e personagens violentas como generais e bandidos, o vermelho é para homens honestos e fieis, o azul para personagens vigorosas, o amarelo para calculistas, o verde para orgulhosos e o dourado para os deuses. As personagens masculinas dividem-se em idoso, jovem e guerreiro, as femininas em idosa, mulher virtuosa, cortesã ou criada, guerreira e jovem de família distinta. A estas personagens, juntam-se os rostos pintados e os palhaços [texto a partir dos elementos da exposição].

Le Corbusier

 

 

 

 

Charles-Édouard Jeanneret, mais conhecido por Le Corbusier (1887), começou por se dedicar à relojoaria mas orientou-se depois para a arquitetura. Ele formou-se junto dos grandes arquitetos da época, como Hoffman, Pierret e Behrens, e viajou muito pela Europa. Mas a exposição no Centre Pompidou, em Paris, revela um igualmente talentoso pintor.

Sem qualquer intenção de o biografar, destaco alguns momentos da sua atividade: purismo, espírito novo, figuração dos corpos, equipamentos domésticos, modulor, unidades de habitação, período acústico, ressonância espiritual e cidade humanista.

Mona Hatoum

Mona Hatoum nasceu em 1952 no Líbano, filha de pais palestinianos. Quando a guerra civil rebentou no seu país, ela estava em Londres, não podendo regressar. Matriculou-se numa escola de arte em Londres, tendo adquirido a nacionalidade inglesa. Desde 2003, divide o seu tempo entre Londres e Berlim.
Agora, uma exposição completa das sua obras, nomeadamente instalações desde o final da década de 1970, está presente no Centre Pompidou. Ela atraiu inicialmente pelas suas performances e trabalhos em vídeo com uma expressão assente em motivações sociais e políticas. Depois, começou a trabalhar em esculturas e grandes instalações. A sua obra articula-se entre minimalismo, arte cinestésica e conceptual com o surrealismo.

 

Luz de Lisboa

luz de lisboacidade do solramalhete

No Museu de Lisboa – Torreão Poente, ao Terreiro do Paço, inaugura amanhã a exposição A Luz de Lisboa, abrindo ao público no dia 17 de Julho (vai até 20 de dezembro de 2015).

A Luz de Lisboa tem como objetivo apresentar, pela primeira vez, uma exposição sobre o fenómeno mundialmente reconhecido da luz natural de Lisboa, luz considerada única e especial que continua a encantar todos os dias portugueses e estrangeiros. A exposição apresenta obras do acervo do Museu de Lisboa menos conhecidas do público e desafia o visitante a olhar a cidade, tomando consciência da luz que a atravessa, como se de um voo de pássaro sobre Lisboa se tratasse.

Comissariada pela Profª Doutora Ana Eiró, professora de física e ex-diretora do Museu Nacional de História Natural e da Ciência, e por Acácio de Almeida, diretor de fotografia no cinema português e estrangeiro. [imagens: cartaz; cartaz do espólio IHRU SIPA; Carlos Botelho, Ramalhete de Lisboa]

[imagens e texto fornecido pela organização e promoção da exposição]

A Journey Through London Subculture: 1980s To Now

ZL_ZMIsto não é uma exposição mas um projecto. Melhor ainda: A Journey Through London Subculture: 1980s To Now é uma experiência ou experimentação, em que o Institute of Contemporary Arts (ICA), de Londres, procura testar a existência de um legado cultural e artístico interligado desde a década de 1980. Para tal, foi criado um ambiente no Old Selfridges Hotel, na Orchard Street, quase junto à Oxford Street, não muito distante do Marble Arch [imagem: Kinky Gerlinky, década de 1980].

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Fotografias, design, vídeos, objectos reunidos em assemblages, imagens de revistas e vestuário expressam colectivos e artistas de vanguarda e alternativos mas também cenas de clubes nocturnos, restaurantes e espaços industriais. Uma contra-cultura bem vincada, rodeada por memórias da música, de doenças como a SIDA e da comercialização da arte e do consumo conspícuo.

