Arquivo da categoria: Pintura

Museu Nadir Afonso

O Museu Nadir Afonso (Chaves, numa margem do rio Tâmega) merece ser visto (e refletido). Pintor, arquiteto e filósofo, Nadir Afonso Rodrigues nasceu em Chaves (1920) e licenciou-se em arquitetura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto. Ele tinha 24 anos quando a sua obra A Ribeira entrou no Museu de Arte Contemporânea de Lisboa. Em 1965, abandonou a arquitetura e desenvolveu estudos sobre a geometria (e a abstração geométrica). Influenciaram-no os estudos, experiências e contactos em França (com Le Corbusier) e Brasil (com Óscar Niemeyer), como a vemos no museu, onde se exibem trabalhos das décadas de 1930 a 1970. Para saber mais sobre o pintor, que faleceu em 2013, ler aqui.

O museu, suportado no Quadro de Referência Estratégico Nacional (QREN), foi orçado em nove milhões de euros, com projeto do arquiteto Siza Vieira (2016). Segundo a estratégia cultural da região, o Museu Nadir Afonso localiza-se dentro do perímetro do centro histórico e da reabilitação ribeirinha do Tâmega e forma um triângulo cultural com o Museu do Douro (Peso da Régua) e o Museu do Côa (Vila Nova de Foz Côa).

Sem contestar o valor arquitetónico do museu de Chaves, o seu volume parece-me exagerado, a lembrar outras obras em Portugal, como o CCB e o museu de Côa, acima indicado. A opção de colocar um conjunto de pinturas de menor formato acima do nível da longa janela de corredor voltado para o lado do rio não permite ver com profundidade as linhas geométricas e as cores dessas obras. Além disso, Chaves, cidade interessante a visitar, tem ainda problemas vindos da crise financeira da última década. Se o museu influenciará na produção de riqueza da região, com ida de interessados em conhecer melhor a obra do pintos, uma casa onde ele pintor viveu, mesmo junto à ponte de Trajano, com uma lápide sobre a porta a indicar tal situação, está em total ruína. Parece-me uma contradição violenta.

Paula Rego no museu e no cinema

O filme, realizado pelo filho Nick Willing, é elegante e terno, mas também revela medos, fantasmas e obsessões, descendo à intimidade da pintora Paula Rego e abrindo pistas para a compreensão da sua obra. Sim, nós precisamos de signos e de interpretação para entendermos as suas pinturas. O ideal de belo e harmonioso não faz parte da estética dela, mas o grotesco e o violento. Documentário e exposição, patentes desde esta semana no cinema Ideal (Lisboa, onde vi o filme) e na Casa das Histórias (Cascais), ajudam-se mutuamente. Na exposição, parcelas das falas de Paula Rego no filme acompanham as telas que vimos mais fugidiamente no ecrã.

As séries sobre o aborto, as mulheres-cão, o crime do padre Amaro (a partir de Eça de Queirós), as pinturas zoomórficas de coelhos, ursos e macacos e as obras no período da depressão de 2007, sempre escondidas e agora reveladas numa só sala (onze quadros), representam um percurso muito rico desde a aprendizagem artística na Slade School of Fine Arts (Londres), de 1952 a 1956, onde ela também conheceu aquele que viria a ser o seu marido Vic Willing. O filme revela melhor o seu itinerário biográfico, entre Ericeira e Estoril, de um lado, e Londres, do outro. A exposição mostra o percurso artístico marcado pela biografia: as alegrias, as tristezas, os sonhos e os pesadelos.

A par da exposição de obras e temas emblemáticos dos trabalhos da pintora, em Cascais veem-se fotografias, cartas, livros que pertenceram a Paula Rego, uma pintura da sua mãe (que aquela comenta no filme) e até a reconstituição do seu estúdio, visto no filme mas mais próximo de nós na exposição.

Sobre a pintura de Rui Sanches

Rui SanchesNa conversa sobre pintura com Rui Sanches, a propósito da exposição Suite Alentejana, hoje às 17:00, João Pinharanda e João Queiroz falaram sobre as obras expostas na Fundação Portuguesa das Comunicações.

