Arquivo da categoria: Fotografia

Da fotografia ao azulejo

Da Fotografia ao Azulejo é uma exposição temporária que se pode visitar no museu Soares dos Reis (Porto). O tema é o azulejo enquanto decoração de espaços públicos e privados desde o século XVII em Portugal. Fachadas de edifícios de casas das cidades, mercados, instalações fabris e estações ferroviárias contam-se entre as que têm azulejos como elementos decorativos. Em muitas situações, os azulejos contam histórias ou são representações da paisagem, da sociedade e de momentos de trabalho. Lisboa, Porto (Vila Nova de Gaia) e Aveiro foram os centros fabris de trabalho do azulejo.

A exposição, para além de um grande repositório de imagens de locais onde ainda se veem os azulejos, mostra a maneira como artesãos e artistas pintam os azulejos a partir de modelos, nomeadamente fotografias. As fontes gráficas incluem livros, revistas e postais. Fotografias de Joshua Benoliel e de fotógrafos locais são empregues. Estas imagens trazem associadas a si a ideia de verdade. No Porto, há edifícios notáveis pelos azulejos, como a estação ferroviária de S. Bento e igrejas dos Congregados e de Santo Ildefonso, todos de autoria do pintor Jorge Colaço, produzidos em fábricas de Lisboa (Sacavém e Lusitânia). Já os painéis da igreja do Carmo (Porto) foram realizados nas fábricas de Vila Nova de Gaia (Senhor d’Além e Torrinha) [texto a partir do folheto que acompanha a exposição].

Nicolás Muller

Nicolás Muller.Obras-Primas, retrospetiva da vida e obra do fotógrafo húngaro Nicolás Muller, patente no Centro Cultural de Cascais, organizada em Portugal pelo Ministério da Educação, Cultura e Desporto do Governo de Espanha e pelo festival PhotoEspanha. A exposição tem curadoria de Chema Conesa e produzida pela Comunidade de Madrid, com 70 fotografias a preto e branco, parte do espólio guardado pela filha de Nicolás, Ana Muller. Fotografias feitas na Hungria, França, Espanha, Portugal e Marrocos. Algumas fotografias foram feitas na zona ribeirinha do Porto.

OPPIA

OPPIA significa Oporto Picture Academy, fica na rua Barão de S. Cosme, 228, no Porto, e abriu ontem com uma exposição de fotografias pinhole, Sol à Sombra, o sonho de Cristiano Pereira, e Os Retratos dos Poetas das Quintas de Leitura, de Patrícia Vieira Campos. Eu fora alertado por texto publicado no jornal Público do dia 28 deste mês, e fiquei a conhecer o projeto que associa fotografias pinhole [ou estenopeica], fotografias à la minute e películas super8, tudo formatos analógicos. Na cave, há espaço para formação, revelação de filmes e uma pequena biblioteca temática. Cristiano Pereira já fez um festival internacional de cinema de super8, no Porto, e passou em diversas universidades europeias com mostras dessas películas.

A fotografia estenopeica em António Campos Leal e a biblioteca de Pacheco Pereira

Hoje, ao final da tarde, António Campos Leal, em A Pequena Galeria, à avenida 24 de julho, 4C, aqui em Lisboa, apresentou o seu livro Luz nos Livros, editado pela Tinta da China. Luz nos Livros foi um projeto de fotografar a biblioteca/arquivo de José Pacheco Pereira usando a técnica fotográfica conhecida por estenopeica (pinhole, em inglês), processo elementar da formação da imagem. Para o fotógrafo, “o desafio foi encontrar essa relação entre a luz do pensamento e a luz que incidia nas suas superfícies, percorrendo livros, estantes, papéis, objetos e mesas”.

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O livro, um belo objeto estético, inclui um texto de José Pacheco Pereira. Nas paredes da galeria, está uma exposição de Luís Pereira [em baixo, vídeo com parte da intervenção do autor. A captação de imagem e som foi feita através de telemóvel, de onde algumas deficiências no som].

Conversa à volta da Fotografia Estenopeica [Pinhole] com António Campos Leal

Foi hoje, no Com Calma – Espaço Cultural, Rua República da Bolívia, nº5 C, Lisboa. Para António Campos Leal, a fotografia estenopeica (ou pinhole) é a apropriação, como técnica fotográfica, do processo elementar da formação da imagem. Como explica, “a formação da imagem tem como razão de existência um simples furo. Furo pelo qual passam os raios luminosos reflectidos por superfícies e volumes. São esses raios luminosos que ao penetrarem através desse furo, no interior que qualquer volume escurecido formarão uma imagem sobre uma superfície com a possibilidade de reflectir os raios incidentes sobre a mesma”. Dito de outra maneira: “conversa à volta de latas e caixinhas”.