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Museu do Chiado

ANJosé de Almada Negreiros (1893-1970) foi um artista de diversos talentos: poeta, escritor, bailarino, actor, desenhador, pintor. O Museu Nacional de Arte Contemporânea (Museu do Chiado) dedica, em exposição temporária, uma sala ao artista, nomeadamente o moderno desenho A Sesta (1939).

Além de outra exposição temporária, a de Jorge Oliveira (1924-2012), A Invenção Contínua, congratulo-me com a exposição permanente, onde dialogam obras do século XIX com o século XX, numa melhor aproximação à história da arte portuguesa. Uma visita ali não esgota a necessidade de conhecer melhor a cultura artística portuguesa. O museu fica ao serviço dessa divulgação, que faz parte das suas obrigações. O que pareceu esquecido nos anos mais recentes.

Exposição Maria Keil em Cascais

bar dos cavalos“O Museu da Presidência da República inaugura no próximo dia 10 de Julho, no Palácio da Cidadela de Cascais, em parceria com a Câmara Municipal de Cascais, a exposição «de propósito – Maria Keil, obra artística», apresentando uma visão retrospectiva e abrangente dos seus trabalhos. Com base num recenseamento exaustivo da sua obra, de oito décadas, o projecto expositivo procura dar conta do percurso multifacetado da artista, que trilhou os caminhos da ilustração, do azulejo, do design gráfico, da pintura, do desenho, do mobiliário, da tapeçaria, da cenografia e dos figurinos. A qualidade, inovação e surpresa do seu trabalho conferem a Maria Keil um lugar indiscutível na História da Arte portuguesa do século XX. «de propósito …» é a apropriação de uma expressão utilizada pela artista, por ocasião do seu 80º aniversário: «Faço 80 anos, sim e é de propósito». A ironia subjacente em grande parte dos seus trabalhos, a desconstrução, a diversidade de abordagens e de suportes e a fuga a categorizações espelham bem a personalidade de Maria Keil e a reivindicação da sua liberdade criativa.

excerto painelpainel CTT“Maria Keil (Silves, 1914 – Lisboa, 2012) frequenta a Escola de Belas Artes de Lisboa e é aluna de Veloso Salgado. Em 1933 casa com o arquitecto Francisco Keil do Amaral. Três anos mais tarde inicia colaboração com o Estúdio Técnico de Publicidade, fundado por José Rocha, para o qual trabalham também Carlos Botelho, Fred Kradolfer, Ofélia e Bernardo Marques. Realiza a primeira exposição individual de pintura em 1939 na Galeria Larbom, em Lisboa. Em 1941 ganha o prémio de revelação Souza-Cardoso com o seu auto-retrato. Outras participações se seguem, no Secretariado de Propaganda Nacional, na Sociedade Nacional de Belas Artes. A partir dos anos 50 do século XX inicia uma inspirada e constante obra azulejar, entre muitos outros exemplos para as estações do Metropolitano de Lisboa, criação que lhe confere lugar indiscutível na História da Arte portuguesa. A par do azulejo, também a ilustração – na literatura para a infância, nos manuais escolares – constitui campo de trabalho profícuo, inovador, durante décadas. Maria Keil destaca-se também noutras expressões artísticas: no desenho para selos, mobiliário e decoração, figurinos e cenografia, fotografia, calçada, tapeçaria” (texto da entidade organizadora; imagens: em cima, à esquerda, móvel bar de cavalos; a seguir, excerto painel e painel CTT).

Maria Lucília Moita

Maria Lucília Moita (1928-2011) foi considerada das últimas herdeiras dos pintores naturalistas (casos de Silva Porto e Henrique Pousão). As suas pinturas estão presentes em colecções particulares e museus (Chiado, Centro de Arte Moderna/Fundação Calouste Gulbenkian, José Malhoa, Dr. Anastácio Gonçalves, Museu de Setúbal).

maria lucília moita

Agora, na Galeria Municipal de Arte de Abrantes, está patente a exposição da mãe, de Miguel Simão, filho da pintora, numa leitura íntima de Maria Lucília Moita onde se misturam fotografia e pintura.
da mãe
Escreveu Miguel Simão: “Quando começava uma tela tinha de ir para a rua, ao encontro da natureza que a fazia pintar. Nos dias seguintes, já no atelier, iluminado pela luz da rua ou do candeeiro quando noite, raspava, colocava tinta com os pincéis meio gastos, dando a forma última”.