No vídeo abaixo, incluo a primeira parte da intervenção de João Pinharanda, que falou nomeadamente da estranheza da obra exposta e da relação com o desenho e a escultura. O crítico de arte e autor do catálogo sobre a exposição destacou bastante a importância do espaço nas obras expostas. Nas paisagens presentes não existe uma linha de horizonte, mas signos, como bandeiras ou pontos, em que o vertical assume particular relevo. Por seu lado, João Queiroz, evidenciou a negociação entre formas ou entes coloridos (linhas, pontos, cores). Na sua linguagem mais filosófica (que juntou à de historiador em Pinharanda), ele vê conjuntos de elementos muito diferenciados que lutam nas obras mas conseguem um acordo entre si.

O título da exposição deve-se à admiração que o escultor/pintor tem pela obra de Luís de Freitas Branco, em especial a 1ª Suite Alentejana. No conjunto de interações com a vasta audiência, foi salientado o facto de Rui Sanches não se sentir pressionado pelo mercado, dando lugar à experimentação permanente e à liberdade de não passar a vida a reproduzir as suas formas e conteúdos em obras sucessivas.

Hélio Cunha expõe em Aljustrel

A partir de hoje, nas Oficinas de Formação e Animação Cultural de Aljustrel, Hélio Cunha expõe pintura e desenho.

Hélio Cunha nasceu na Penha de França em Lisboa. Em 1978, viveu em Inglaterra onde iniciou estudos e experiências no domínio das Artes Plásticas. No final dessa década, frequentou o ateliê do escultor Domingos Soares Branco nos Coruchéus. A partir de 1982, realizou 40 exposições individuais e participou em mais de 150 coletivas. Em quatro diferentes ocasiões, obteve dois primeiros, um segundo e um terceiro prémios de pintura Portugal Telecom. Menção honrosa em pintura no concurso Mergulhe na Expo 98. Prémio MAC 2015 em pintura. Foi membro do júri de selecção do Prémio de Pintura e Escultura Artur Bual ( 2006). Um filme sobre a sua obra, realizado por Álvaro Queirós, figura nos arquivos do ANIM, Cinemateca Portuguesa.

Sonia Delaunay na Gulbenkian

O painel mural que Sonia Delaunay fez para o pavilhão dos caminhos de ferro na Exposição Internacional de Paris em 1937 Étude pour Portugal tinha cerca de 18 metros de comprimento. Após a exposição três dos quatro painéis desapareceram. Por isso, causa espanto a sua reconstituição na presente exposição na Gulbenkian, O Círculo Delaunay (Sonia e Robert Delaunay), onde aparecem também obras de Amadeu Sousa-Cardoso, Eduardo Viana e José Almada Negreiros. Sonia e Robert Delaunay viveram em Portugal entre agosto de 1915 e dezembro de 1916.

Cores vivas, círculos rodeando as figuras – mulheres do Minho, cenas de trabalho no mercado, um carro de bois, elementos de azulejaria, parece-me que também uma pequena capela. A exposição tem ainda quadros representando mulheres que vendem laranjas, cantoras de flamenco. E L’Hommage au Donateur (1916), da coleção Centre Pompidou, Paris.

Bonnard, Kandinsky, Munch

Quando Bonnard, Kandinsky e Munch se encontram na mesma cidade há uma grande festa. Bonnard luminoso, Munch melancólico e obsessivo e Kandinsky inventor de formas abstratas – alegram o coração.