Com Calma “é um espaço cultural aberto à comunidade: com musica ao vivo, com dança, com debates, com workshops, com biblioteca alternativa, Com Calma”. Abriu em 26 de setembro de 2015.

Sebastião Salgado

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A chuva pareceu ameaçar a entrada na exposição, longa que estava a fila. Dentro, um deslumbramento fotográfico do brasileiro que expõe na Cordoaria Nacional. Movimento de massas, as suas imagens levam-nos a cinco grandes temas com paisagens do sul do planeta, África, santuários, terras do norte, Amazónia e Pantanal, mostrando a vida animal, tribos humanas em desaparecimento rápido e a natureza (floresta e rochas). Por vezes, os olhares são dramáticos, pungentes, mas igualmente magestáticos, vencedores, gregários ou individuais. Outras vezes, no caso das culturas humanas, há gestos, adornos e pinturas que nos espantam pela diversidade, riqueza e ostentação dentro do grupo. Iniciação, procura de alimento ou festa – eis o programa das 245 fotografias da exposição Génesis, de Sebastião Salgado. Subjacente, a sua carta de amor ao mundo, através do Instituto Terra, com um forte apelo à reflorestação e à paragem da devastação do planeta.

António Luís Campos expõe fotografias

António Luís CamposApós a conclusão da licenciatura de engenharia electrotécnica e voluntário em organizações não governamentais, António Luís Campos dedicou-se à fotografia (além de líder de viagens). Há dez anos assina colaborações para a National Geographic Magazine. O autor, que gosta de fotografar deltas e a vida fluvial, expõe agora algumas dessas fotografias e outras não publicadas na revista. Muitas dessas fotografias, ele precisa de entrar na intimidade dos fotografados, para o que prepara a situação e procura transmitir o que vê.

Tudo começou quando um dia abordou um fotógrafo americano e lhe perguntou quais os critérios para produzir uma reportagem (fotografias e texto). O primeiro trabalho de António Luís Campos publicado foi o de uma borboleta bombardeira. Natureza, vida quotidiana e tecnologia e seus bastidores são áreas que tem explorado visualmente.

Na conferência que ele deu, falou da experiência de acompanhar uma patrulha da neve da serra da Estrela, em condições de muito frio. Aí, o restaurante e a tasca são portos de abrigo e onde explorou com mais proximidade os estados de alma dos elementos da equipa. Os trabalhos de fotografia demoram tempos variados, de um dia a semanas ou meses. Um dos temas que explorou na conferência foi o acompanhamento de uma actividade forense, que durou cerca de dois anos. Um outro trabalho referido foi o de azulejos dos séculos XVI e XVII com sinais de geometria e matemática, recursos didácticos usados nesse tempo. Outros destaques na revista foram dados a trabalhos sobre a cortiça, onde o espaço de escrita e fotografia foi além de 20 páginas, e energia eólica.

Pode ser visitado em http://www.antonioluiscampos.com/.

Sena da Silva

Sena da Silva. Uma Antologia fotográfica é uma magnífica exposição na Cordoaria Nacional. Entre muitas atividades, Sena da Silva (1926-2001) foi professor da Cooperativa de Ensino Superior Árvore (Porto) entre 1983 e 1987. Cruzámo-nos por ali, então. Inspirado por ele, em especial nas suas fotografias a preto e branco, procurei usar o dispositivo fotográfico que trazia comigo. A qualidade não é boa mas ficam as ideias.

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Sena da Silva. Uma antologia fotográfica

No próximo dia 22 de Maio, inaugura na Cordoaria Nacional – Galeria Torreão Nascente a exposição Sena da Silva. Uma antologia fotográfica, conjunto de aproximadamente 200 fotografias. Homem de múltiplos talentos, da arquitectura ao design e à pintura, Sena da Silva foi também um grande fotógrafo de Lisboa na segunda metade do século XX.