Paula Rego a visitar

regoA nova exposição de Paula Rego na Casa das Histórias (Cascais) é um núcleo fundamental de catorze obras da série Óperas (1983) da pintora portuguesa radicada em Londres. La Bohème, de Puccini, Aida, Rigoletto, Falstaff e La Traviata, de Verdi, Fausto, de Gounod, Carmen, de Bizet, e Jenufa, de Leoš Janácek, são as obras que inspiraram a autora. Nos quadros, que ela pinta no chão, de cima para baixo, como se fossem grandes bandas desenhadas, representam-se histórias que são simultaneamente comédias e tragédias, nas quais os humanos e heróis interagem com animais, vegetais e híbridos. Por vezes, são imagens desconcertantes como se fossem contos de fadas, mas sempre vivas apesar das cores de uma paleta expressivamente em número reduzido (curadoria de Catarina Alfaro).

Para além desta mostra temporária, recomenda-se uma visita a outras obras da pintora, nomeadamente um pequeno conjunto de colagens e pinturas de meados da década de 1960, trabalhos artesanais muito minuciosos, com uma linguagem intimista e ainda sem o carácter antropomórfico da obra posterior.

rego

Planificação e Organização de Exposições. O Papel do Curador

Nos dias 1 e 2 de Junho de 2013 decorrerá em Lisboa, nos Ateliers de São Vicente, o Workshop Planificação e Organização de Exposições: o Papel do Curador, por Cláudia Camacho. O atelier tem a seguinte estrututura: Módulo I: O trabalho do Curador | Módulo II: Como se cria um projecto de exposição |Módulo III: Como se organiza uma exposição | Módulo IV: Como se divulga uma exposição.

curador

Cláudia Camacho é curadora independente. Doutoranda em História da Arte (Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense, Madrid) desenvolve, actualmente, a sua tese de doutoramento sob Menção Europeia. Comissariou as exposições: High Speed Press Plate de José Luís Neto (CBA, Madrid); Se Busca Memoria Perdida de Kristoffer Ardeña (Centro 14, Alicante); Representação Portuguesa no DVD-Project (Fundação Telefónica, Peru); Contemplaciones (Festival Loop, Barcelona); For Nothing de Pedro Torres (Round The Corner, Lisboa). Coordenadora de actividades no PhotoEspaña|07. Curadora residente convidada pela Academy of Fine Arts and Design para o European Month of Photography/09, em Bratislava. Organizou o Ciclo de Debates da ARTE LISBOA 2011. Curadora portuguesa convidada para projecto Jugada a 3 Bandas, Camera Oscura, Madrid|12 e Arte Santander|12, com a exposição Histórias e Desejos de quem Dorme (Ana Rito, Cecilia de Val, Margarida Paiva e Johann Ryno de Wet). É coordenadora do projecto português AntiFrame – Independent Curating Project. Mais informações / Inscrições: http://antiframe.wordpress.com [informação da organização].

“Ninguém diz nada”

É o título de uma exposição que pretende inserir 23 jovens artistas no meio criativo. Como resultado desta ambição são dados a conhecer ao público, através da abertura de um espaço devoluto marcante na história do concelho,  os diferentes discursos artísticos que passam pela escultura, pintura, instalação, vídeo e performance. Os artistas trabalharam no espaço e para o espaço, culminando na exposição colectiva a inaugurar a dia 16 de Maio às 19:00, na Quinta da Alagoa, em Carcavelos, até 16 de Junho. [texto a partir de informação da organização]

Sena da Silva. Uma antologia fotográfica

No próximo dia 22 de Maio, inaugura na Cordoaria Nacional – Galeria Torreão Nascente a exposição Sena da Silva. Uma antologia fotográfica, conjunto de aproximadamente 200 fotografias. Homem de múltiplos talentos, da arquitectura ao design e à pintura, Sena da Silva foi também um grande fotógrafo de Lisboa na segunda metade do século XX.