 

Pierre Bonnard (Fundación Mapfre) começou por estudar direito ao mesmo tempo que frequentava pintura na Académie Julian, onde conheceu outros membros do que se chamou mais tarde os nabis (profetas). O grupo seguia Gauguin e queria obter uma verdade que transcendesse a realidade através da exaltação da cor. Bonnard afastou-se das correntes modernistas e criou o seu estilo próprio, dentro de uma estética decorativa. Estranheza, melancolia, sonho – são alguns dos atributos. A sua mulher Marthe de Méligny, que serviu de modelo, teve problemas de saúde, com o pintor a retratar estados neuróticos. Ele pintou nus com outros modelos, Trabalhou paisagens mas concentrou-se muito em cenas íntimas de interior, como à volta da mesa, experimentação de cores (branco, amarelo), parecendo iluminadas por detrás, algumas delas sem profundidade, com as paredes revestidas de papel de parede, cujos temas se confundem com as personagens representadas. Mas também pintou telas gigantes de encomenda (para mim, de impacto estético menor). Bonnard viveu entre a Normandia e a Cote d’Azur, com iluminações diferentes, o que se reflete no seu trabalho. Dos quadros expostos, saliento um em que ele mostra o escritório dos comerciantes da sua obra. Há uma paisagem junto à costa, com cores muito experimentais. No seu percurso, há um momento de inspiração baseado na cultura japonesa. A reflexão do fim da vida nos autorretratos, caso do boxeur, quadros de crueza perante a morte.

 

Edvard Munch. Arquetipos (Museo Thyssen-Bornemisza). Muitas das obras provêm do museu de Oslo. Os temas são estados anímicos (melancolia, paixão, submissão) e obsessões existenciais (amor e ódio, desejo, ansiedade e morte). No primeiro tema, talvez o que mais me tenha chamado a atenção. As mulheres do campo mas junto à costa olham desencantadas ou sem esperança, repetindo formas em gerações diferentes. Mãe e filha têm a mesma postura de corpo, já conformadas com o destino, a pobreza e as condições duras da vida. Há cenas de uma povoação interior, com a sua pobreza e finitude de valores. Não sei se há alguma solidariedade entre as personagens. Munch retoma temas trabalhados quase trinta anos depois, como a doença da menina, experimentando ainda diversos materiais: folha de cobre (para impressão), litografia, tela com óleo. As salas do amor e do ódio são as mais significativas dos trabalhos presentes. A um conjunto pequeno de peças que representam o beijo (a lembrar também Klimt), no resto do tema o homem é apresentado como o sexo fraco. A mulher aparece como o vampiro, que morde e assassina o homem. Vê-se isso em cenas em que a mulher, de pé, contempla o cadáver do homem deitado na cama. Já nos quadros iniciais da povoação rural, as formas que se tornariam célebres em O Grito aparecem ali, uma espécie de grafia repetida ao longo da sua carreira. De O Grito, há uma pequena obra, um esboço do que se tornaria a mais emblemática obra do autor.

Kandinsky (CentroCentro Cibeles). A amostra não é significativa da evolução estética do autor, embora a sua divisão em quatro capítulos, de estudante de direito e economia a pintor nos dê instruções de percurso. Ela centra-se na fase geométrica, das linhas e dos círculos, da régua, esquadro e compasso, nomeadamente obras feitas no tempo da Bauhaus, para onde foi a convite de Gropius. Poucas obras da sua fase inicial figurativa e poucas obras fundamentais da abstração e da escolha de cores que o tornaram grande pintor (que se pôde ver poucos anos atrás no Centre Pompidou). Não há, portanto, uma linha biográfica muito forte mas uma aposta num determinado tempo ou esquema estético, sem permitir o conhecimento da sua evolução como artista, as ligações com outros pintores e com a sua mulher que o ajudou num tempo determinado, a relação dos materiais com a maior ou menor possibilidade financeira (Kandinsky, na fase do regresso à Rússia revolucionária, não tinha dinheiro para comprar telas, pelo que se ficou no papel, o que implica outras técnicas pictóricas). Vislumbra-se de longe a sua passagem por Paris ou pela Alemanha.

Luz de Lisboa

luz de lisboacidade do solramalhete

No Museu de Lisboa – Torreão Poente, ao Terreiro do Paço, inaugura amanhã a exposição A Luz de Lisboa, abrindo ao público no dia 17 de Julho (vai até 20 de dezembro de 2015).