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O autor “despontou nos anos 50; porém, nas décadas seguintes, a sua fotografia foi progredindo para um imaginário fortemente eclético, revelador da sua relação simultaneamente íntima, lúdica e experimental com a fotografia, que se comprova pela coexistência de vários géneros (reportagem, paisagem e retrato) e interesses temáticos (os lugares e a arquitectura, a cidade e a vida quotidiana, os objectos, a viagem, etc.) que motivaram a atenção do seu temperamento empreendedor e criativo” (informação do comunicado da organização). A acompanhar a exposição, será publicado um livro com imagens da exposição e vários textos de Sena da Silva. Até 4 de Agosto de 2013, com entrada grátis. Curadoria: Sérgio Mah.

A Arqueolojista expõe no Brasil

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Escrevi aqui sobre a A Arqueologista em 6 de outubro de 2011. Agora, Mami Pereira, jornalista, fotógrafa e autora do blogue A Arqueolojista, expõe no Brasil (Curitiba) no Ciclo da Fotografia Portuguesa no Brasil, evento pioneiro que tem como objetivo apresentar a fotografia portuguesa contemporânea através do trabalho de jovens artistas até 2 de abril. Outros jovens fotógrafos portugueses são: Rodrigo Bettencourt da Câmara, Francisca Veiga, Mariana Marote, Rodrigo Amado, João Serra, Teresa Palma, Helena Peralta e Cláudia Rita Oliveira.

A fotografia de Francesc Català-Roca

Francesc Català-Roca (1922-1998) está em exposição no Centro Português de Fotografia (Porto) a partir de hoje e até 7 de abril, comissariado por Cherna Conesa. O fotógrafo catalão em três décadas deixou mais de 200 mil negativos de qualidade, observando a realidade quotidiana (festas, ruas, publicidade, polícias, gente urbana e rural, fundos de fábricas). A exposição centra-se na década de 1950 (há muitas fotografias de 1955), numa altura de lenta recuperação da Espanha, cujos valores e economia tinham saído devastados pela guerra civil e pelo impacto da II Guerra Mundial.

Exposição Arquivos Secretos

Inauguração no dia 11 de outubro, pelas 19:30, no Arquivo Municipal de Lisboa – Fotografia , à rua da Palma, 246, aqui em Lisboa. Com curadoria de Sofia Castro, expõem: Alexandre Oliveira, Ana Fonseca, Beatriz Sanchez Horta Correia, Carla Cabanas, Cláudia Damas, Fabrice Ziegler, Graça Pereira Coutinho, João Castro Silva, João Paulo Serafim, J. Rosa G., João Tabarra, Mara Castilho, Maria Pia Oliveira, Miguel Gaspar, Mónica de Miranda, Paula Paour e Rui Poças.

A Eternidade do Efémero, Exposição Colectiva de Fotografia

“Pensar a eternidade e o efémero através da imagem fotográfica é desmontar o seu processo dual de fixação do tempo, escalpelizar a sua génese, revelar a sua ontologia, mostrar a sua face e, ao mesmo tempo, invocar a utopia como impossibilidade”. O Movimento de Expressão Fotográfica apresenta de 9 a 30 de junho de 2012 no Pavilhão de Macau, Sala Multiusos, Parque da Cidade em Loures a Exposição Coletiva de Fotografia “A Eternidade do Efémero”. Exposição de Fotografia Coletiva com 22 autores: Anna de Amorim, António Alvarenga, Bruno Mendes, Carla Pereira, Carlos Muralhas, Cristina Latoeira, Francisco Gomes, Gonçalo Valverde, Henrique Bento, José Barata, Liliana Zuna, Luís Rocha, Nuno Morais, Patrícia Tiago, Paula Melâneo, Paula Oliveira Joos, Paulo Dias, Ricardo Basílio, Rui Luís, Rute Martins, Sara Magno, Tânia Araújo. A Exposição tem como Parceiro Cultural a Câmara Municipal de Loures – Departamento de Cultura, Desporto e Juventude. Pavilhão de Macau, Parque da Cidade, Loures. Horário: segunda a sábado: 10:00-13:00 e 14:00-18:00.

Exposição de fotografia “Deus no telhado e os novos anjos”

A Casa da Achada – Centro Mário Dionísio, em colaboração com a Lega di Cultura di Piadena, apresenta a exposição de fotografia Deus no telhado e os novos anjos de Giuseppe Morandi, a partir de amanhã.

A exposição é constituída por meia centena de retratos – feitos ao longo de meio século – de homens, mulheres, crianças, gente vulgar – italianos, africanos, indianos -, que, uma vez fotografada, deixa de ser vulgar e nos faz pensar. São cenas de quotidiano e cenas de festa na Baixa Padana.