sena da silva

O autor “despontou nos anos 50; porém, nas décadas seguintes, a sua fotografia foi progredindo para um imaginário fortemente eclético, revelador da sua relação simultaneamente íntima, lúdica e experimental com a fotografia, que se comprova pela coexistência de vários géneros (reportagem, paisagem e retrato) e interesses temáticos (os lugares e a arquitectura, a cidade e a vida quotidiana, os objectos, a viagem, etc.) que motivaram a atenção do seu temperamento empreendedor e criativo” (informação do comunicado da organização). A acompanhar a exposição, será publicado um livro com imagens da exposição e vários textos de Sena da Silva. Até 4 de Agosto de 2013, com entrada grátis. Curadoria: Sérgio Mah.

Rádio

Hoje é o segundo Dia Mundial da Rádio. Qual pode ser o meu contributo para assinalar este dia? Escrever que sexta-feira se inaugura uma exposição sobre [Francisco] Igrejas Caeiro, um eminente homem da rádio (Fundação Marquês de Pombal, Linda-a-Velha), e que eu vou falar sobre as estações de rádio no Porto, numa perspectiva de historiador, no próximo dia 25 naquela cidade (Museu dos Transportes e Comunicações).

O riso

“O que é o riso? O que mostra e o que esconde o riso? E o que diz o riso de quem ri, daquilo que ri, do tempo em que ri e do modo como ri? O que há de comum entre uma cara de palhaço, o sorriso da Gioconda, uma anedota de café, um enredo de comédia, um boneco das Caldas, uma blague de salão, o D. Quixote de la mancha, o Contra-Informação, um urinol a que um artista chamou obra de arte” (do catálogo da exposição RISO – Uma exposição a sério, patente no Museu da Eletricidade, em Lisboa, até 17 de março de 2013).

Lê-se num texto da exposição: “O riso não tem uma fisionomia: qualquer fisionomia é boa para rir. Rir convoca um conjunto impressionante de músculos e nervos faciais, e o rosto é o lugar privilegiado do rir e do sorrir”. Esta é uma exposição onde se juntam, entre muitos outros, Júlio Pomar, Eduardo Batarda, Ângelo de Sousa, Eija-Liisa Ahtila, Raul Solnado, Produções Fictícias, Gato Fedorento, Cristina Sampaio, Helena Vasconcelos.

Tomo de empréstimo uma passagem do livro de Henri Bergson O riso. Ensaio sobre a significação da comicidade (tradução feita no Brasil): “Muitas vezes se disse que os defeitos leves dos nossos semelhantes são os que nos fazem rir. Reconheço que há grande parcela de verdade nessa opinião, mas não posso acreditar que seja totalmente exata. Primeiramente, em matéria de defeitos, é difícil traçar o limite entre o pequeno e o grande: talvez não seja por ser pequeno que um defeito nos faz rir, mas, como por nos fazer rir o achamos pequeno, nada desarma tanto quanto o riso”.

Cartoon no festival de banda desenhada da Amadora

Até ao dia 8 deste mês, pelas 17:00, está aberto o concurso de cartoon inserido no 23º Amadora BD – Festival Internacional de Banda Desenhada 2012. O tema do concurso é livre e podem concorrer os autores que tenham mais de 16 anos de idade, com trabalhos individuais ou em equipa, a entregar na Câmara Municipal da Amadora (CNBDI – Centro Nacional de Banda Desenhada e Imagem) (Av. do Brasil, 52 A, Amadora). Cada concorrente ou equipa pode apresentar até dois trabalhos, com pseudónimo para cada trabalho. O formato dos trabalhos admitidos é o A4.

A exposição de cartoons estará patente durante o 23º Amadora BD – Festival Internacional de Banda Desenhada 2012, entre 26 de outubro e 11 de novembro.

Edvard Munch

Edvard Munch (1863-1944) pintou durante quase de cinquenta anos, mostrando uma ligação entusiástica com a litografia, a pintura a óleo, o desenho, a fotografia, em exposição na Tate Modern (Londres) até ao próximo dia 14 de outubro (sigo de perto o texto de Simon Bolitho, no desdobrável que acompanha a exposição).