A Luz de Lisboa tem como objetivo apresentar, pela primeira vez, uma exposição sobre o fenómeno mundialmente reconhecido da luz natural de Lisboa, luz considerada única e especial que continua a encantar todos os dias portugueses e estrangeiros. A exposição apresenta obras do acervo do Museu de Lisboa menos conhecidas do público e desafia o visitante a olhar a cidade, tomando consciência da luz que a atravessa, como se de um voo de pássaro sobre Lisboa se tratasse.

Comissariada pela Profª Doutora Ana Eiró, professora de física e ex-diretora do Museu Nacional de História Natural e da Ciência, e por Acácio de Almeida, diretor de fotografia no cinema português e estrangeiro. [imagens: cartaz; cartaz do espólio IHRU SIPA; Carlos Botelho, Ramalhete de Lisboa]

[imagens e texto fornecido pela organização e promoção da exposição]

Fátima Mendonça no Centro de Arte Manuel de Brito

Fátima Mendonça (1964) estudou Pintura na Escola Superior de Belas-Artes (Lisboa). Algumas exposições individuais: Auto-retratos com dedicação e afecto, da Fátima (Galeria 111, Lisboa, 2007) e Assim… Assim… para gostares mais de mim (Culturgest, Lisboa, 2005) e Centro de Arte Manuel de Brito (Algés, 2014). Exposições colectivas: À Volta do Papel – 100 Artistas (Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, 2008) e Arte Contemporânea – Novas Aquisições (Culturgest, Lisboa, 2002). A sua obra está representada em colecções públicas e privadas: Fundação de Serralves (Porto) e Colecção da Caixa Geral de Depósitos (Lisboa). Agora, apresenta no Centro de Arte Manuel de Brito obras de 1988 a 2010, marcantes do seu percurso artístico. Redes e sacos, vermelhos e azuis, pássaros, bolos de chocolate e morangos, mensagens escritas para o Rui, sobreposições, saias rodadas, a relação da menina com a religião e os sonhos, medos e pesadelos são alguns dos tópicos na pintura colorida e dinâmica de Fátima Mendonça. Ler mais sobre a exposição aqui.

Fátima Mendonça, Auto-retrato (Sossega), 2007.

Wharol

Peter Brandt era ainda jovem quando começou a criar a sua colecção de pintura moderna americana, que acabou por constituir a Fundação Brandt.  Ele adquiriu muitas obras de Andy Wharol, desde os seus primeiros desenhos, num total de mais de 160 trabalhos. Agora em exposição no Palácio Cipolla, na Fondazione Roma Museo.

Algumas obras são das mais icónicas de Wharol, como a série de cadeiras elétricas, os retratos de Mao, Marilyn e Liz Taylor, as flores, a série Shot Blue Marilyn (1964), as latas da sopa Campbell. E ainda fotografias.

Jaime Isidoro

Eu classificaria a sua pintura como luminosa. Jaime Isidoro (1924-2009) foi galerista (Galeria Alvarez), editor e pintor. Vila Nova de Cerveira entrou no circuito da arte devido a uma intensa atividade sua. Pintor do Porto, a sua importância regional e nacional é significativa. Moderno, chamou-lhe Bernardo Pinto de Almeida, no catálogo da exposição patente na Câmara Municipal de Matosinhos, ido das academias locais para Paris, que o marcou muito. O mesmo crítico chama a atenção para a necessidade de estudar o vasto espólio legado pelo artista – cartas, catálogos, documentos, edições raras de livros – bem como a sua obra. Esta passou da figuração ao abstrato e voltou à figuração e reencontrou o abstrato. Influências nele tiveram Dominguez Alvarez e António Cruz. As feiras, o rio Douro, as paisagens urbanas geométricas enchem de vida as suas telas.

Jaime Isidoro

Maria Lucília Moita

Maria Lucília Moita (1928-2011) foi considerada das últimas herdeiras dos pintores naturalistas (casos de Silva Porto e Henrique Pousão). As suas pinturas estão presentes em colecções particulares e museus (Chiado, Centro de Arte Moderna/Fundação Calouste Gulbenkian, José Malhoa, Dr. Anastácio Gonçalves, Museu de Setúbal).

maria lucília moita

Agora, na Galeria Municipal de Arte de Abrantes, está patente a exposição da mãe, de Miguel Simão, filho da pintora, numa leitura íntima de Maria Lucília Moita onde se misturam fotografia e pintura.
da mãe
Escreveu Miguel Simão: “Quando começava uma tela tinha de ir para a rua, ao encontro da natureza que a fazia pintar. Nos dias seguintes, já no atelier, iluminado pela luz da rua ou do candeeiro quando noite, raspava, colocava tinta com os pincéis meio gastos, dando a forma última”.