A inauguração conta com a presença do autor e o Coro da Achada canta algumas canções do seu repertório. Há comes e bebes, mas leve um farnel para ajudar.

A Casa da Achada – Centro Mário Dionísio fica na Rua da Achada, 11, r/c, em Lisboa.

A morte da Kodak

No Público de hoje, li a notícia sobre a falência da empresa norte-americana Kodak, gigante e pioneira mundial da fotografia de massas há mais de 100 anos: “A sofrer com a mudança maciça dos consumidores para a fotografia digital, a empresa diz que este pedido de falência, que lhe dará proteção face aos credores, visa a obtenção de liquidez nos EUA e no estrangeiro para rentabilizar a propriedade inteletual não estratégica, resolver o passivo e, assim, permitir à empresa que se concentre nas linhas de negócio mais valiosas”.

Hoje, o tema foi em muitos sítios e em muitas conversas, portanto, a Kodak. A Kodak, como a Agfa e marcas japonesas como a Fuji fizeram muitos dos meus momentos de alegria quando usava uma máquina de rolo de 35 mm, a Pentax Spotmatic, que me acompanhava para todo o sítio, como hoje a pequena Canon. Imagens e mais imagens, algumas de má qualidade, mas que me faziam sempre orgulhoso porque acreditava nas tecnologias usadas. A máquina está hoje arrumada, acho que fiquei com um rolo não revelado mas já lhe perdi o rasto. Um dia, era o repórter de uma cerimónia que reunia muitos amigos: o rolo não ficara suficientemente preso para rolar. Só quase no final da cerimónia é que me apercebi do erro e comecei a fotografar de verdade. Não sei se o rolo era Kodak, mas nunca mais voltei a ter tanta auto-confiança de fotógrafo de eventos com amigos.

Como se chegou a um desfecho como o da Kodak? Muito mudou nestes últimos anos, com as pequenas máquinas que fotografam e fazem vídeos e capturas de som e que permitem ver logo a qualidade. Mais do que isso, as centenas de imagens que faço e sem gasto suplementar. Isto embora haja fãs retro que fotografam experimentalmente com esses rolos, em especial, quando o prazo de validade expirou. Com o desaparecimento dos rolos também se perderam as revelações manuais em casa e as das lojas. Estas, ainda recentemente, tinham enormes máquinas automáticas e empregavam um ou mais  profissionais por instalação.

A mesma notícia quase se concluia do seguinte modo: “Kodak, símbolo do capitalismo norte-americano, foi criada por George Eastman, que inventou o filme fotográfico, e chegou a Portugal em 1919”. Quem escreveu o texto, introduziu muita ironia. Capitalismo, capitalismo americano e desaparecimento da Kodak parecem juntar-se nestes dias cinzentos da crise económica. O mundo mudou com as máquinas digitais, o mundo vai mudar após a falência da Kodak. Falta o mesmo ao capitalismo. Só que à Kodak se sucedeu uma máquina que faz muito e mais depressa. Quanto ao desaparecimento do capitalismo, não sei o que vem depois e que sofrimentos isso significa.

Escrevi aqui (18 de Janeiro de 2004, há precisamente oito anos) sobre o desaparecimento dos rolos de 35 mm da Kodak.

Frida Kahlo

Quando Frida Kahlo morreu, Diego Rivera doou a Casa Azul onde ambos viveram, para que ali se fizesse um museu que celebrasse a arte de Kahlo (1907-1954). Depois, Rivera pediu que o seu arquivo pessoal ficasse guardado, incluindo fotografias, cartas, desenhos, vestidos e objetos.

Em 2010, Hilda Trujillo Soto, diretora do museu de Frida Kahlo, permitiu que parte desse acervo se mostrasse. Daí, resultou a presente exposição patente no Museu da Cidade em Lisboa, por iniciativa da Casa da América Latina de Lisboa: Frida Kahlo. As suas fotografias. Fotografias da pintora, de seu pai Guillermo Kahlo, mas também de Imogen Cunningham, Bernard Silberstein, Lucienne Zamora e Héctor Garcia e ainda imagens adquiridas por Diego Rivera, fazem parte da mostra. Algumas das fotografias estão cortadas, pois a pintora reaproveitou-as. Todas elas apresentam a sua intimidade e os seus interesses: a família, os seus amores, o corpo doente e tratado pela medicina, os índios e o passado pré-cultura ocidental. Os ex-votos que faziam parte da vida da artista estão em espaço central.