Munch, que viu familiares muito próximos morrerem de tuberculose, fez parte de um círculo boémio de pintores e escritores que rejeitavam valores tradicionais. Após permanecer em Paris e Berlim, o pintor expressou as suas fantasias e ansiedades nas obras, dominadas mais pelos estados emocionais que pela representação naturalística. Na sua longa carreira, foram múltiplas as imagens que ele fez de si próprio (autoretratos), muitos delas apresentando-o de perfil, quer na tela quer enquanto fotógrafo. Munch fez repetidos retratos junto às suas obras, o que permite escrutinar como eram os locais de colocação desses trabalhos, além de compreender uma sua característica: ele gostava muito das suas obras, as suas crianças, como dizia.

Outro elemento que possibilita entender o trabalho do pintor norueguês foi a permanente revisitação à sua obra, pintando telas com o mesmo tema, algumas delas distanciadas dezenas de anos, permitindo ver e estabelecer comparações estilísticas e de conhecimento do seu estado psicológico, um “trabalho em progresso” como designou o próprio pintor. Foram os casos das obras A Criança Doente (a sua irmã Sofia, falecida com treze anos), Raparigas na Ponte e O Beijo e o Vampiro.

O olhar quanto ao espaço ótico com que Munch preenche a tela torná-lo-ia famoso, caso de O Grito. Mas o modo como desenha o espaço é claro em obras como Os Trabalhadores no Regresso a Casa (1913-1914). O espaço adquire efeitos de perspetiva que alargam o sentido de distância e que podem remeter quer para o impressionismo quer para a impressão japonesa. O cubismo e o futurismo exerceram influência embora ele se tenha mantido bastante fiel à representação naturalista. O motivo de O Quarto Verde seria compulsivo no pintor norueguês, série de trabalhos que mostram um interior claustrofóbico. A imagem evoca um momento dramático de uma mulher.

As novas tecnologias da sua época atrairam-no sobremaneira, caso do cinema. Ele foi um amador do filme. Além de ir frequentemente ao cinema, onde levava o seu cão, entusiasmou-se e fez muitos filmes, após a sua visita a Paris em 1927, onde comprou uma Pathé-Baby. Ele fez imagens do quotidiano (cenas de rua, tráfego automóvel, amigos), muitas vezes com a câmara em movimento, contrariando o que o livro de instruções da máquina indicava: manter a câmara fixa.

Munch dedicou igualmente atenção às artes performativas, sendo responsável pela cenografia de uma peça de Henrik Ibsen Fantasmas, produzida em Berlim, no novo teatro Kammerspiele, onde atores e público partilhavam um espaço íntimo. Foi esse o período em que trabalhou o tema O Quarto Verde, como acima explicito.

O jornalismo ao longo do século XX

O Jogo da Glória – o Século XX Malvisto pelo Desenho de Humor, tema de exposição e livro organizado pelo Museu da Presidência da República, reflete o século que acabou há pouco mais de uma década.

Do texto inaugural de João Paulo Cotrim, destaco a importância dada a publicações como Sempre Fixe, de Almada, Botelho e muitos outros, Parada da Paródia, de António Gomes de Almeida e Gustavo Fontoura, Gaiola Aberta, de José Vilhena, A Mosca, de João Abel Manta e Manuel Vieira, e Os Ridículos, de Alonso e Stuart. A caricatura, o cartoon, o desenho de humor eram levados ao limite, atravessando muitas publicações e intervenções. De Rafael Bordalo Pinheiro, com o seu Zé Povinho, aos mais recentes Guarda Ricardo, de Sam, Bartoon, de Luís Afonso, Cão e Traste, de Cid, Cravo & Ferradura, de Bandeira. Isto é, cruzando o polícia, o barman, o mendigo, a dona de casa, um qualquer empregado de escritório com o humor sobre as situações do quotidiano, em especial as de matriz política.