Paula Rego a visitar

regoA nova exposição de Paula Rego na Casa das Histórias (Cascais) é um núcleo fundamental de catorze obras da série Óperas (1983) da pintora portuguesa radicada em Londres. La Bohème, de Puccini, Aida, Rigoletto, Falstaff e La Traviata, de Verdi, Fausto, de Gounod, Carmen, de Bizet, e Jenufa, de Leoš Janácek, são as obras que inspiraram a autora. Nos quadros, que ela pinta no chão, de cima para baixo, como se fossem grandes bandas desenhadas, representam-se histórias que são simultaneamente comédias e tragédias, nas quais os humanos e heróis interagem com animais, vegetais e híbridos. Por vezes, são imagens desconcertantes como se fossem contos de fadas, mas sempre vivas apesar das cores de uma paleta expressivamente em número reduzido (curadoria de Catarina Alfaro).

Para além desta mostra temporária, recomenda-se uma visita a outras obras da pintora, nomeadamente um pequeno conjunto de colagens e pinturas de meados da década de 1960, trabalhos artesanais muito minuciosos, com uma linguagem intimista e ainda sem o carácter antropomórfico da obra posterior.

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Edvard Munch

Edvard Munch (1863-1944) pintou durante quase de cinquenta anos, mostrando uma ligação entusiástica com a litografia, a pintura a óleo, o desenho, a fotografia, em exposição na Tate Modern (Londres) até ao próximo dia 14 de outubro (sigo de perto o texto de Simon Bolitho, no desdobrável que acompanha a exposição).

Munch, que viu familiares muito próximos morrerem de tuberculose, fez parte de um círculo boémio de pintores e escritores que rejeitavam valores tradicionais. Após permanecer em Paris e Berlim, o pintor expressou as suas fantasias e ansiedades nas obras, dominadas mais pelos estados emocionais que pela representação naturalística. Na sua longa carreira, foram múltiplas as imagens que ele fez de si próprio (autoretratos), muitos delas apresentando-o de perfil, quer na tela quer enquanto fotógrafo. Munch fez repetidos retratos junto às suas obras, o que permite escrutinar como eram os locais de colocação desses trabalhos, além de compreender uma sua característica: ele gostava muito das suas obras, as suas crianças, como dizia.

Outro elemento que possibilita entender o trabalho do pintor norueguês foi a permanente revisitação à sua obra, pintando telas com o mesmo tema, algumas delas distanciadas dezenas de anos, permitindo ver e estabelecer comparações estilísticas e de conhecimento do seu estado psicológico, um “trabalho em progresso” como designou o próprio pintor. Foram os casos das obras A Criança Doente (a sua irmã Sofia, falecida com treze anos), Raparigas na Ponte e O Beijo e o Vampiro.

O olhar quanto ao espaço ótico com que Munch preenche a tela torná-lo-ia famoso, caso de O Grito. Mas o modo como desenha o espaço é claro em obras como Os Trabalhadores no Regresso a Casa (1913-1914). O espaço adquire efeitos de perspetiva que alargam o sentido de distância e que podem remeter quer para o impressionismo quer para a impressão japonesa. O cubismo e o futurismo exerceram influência embora ele se tenha mantido bastante fiel à representação naturalista. O motivo de O Quarto Verde seria compulsivo no pintor norueguês, série de trabalhos que mostram um interior claustrofóbico. A imagem evoca um momento dramático de uma mulher.