Já escrevi sobre a pintora mexicana aqui e aqui.

APARELHO FOTOGRÁFICO

José Manuel Soares, docente de fotografia numa escola de Valongo, editou agora o livro Aparelho Fotográfico (2011), tema de exposição no Centro Português de Fotografia (Porto).

Ele expõe com regularidade desde 1999. Dedicado inicialmente ao fotojornalismo (fotografias publicadas no Primeiro de Janeiro, O Jogo, Tal & Qual, Diário de Notícias, entre outros), desenvolveu trabalhos publicitários para agências e marcas como Fiat Auto Portuguesa, Vadeca, Taylor’s, O & M, Baviera e publicou livros com textos de Manuel António Pina, Manoel d’Oliveira, Júlio Resende, Isabel Alçada e Mário Cláudio, figuras intelectuais e das artes ligadas ao Porto, de onde o fotógrafo é natural.

No sábado passado, no Clube Literário (Porto), fui assistir à sua apresentação, uma tertúlia que serviu para o autor e os presentes falarem sobre fotografia, o amor a essa arte, a sua relação com os escritores, a pintura, as cidades, a fotografia analógica e o preto e branco. Sobre a revelação das imagens, retiro as seguintes palavras da introdução, escritas por Ana Rita Soares: “O meu pai cumpria aquele ritual, procedia aquela série de operações com uma expressão séria, enrugando a testa, chegando mesmo a suster a respiração. […] Enquanto aquilo durava eu deixava-me estar a um canto a observar cada um dos seus mais pequenos gestos: pousava o papel cuidadosamente numa tina, para cuidadosamente o tirar uns segundos depois”.

Enquanto José Manuel Soares falava pausadamente mas com muita alegria sobre as suas fotografias, eu tirava um retrato. Embora sem usar intencionalmente o flash, a máquina libertou uma ténue luz vermelha, mostrando a minha pouca discrição.

As fotografias do autor, a preto e branco, representam momentos ocasionais, com imagens por vezes desfocadas, pessoas, pormenores dos filhos, paisagens urbanas (corredores, escadarias, garagens), pequenas cenas do quotidiano como a senhora de idade a passear um pequeno cão, o rapaz da pizaria, a cabina telefónica e pormenores de viagens (cartas). Para o fotógrafo, trabalhar os materiais (a forma) é mais importante que o conteúdo, caso da fotografia em que a cabeça do rapaz (?) perturba definitivamente a leitura do edifício do Ritz. Às vezes, são o começo de uma história, como a velha tabela de basquetebol e a paisagem grafitada em redor, sinal da grande usabilidade do espaço.

A imagem da p. 49 é a mais emblemática do livro, tendo-me feito lembrar o conceito de punctum em Barthes, que não se relaciona com o fotógrafo e a sua cultura mas com a forma e a intensidade. A maquilhagem muito acentuada das raparigas, com o seu olhar estranho, em atitude de espera com algum desespero, torna-as artificiais, quase máquinas com faces de um só modelo. As outras figuras já me parecem de gente “normal” mas estão fora de campo, logo igualmente irreais.

A ÚLTIMA SESSÃO – MARILYN MONROE POR BERT STERN

No Centro Cultural de Cascais (Fundação Dom Luís), está em exposição A Última Sessão (Marilyn Monroe, por Bert Stern). O fotógrafo Bert Stern fez 2500 fotografias destinadas à revista Vogue, durante três dias em Junho de 1962 (conhecidas como The Last Sitting, A Última Sessão). Algumas fotografias foram também publicadas em revistas como a Playboy. Marilyn Monroe (1926-1962) faleceria seis semanas depois, vítima de sobredose de medicamentos. Só em 2007 muitas das fotografias foram reveladas e publicadas.

Ao saber da morte de Marilyn, Bert Stern (1929-) ainda hesitou em publicar as suas fotografias. Mas, num segundo momento, entendeu imprimi-las. A actriz, mulher lindíssima, fotogénica e muito apreciada no cinema, ficaria na memória dos espectadores americanos e de todo o mundo por longas décadas. A diva, como lhe chamaram, tornou-se ícone, por ela e pela sua vida pessoal, pelos filmes, pelas imagens de Bert Stern e Andy Wharol, por exemplo. Pelas imagens agora em exposição, somos capazes de compreender a vida agitada e complicada, em que a sensualidade das formas do corpo da actriz se conjuga com uma tristeza e solidão profundas. No catálogo à exposição de Cascais, Bernardo Pinto de Almeida fala de uma Vénus pujante de graça e beleza e de uma fragilidade e insegurança no plano de afectos. Filha de pai incógnito e de uma mãe com problemas, Marilyn foi amada, ainda que de longe, por milhões de pessoas, “desde os jovens soldados americanos destacados, que chegou a visitar na frente de combate, ao próprio presidente Kennedy, com quem teve um caso amoroso”.