Um texto que me atraiu no livro foi o escrito por José Miguel Sardica, intitulado Jornais e Jornalismo. Apostolado Cívico, Voz do Dono ou Quarto Poder Frustrado. O autor equaciona bem a dicotomia liberdade e censura: houve censura no século XVIII, liberdade com a construção do espaço público burguês no tempo do fontismo, liberdade e censura no final da Monarquia e na Primeira República, censura na Ditadura Militar e no Estado Novo, liberdade e censura no PREC, liberdade no Portugal democrático e europeu (p. 295).

O estudo de José Miguel Sardica abarca o período do final da Monarquia até aos nossos dias, da fase industrial da imprensa, apoiada no telégrafo e no telefone, nas correspondências e nos noticiários de agência de informação, à diversificação qualitativa da imprensa na dobragem do século XIX para o XX, ao surgimento de semanários de caricatura e revistas ilustradas, como o Occidente e a Ilustração Portugueza, por distinção da imprensa partidária e comercial, esta com informação comercial e politicamente imparcial, e imprensa no final da I República, com um tom crítico face à demagogia política e à anarquia social. Sardica também analisa a repressão trazida pelo Estado Novo, referindo Gomes da Costa, responsável militar pelo golpe de 28 de maio de 1926: os militares iniciaram a censura aos jornais quando os jornalistas começaram a “incomodar”.

Os inspetores e os funcionários do lápis azul nasciam. Não eram do lápis vermelho, porque esta era a cor do comunismo (p. 300). A censura tornava-se poderosa. O autor escreve que no Estado Novo a censura foi maior que a propaganda, porque a primeira sujeitava todos os jornais, ao passo que a segunda só era seguida pelos títulos da Situação. José Miguel Sardica entende que a censura nem sempre foi igual: mais ativa e forte nos anos de consolidação institucional do regime e dos perigos externos (Guerra Civil de Espanha, II Guerra Mundial), mais branda e rotinizada nos anos de ouro do regime (1945-1958), redesperta com o “terramoto” Humberto Delgado e a partir de 1961 (começo da guerra nas colónias em África, perda de territórios na Índia).

A década de 1960 foi um tempo de profundas transformações (economia, tecnologia, algum rejuvenescimento e feminização da redações). O arranque da televisão tornaria o poder mais interessado nos media (mais Caetano que Salazar). O regime morreria a 25 de abril de 1974, com os jornais em sucessivas edições a ostentarem a tarja que dizia não terem sido visados pela censura, o que acontecia muitas décadas depois. Jean Paul Sartre, ao analisar a imprensa portuguesa do período do PREC (1974-1976), disse que aquela opinava muito mas explicava pouco. A propaganda predominava sobre a informação, o comentário e a análise, como escreveu Mário Mesquita (p. 303).

A Lei da Imprensa de 1975 e a adesão do país à União Europeia em 1986 foram dois elementos estruturantes dos media nacionais, com novas e profundas alterações: declínio dos vespertinos, restyling da imprensa (aparecimento de títulos: Correio da Manhã, um popular paper, e Público, um quality paper), explosão das rádios locais, após a lei de 1987 (de que destaco o projeto TSF), abertura da televisão privada após 1992 (SIC, TVI). Mais para o final do século XX, nascia o webjornalismo.

Leitura: Diogo Gaspar e Rui de Almeida (coord.) (2012). O Jogo da Glória – o Século XX Malvisto pelo Desenho de Humor. Lisboa: Museu da Presidência da República, 409 páginas