As novas tecnologias da sua época atrairam-no sobremaneira, caso do cinema. Ele foi um amador do filme. Além de ir frequentemente ao cinema, onde levava o seu cão, entusiasmou-se e fez muitos filmes, após a sua visita a Paris em 1927, onde comprou uma Pathé-Baby. Ele fez imagens do quotidiano (cenas de rua, tráfego automóvel, amigos), muitas vezes com a câmara em movimento, contrariando o que o livro de instruções da máquina indicava: manter a câmara fixa.

Munch dedicou igualmente atenção às artes performativas, sendo responsável pela cenografia de uma peça de Henrik Ibsen Fantasmas, produzida em Berlim, no novo teatro Kammerspiele, onde atores e público partilhavam um espaço íntimo. Foi esse o período em que trabalhou o tema O Quarto Verde, como acima explicito.

Manuel Baptista no Palácio Anjos

Até 7 de outubro, Manuel Baptista (1936-) expõe no palácio Anjos, em Algés. Professor na Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa (1964-1972), bolseiro da Gulbenkian (1962-1963) em Paris e do Instituto de Alta Cultura (1968) em Ravena, Manuel Baptista pratica a colagem como prática sistemática. Ele estiliza, corta e cola imagens em telas de formatos pouco convencionais, tais como triângulos, pentágonos, em forma de leque, seguindo uma tradição encontrada no cubismo, surrealismo e pop arte, por exemplo. Desde a década de 1960, a obra do pintor ganhou grande visibilidade dentro e fora do país, caso da Bienal de S. Paulo (1973). Recentemente, a Fundação EDP organizou uma sua exposição. Da presente exposição, fazem parte quadros da coleção Manuel Brito e da coleção do próprio autor (notas a partir do texto do catálogo, escrito por Maria Arlete Alves da Silva).

Art Déco no Museu do Chiado

“O estilo Art Déco, designação que só surge nos anos 60, ou Estilo 1925, como também é conhecido (em apropriação da designação da magna Exposição das Artes Decorativas e Industriais Modernas realizada em Paris naquela data), conhece, num contexto atual de crise, um renovado interesse mundial. Congregando, eclética e decorativamente, as heranças das vanguardas artísticas dos começos do século (do Fauvismo, Cubismo, Futurismo, Expressionismo e, até, do Abstracionismo) aliadas a sugestões vindas dos Movimentos Decorativos Modernos (como a Secessão Vienense, os grafismos francês e germânico de 1900 ou os Ballets Russes), o Art Déco foi o primeiro estilo global e universal que o Mundo conheceu, aspirando a constituir-se como Arte Total (inspiração de vida), tal como na proposta pioneira de Wagner no século XIX, alargando-se a todas as expressões artísticas e a todos os aspetos da vida quotidiana e expandindo-se, ao longo dos Anos 30, dos horizontes franceses ao resto da Europa, Estados Unidos, América do Sul, África, China, Austrália e Japão. […] Em Portugal, o Art Déco projetou-se, igualmente, com excelente pujança. Com efeito, uma parte muito substancial dos artistas portugueses do 1º e 2º Modernismos foram praticantes altamente empenhados deste gosto que, como nos outros países, renovou a totalidade dos mais diversos aspetos da vida quotidiana – e o próprio Estado Novo viu neste Movimento um veículo eficaz de propaganda e afirmação de poder” (Museu do Chiado) [Reprodução: António Soares (1894 – 1978). No terrasse do Café des Plaires. C.1925. Óleo sobre tela, 33 x 36 cm. Col. MNAC-Museu do Chiado. Inv. 654. Foto: Carlos Monteiro, DGPC].

Exposição temporária patente no Museu do Chiado até 28 de outubro de 2012.

No dia em que sonhei com Chagall

Um dia sonhei com a pintura de Marc Chagall, Window on the île de Bréhat (1924), existente no Kunsthaus Zürich, museu que não conheço. Isto é, o modo como vemos uma paisagem que combina a cidade com o campo, o mar e a natureza, a partir de um ponto fixo como uma gruta. Lembro-me do colorido do sonho, que me deixou a pensar como seria fantástico esse mundo.