Bert Stern foi fotógrafo da Vogue, que lhe dava cem páginas por ano mais dez para temas à sua vontade, ganhava dez mil dólares por semana. Tinha fotografado Elizabeth Taylor e Richard Burton, durante o filme Cleópatra. Marilyn nunca tinha sido fotografada para a Vogue. No hotel Bel Air, onde as fotografias foram feitas, ela estava preocupada com a cicatriz provocada pela operação que lhe retirara a vesícula seis semanas antes. O fotógrafo descansou-a, dizendo que a podia limpar na revelação das imagens.

A exposição já passou por Paris, Rio de Janeiro, São Paulo, Nova Iorque, Seul e Londres.

FOTOGRAFIA

As porcelanas das casas de banho masculinas são variadas, umas mais recatadas (mais individualizadas) que outras, com separadores entre cada mictório. Quase sempre, o equipamento fica junto a uma parede de cor neutra, algumas vezes há graffiti adequados (ou como alegoria) à situação, nunca agradáveis de ler. Marcel Duchamp, em 1917, usou um mictório como obra de arte, a que chamou A Fonte, e tornou-o uma das mais representativas manifestações do dadaísmo. Recentemente, colocaram-se suportes de publicidade, mas raro esta existe. Em cafés e locais onde a música é elemento principal, as paredes surgem adornadas com cartazes de espectáculos anteriores. Em Amsterdão, numa praça com muitas cervejarias, a edilidade colocou um urinol mesmo no centro desse espaço público. Nele, não há qualquer resguardo dos olhares exteriores, como em alguns urinóis de estilo arte nova. No jardim do Passeio Alegre, no Porto, em edifício adequado à função, pode-se apreciar uma casa de banho pública de finais do século XIX como se fosse museu. Sinaléctica e vocábulos indicativos do local (toilette, servicios, WC, Homens, Ladies) e odores (por isso, a contínua necessidade de água corrente e sabões, detergentes e cheiros químicos fortes) são elementos permanentes. Por vezes, na sinaléctica há muita criatividade, podendo dizer-se que a uma ideia geral universal surgem múltiplas alternativas, tornando até a leitura muito complexa. À ideia antiga de gratuitidade do serviço corresponde uma crescente corrente do seu pagamento, como em locais em Londres ou Paris, estrategicamente colocados em zonas de grande concentração urbana como os monumentos públicos, ou em todas as grandes cidades com espaços metálicos identificados onde se coloca uma moeda em ranhura para entrar. Um movimento mais recente foi o de colocar imagens como a que surge ao lado. Não se torna necessário fazer uma longa dissertação sobre o que se vê (foto gentilmente cedida por PCS, tirada em Praga).

DAVIDE MONTELEONE

  • “Northern Caucasus is a mix of stereotypes as well as surprises. For centuries it has been a country of political, religious, military and expansionist rivalry, a struggle between opposing states, and also between allied states. Ever since the beginning of the 19th century, this region has been part of the tsarist Russian Empire, later absorbed by the Soviet Block. With the 1991 radical transformations involving the entire Warsaw Pact coalition, and the storm caused by the collapse of the Soviet Union, new and ancient disputes resurfaced, and in some cases worsened, and revived political and economic aims of supremacy in the area” (Davide Monteleone, Burn).

Yesterday, it was announced in Charlottesville (Virginia, USA), during the Festival LOOKbetween, that Davide Monteleone is the winner of the Emerging Photographer Fund in 2010, an initiative of Burn Magazine. Since 2003, he lives both in Italy and Russia and started working regularly with major national and international newspapers such as D, Io Donna, L’espresso, New York Times, Time, Stern, and the New Yorker. Davide Monteleone, an Italian photographer born in 1974, will receive $15,000 from Burn Magazine through the Magnum Cultural Foundation to continue his work in the Northern Caucasus. The jury award was established by Alessandra Sanguinetti, Michael “Nick” Nichols and Bruce Gilden [Nazran, Republic of Ingushetia, during a wedding, January 2010, photo from Burn].