Art Déco no Museu do Chiado

“O estilo Art Déco, designação que só surge nos anos 60, ou Estilo 1925, como também é conhecido (em apropriação da designação da magna Exposição das Artes Decorativas e Industriais Modernas realizada em Paris naquela data), conhece, num contexto atual de crise, um renovado interesse mundial. Congregando, eclética e decorativamente, as heranças das vanguardas artísticas dos começos do século (do Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expressionismo e, até, do Abstracionismo) aliadas a sugestões vindas dos Movimentos Decorativos Modernos (como a Secessão Vienense, os grafismos francês e germânico de 1900 ou os Ballets Russes), o Art Déco foi o primeiro estilo global e universal que o Mundo conheceu, aspirando a constituir-se como Arte Total (inspiração de vida), tal como na proposta pioneira de Wagner no século XIX, alargando-se a todas as expressões artísticas e a todos os aspetos da vida quotidiana e expandindo-se, ao longo dos Anos 30, dos horizontes franceses ao resto da Europa, Estados Unidos, América do Sul, África, China, Austrália e Japão. […] Em Portugal, o Art Déco projetou-se, igualmente, com excelente pujança. Com efeito, uma parte muito substancial dos artistas portugueses do 1º e 2º Modernismos foram praticantes altamente empenhados deste gosto que, como nos outros países, renovou a totalidade dos mais diversos aspetos da vida quotidiana – e o próprio Estado Novo viu neste Movimento um veículo eficaz de propaganda e afirmação de poder” (Museu do Chiado) [Reprodução: António Soares (1894 – 1978). No terrasse do Café des Plaires. C.1925. Óleo sobre tela, 33 x 36 cm. Col. MNAC-Museu do Chiado. Inv. 654. Foto: Carlos Monteiro, DGPC].

Exposição temporária patente no Museu do Chiado até 28 de outubro de 2012.

Armando Leça

Armando Leça. A música portuguesa nos novos meios de comunicação é uma exposição patente na Casa Verdades de Faria, Museu da Música Portuguesa, em Cascais. Armando Leça (1891-1977) foi compositor, intérprete, regente, folclorista, crítico, etnomusicólogo, ensaísta, novelista e poeta, além de pioneiro na utilização dos media (cinema, rádio e indústria discográfica). Na visita à exposição, há o contacto com a participação do músico “na construção do cinema português, no surgimento dos primeiros programas de rádio e da primeira etiqueta discográfica dedicada à música folclórica, e ainda com a primeira coleção de registos sonoros de matriz rural extensiva ao continente, realizada a pedido da Comissão dos Centenários por altura da exposição do Mundo Português (1940)” (do programa) [em baixo, reprodução de duas páginas da Agenda Cultural Cascais, nº 56, referente a maio-junho de 2012].

No cinema, colaborou com a Invicta Film (Porto), compondo a música do filme Os Fidalgos da Casa Mourisca (1920) e Mulheres da Beira (1921), mas também Amor da Perdição e Rosa do Adro, filmes ainda mudos. Na rádio, assumiu a direção artística do programa Hora de Música Portuguesa, em 1932, na Rádio Porto, uma das estações pioneiras de Portugal. O próprio Armando Leça tocou ao piano ou no harmónio composições de Alfredo Napoleão, António Fragoso, Armando Fernandes, Artur Ferreira, Augusto Machado, Freitas Branco, Hernani Torres, Óscar da Silva, Tomás Borba, Tomás de Lima e Rui Coelho, entre outros (do catálogo da exposição). Mais tarde, entre 1957 e 1964, participou num programa do Rádio Clube Português (Porto). No disco, a partir de 1959, coordenou a edição de discos comerciais da fábrica discográfica portuense Rádio Triunfo, na etiqueta Alvorada, onde reuniu 85 discos de grupos folclóricos do norte do país. O rancho regional de Manhouce estreou-se nesta coleção discográfica, distinguindo-se Isabel Silvestre, nas décadas de 1980 e 1990, já depois do desaparecimento de Armando Leça.

O catálogo destaca ainda o levantamento sonoro de música de matriz rural (1939-1940), realizado para as comemorações do centenário, levadas a efeito pelo Estado Novo. O levantamento foi dado por desaparecido mas a sua recuperação e tratamento digital foi iniciada em 2010, numa parceria entre a câmara de Matosinhos, a RTP, o Arquivo Fonográfico de Viena (Áustria) e o Instituto de Etnomusicologia: Centro de Estudos em Música e Dança (Lisboa).

SEMENTES. VALOR CAPITAL

O MUDE, Museu do Design e da Moda Colecção Francisco Capelo, a partir do dia 18 próximo, abre a exposição Sementes. Valor Capital.