Vitebsk, a cidade russa de Chagall tinha uma forte comunidade judaica no tempo em que ele nasceu, cidade que preservava uma forte tradição que constituia o suporte da sua identidade. Ritos e costumes ofereciam uma forte resistência à inovação. Na pintura de Chagall, a cidade em perspetiva ou em planos inclinados pode indicar como isso teve significado, porque mostra o antagonismo provocado na estética de rutura do artista. Elementos como animais quase antropomórficos (galo, cabra, burro), violinos ou violoncelos e a ocupação da tela como se fosse uma pintura medieval que conta uma história em vários espaços (e que a banda desenhada e a manga japonesa disputam em certa medida) ampliam mais essa luta do novo contra o velho, que acompanham uma produção de quase oitenta anos. A cor (verdes, azuis, vermelhos), o sagrado (Bíblia), os contos e as fábulas (La Fontaine), numa combinação pitoresca mas satírica, atraem-me. E igualmente as incursões no cubismo e no surrealismo, que libertam ainda mais o lado onírico, de que o circo é uma fantasia libertadora. E ainda as ilustrações para livros. A guerra e o êxodo aparecem muito representados, com o seu lençol de mortes, destruição, mágoa e cores fortes.

Gosto menos das suas incursões na cerâmica, escultura e artes do vidro, mas isto tem a ver com a minha forma de olhar o mundo.

Rússia e França, as pátrias de Chagall, agora numa exposição temporária no Thyssen-Bornemisza e Caja de Madrid.

António Tapiès

O blogue não é um obituário, mas fica-se a pensar nos valores individuais quando alguém desaparece. No fim de semana, veio a notícia da morte de Fernando Lanhas. Agora, leio sobre o falecimento do catalão António Tapiès, igualmente representante europeu da arte abstrata do pós-guerra. Nessa notícia, obtenho a informação que Tàpies fez a primeira exposição individual em Paris, em 1956 (Público). Logo depois, em 1960, participou numa mostra da nova pintura e escultura espanhola no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque e no Museu Guggenheim (Nova Iorque). Destacou-se por utilizar novas técnicas de desenho, litografia e colagem sobre suportes plásticos e por esculturas em cimento, bronze e cerâmica, materiais combinados com objetos de uso quotidiano. Tinha 88 anos de idade. A sua casa em Barcelona merece uma visita, a começar pela biblioteca.

Exposição de Surrealismo em Lisboa

Inaugura em 3 de Dezembro na Livraria Leya na Barata, com a participação da Microarte Galeria, na Avenida de Roma, 11, aqui em Lisboa. Apresentam-se obras inéditas de Artur Cruzeiro Seixas, Mário Cesariny, António Maria Lisboa e Mário Henrique Leiria. Incluem-se trabalhos de Luiz Morgadinho,  Mena Brito, Pedro Palrão e Raul Perez. Na amostra será apresentado pela primeira vez ao público um cadavre-exquis realizado por António Maria Lisboa e Mário Henrique Leiria, datado de 1949, ano em que se formou o movimento surrealista em Portugal. Será também exibida uma carta-desenho de Cruzeiro Seixas para Mário Cesariny, de 1973, que relata de forma peculiar um périplo pelo norte de Portugal.

Delacroix em Madrid

Eugéne Delacroix (1798-1863) tem uma magnífica exposição na CaixaForum Madrid, da Obra Social “la Caixa” até 15 de Janeiro de 2012. Organizada em conjunto com aquela instituição e o Museu Louvre, a exposição abrange o conjunto da carreira do pintor, sendo a apresentação mais completa desde a que foi vista durante o seu centenário no Museu do Louvre em 1963. O comissário, Sébastien Allard, conservador chefe do museu parisiense, organiza a trajectória do pintor a partir de obras pertencentes a colecções privadas e públicas da Europa e dos Estados Unidos. Entre as etapas, nota-se a inspiração em obras de arte e textos literários, o realismo e a pintura de animais. Em 1832, Delacroix fez uma viagem a Marrocos, passando por Espanha, o que é realçado na mostra patente em Madrid. Mas igualmente a impressão que causou ao pintor a Grécia e a sua mitologia e as obras de Lord Byron e de Goethe.