“Depois de terem guardado dinheiro e riquezas várias durante mais de 50 anos, os antigos cofres do Banco Nacional Ultramarino, actualmente propriedade da CML/ MUDE, recebem […] um bem vivo de toda a Humanidade, um valor capital do qual depende a própria sobrevivência das espécies – AS SEMENTES. O MUDE abre assim ao público a sala dos antigos cofres [imagem em cima], apresentando 500 variedades de sementes agrícolas plantadas em Portugal, tratando-se de uma oportunidade de conhecer melhor esta riqueza e de perceber um pouco melhor o design que a natureza nos legou. Compreender a importância das sementes é lembrar que estiveram na origem da agricultura e dos primeiros povoamentos sedentários, da escrita, do cálculo e da aritmética. Entendidas como dote de casamento em tempos passados, serviram também de moeda nas transacções comerciais. […] Produzida em colaboração com o Instituto Superior de Agronomia, o Banco Germoplasma Vegetal e a Associação Colher para Semear que constituíram a sua comissão cientifica, esta exposição espera contribuir para a sensibilização e consciencialização do público em relação a temática da biodiversidade” (informação da organização).

SCOOTERS NO MUDE

A exposição Lá vai ela, formosa e segura, scooters da colecção de João Seixas, 1945-1970, estará patente no MUDE (Museu do Design e da Moda), em Lisboa, até 24 de Outubro de 2010. Ressalto dois elementos: a exposição (que aconselho vivamente a ver) e o catálogo. Em meu entender, a exposição fica muito bem complementada pelo catálogo, pois à memória visual dos objectos junta-se a materialidade no catálogo, aquela com as dimensões físicas, este com as cores e o design vincado nas duas dimensões do papel. Acrescento um terceiro elemento: as peças de moda (vestuário com design de autores de grande prestígio), inseridas no contexto histórico das máquinas de duas rodas.

No catálogo, Bárbara Coutinho, directora do museu, explica o título: “A Leonor cantada por Luís Vaz Camões, que ia descalça para a fonte, »fermosa, e não segura», é reinventada por António Gedeão, em 1961, e passa a ir «voando para a praia, na estrada preta. Vai na brasa, de lambreta». Animado por esta nova Leonor e embalados pela sonoridade do poema, intitulámos Lá vai ela, formosa e segura a exposição que apresenta a evolução da scooter entre 1945 e 1970″.

Pedro Teotónio Pereira, em texto no mesmo catálogo, realça o desenvolvimento da scooter em simultâneo com o biquíni (1946)e o new look de Christian Dior (1947), mas também o primeiro rádio portátil da Sony (1954), o pronto-a-comer, as máquinas de lavar, os aspiradores e os gira-discos. 1946 foi o ano em que surgiram a Vespa, da Piaggio, e a Lambretta, da Innocenti. A publicidade da scooter Sachs de 1956 dizia: “É a scooter que em todos os pontos do Mundo é exigida para Senhoras, Párocos e cavalheiros de qualquer classe”.

A primeira motocicleta surgiu em 1894 na Alemanha, explicam João Seixas e João Lopes da Silva no catálogo, mas o veículo que mais se aproxima da scooter foi lançado em França em 1902. A trotineta americana de 1915, parente antiga de veículos ressuscitados recentemente, faz parte da genealogia dos veículos propulsionados por um motor de combustão de duas rodas, ou “o automóvel em duas rodas”, como dizia um folheto da Unibus em 1920.

A massificação e a idade de ouro das scooters surgiu entre 1946 e 1960. Estudantes universitários e mulheres assumiam-se como os principais difusores e consumidores do meio de locomoção, fácil de conduzir e estacionar em cidades cada vez mais complicadas quanto a tráfego rodoviário (à esquerda, cartaz do filme Roman Holiday, de William Wyler, com Gregory Peck e Audrey Hepburn, em que esta conduz uma scooter; ver vídeo a seguir). Empresas italianas, como as indicadas acima, produziram milhões de scooters. Indica Bárbara Coutinho no seu texto que Portugal também teve a sua scooter: a Casal Carina, da Metalurgia Carina, de Aveiro, produzida em 1967, e utilizada sobretudo por mulheres na zona de Aveiro que se deslocavam nas suas viagens entre casa e emprego.

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