Naturezas-mortas da pintura europeia na Gulbenkian

A exposição patente na Fundação Calouste Gulbenkian, A perspectiva das coisas. A natureza-morta na Europa. Séculos XIX-XX (1840-1955), é poética e luminosa. Creio que tenho de voltar a visitá-la, para apreender melhor o modo como, em dois séculos, os pintores europeus retrataram o que se convencionou chamar naturezas-mortas, de frutos a pequenos instrumentos e peças e até animais de caça.

O ponto de partida é o quadro de Paul Cézanne, Natureza-morta com pote de gengibre e beringelas (1893-1894), ou seja, a reinvenção da forma levada a cabo por aquele pintor francês. Sobre a obra, escreve Neil Cox no catálogo (desdobrável) da exposição: “O principal desafio que a arte da maturidade de Cézanne nos coloca é que façamos uma avaliação do que é coexistir com um mundo de coisas em nosso redor e de como percepcionamos e pensamos a realidade que se apresenta perante nós”.

Já no final da sua vida, a obra de Cézanne foi uma referência para os pintores mais novos, que, chegados à passagem do século XIX para o XX, começaram a experimentar novas estéticas. Retiro os subtítulos do texto de Cox: reflexões sobre a presença, negociar a tradição: dádivas da Natureza e artifícios, jogos de relações: a natureza-morta enquanto forma, estrutura e espaço, exílios e outros: política, primitivismo e o eu interior, a essência das coisas: materialidade e imaterialidade, a vida moderna: máquinas e produção em massa, modernismos: identidades nacionais e a atracção de Paris, as próprias coisas: o choque da fotografia, a crise do objecto: sonhos e pesadelos, da cena da caça ao horror, da perspectiva das coisas. Manet, Monet, Renoir, Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Braque, Picasso, Juan Gris, Dalí, Magritte, Matisse, Ozenfant, Vieira da Silva, Courbet, Nicholson e outros enchem uma galeria cheia de cores e referências culturais europeias. Na minha retina, para além das outras todas, ficaram as obras expostas de Giorgio Morandi e de William Nicholson.

A exposição pode ser vista até 8 de Janeiro de 2012. Preço de entrada: cinco euros. Há visitas guiadas com marcação prévia, um ciclo de conferências e concertos. Ler em www.gulbenkian.pt.

ARMANDA PASSOS

No centenário da Universidade do Porto, um dos eventos comemorativos é a exposição Reservas de Armanda Passos no Jardim Botânico/Casa Andresen. Um modelo de figuração muito próprio, com o feminino de largas dimensões e vestes coloridas acompanhado por peixes e outras figuras animais próximas do antropomorfismo, como a serpente, a flor abelha, o sapo lira, o besouro e a cigarra, por vezes seres fabulosos e monstruosos que afugentam mas acabam por atrair pelas formas e pelas cores, compõe uma exposição num sítio muito luminoso. José-Augusto França, no pequeno catálogo que acompanha a exposição, sugere que estas mulheres gordas conversam uma só conversa no mercado ou na praça pública ou no chafariz. Os diversos admiradores da obra de Armanda Passos que escrevem no catálogo comparam-na por aproximação ou por distanciamento a Paula Rego, a Bosch, a Brotero e a Rothko, mas também à literatura de Jorge Luís Borges. Há quem escreva igualmente sobre um bestiário figurativo a par de um imaginário rico e poderoso, ligado ainda ao folclore e ao mito das origens mas distinto da zoologia medieval, nascido há 40 anos contra o formalismo da escola de Paris e o expressionismo abstracto americano, colocando de novo a pintura em diálogo com a natureza.

Universo paralelo ao nosso, leio ainda no catálogo.

A casa Andresen, no Porto, foi habitada por Ruben Andresen Leitão e por Sophia de Mello Breyner Andresen,  duas figuras literárias de vulto na cidade. Recentemente, alvo de obras profundas de restauro, a casa alojou já a exposição sobre Darwin e prepara-se para acolher o museu da Biodiversidade.