50 anos do programa Em Órbita

DP, 10.7.1968[programação de Rádio Clube Português em FM, Diário Popular, de 10 de Julho de 1968]

Gostaria de saber mais sobre o programa Em Órbita, que iniciou a sua emissão faz hoje cinquenta anos na programação de FM de Rádio Clube Português (1 de Abril de 1965), para escrever aqui. Mas fico-me como colector e reorganizador de informação. Os melhores textos que conheço sobre o programa continuam a ser os de José Matos Maia, Luís Pinheiro de Almeida e Rui Vieira Nery (este a partir do que Matos Maia identificou).

Desde 1963 que a estação tinha uma programação em FM distinta da de ondas médias e onde começou a actividade um conjunto de profissionais, inicialmente amadores ou jovens entusiastas da rádio. Em Março de 1965, o horário das 19:00 às 20:00 ficava vago e foi endereçado o convite a Pedro Albergaria e Jorge Gil, que com João Manuel Alexandre começaram o programa.

O indicativo inicial foi um instrumental dos Kinks, Revenge, de co-autoria de Ray Davies e de Larry Page (que foi produtor/manager dos Kinks), então inédito em Portugal, apresentado por Pedro Castelo, o primeiro locutor, a que se seguiu Cândido Mota, o apresentador que se tornaria a voz mais conhecida do programa (ver Antena, 1 de Agosto de 1968, em reprodução aqui ao lado). Ao longo do tempo outros apresentadores estiveram no programa: Jorge Dias, Jaime Fernandes, Fernando Quinas e João David Nunes. Bandas inglesas e norte-americanas começaram a ser conhecidas em Portugal graças a esse programa, como Simon e Garfunkel, Donovan, Tim Buckley, Beach Boys, Janis Joplin, Doors, Bee Gees, Jefferson Airplane e Procol Harum, que outros programas como a 23ª Hora, de João Martins, em Rádio Renascença, procuravam seguir.

Em Agosto de 1967, o Em Órbita passou pela primeira vez um tema português, A Lenda de El-Rei D. Sebastião, do Quarteto 1111. O program tinha uma frase marca: “um programa feito por nós e dito por mim”, o que fazia do programa uma obra colectiva. Rui Vieira Nery faria uma excelente análise ao programa (citado a partir do livro de José Matos Maia, Telefonia, por dificuldade de eu não encontrar o original):

“Tudo começou com um grupo de jovens profissionais da rádio que em meados da década de 60, em pleno reino do nacional-cançonetismo, de Rafael e de Gianni Morandi, tocava regularmente o que de melhor e mais avançado se fazia na música popular anglo-americana, constituindo um espaço radiofónico alternativo que serviu de referência de qualidade a toda uma geração marcada pelo movimento associativo universitário, pela resistência antifascista, pelo trauma da guerra colonial, pela ruptura com os códigos morais pequeno-burgueses dos filmes cor-de-rosa de Doris Day e Marisol”.

Na fase pop do Em Órbita, o programa ganhou prémios (Ondas, Barcelona, Casa da Imprensa, ambos em 1967). Na fotografia um pouco abaixo, vêem-se os autores do programa no prémio da Casa da Imprensa 1967 (Antena, 15 de Fevereiro de 1968). A partir de 1969, nasciam as Novas Aventuras do Em Órbita, com introdução de música clássica. A primeira fase do programa terminara a 31 de Maio de 1971. Para Jorge Gil, “Foi uma opção consciente. A música anglo-saxónica já nada me dizia. A minha transformação operou-se enquanto estudante de Arquitectura, em Belas-Artes, com as lições de Conjugação das Três Artes, de Manuel Rio de Carvalho” (Luís Pinheiro de Almeida, em 1 de Abril de 2000). Data desta altura, julgo, o novo indicativo, retirado da peça de Richard Strauss, Assim Falava Zarathustra. Houve ainda um terceiro indicativo, retirado de The Fair Queen, de Henry Purcell.

Para um dos produtores do programa, Pedro Albergaria (entrevista a Luís Garlito em 1 de Junho de 1995; Arquivo da RTP AHD 14946): “andámos uns meses a emprestar os discos ao programa que se chamava Ritmo 64. Quem fazia a locução, um deles, era o Pedro Castelo. Chegámos a uma certa altura que também achámos que começava a ser demais. «Então estamos aqui a fazer o programa de borla para outra pessoa»? Um dia, o meu pai, que era muito amigo do Júlio Botelho Moniz, um dia, estávamos a jantar e disse: «queres fazer um programa de rádio»? «Quero». Telefonou ao Júlio Botelho Moniz e disse: «olha, o meu filho quer fazer um programa de rádio». «Então, ele que venha amanhã falar comigo». Eu e o Jorge Gil fomos ao Rádio Clube Português, falámos com o Júlio Botelho Moniz, e ele diz: «então, pronto, está tudo bem, começam depois de amanhã». Nós ficámos assim um bocado a olhar um para o outro. «Depois de amanhã? E nome para o programa? E locutor»? Que nem nos passava sequer pela cabeça falar ao microfone. Tivemos de fazer isto em dois dias e o Em Órbita começou no dia 1 de Abril [de 1965], mentira quase. […] Provavelmente, não dormimos. A escolha do locutor para o programa foi a parte mais fácil porque nós já conhecíamos bem o Pedro Castelo do outro programa. Aí não houve grande problema na escolha. O que é que ia fazer o programa? Tocar só discos? Tínhamos de escrever textos? Acho que fomos apanhando pouco a pouco a fórmula. Ao fim de seis, sete meses, foi a fórmula definitiva do Em Órbita. Ao princípio, andámos à procura de como é que tudo aquilo ia funcionar. A escolha do nome foi o antigo director do Rádio Clube Português, o Álvaro Jorge. Ele saiu-se com este Em Órbita. E, pronto, naquela altura, estava muito na moda. Todos os dias, havia coisas que era a grande novidade quando se punha uma coisa em órbita. No dia 1 de Abril de 1965, com este indicativo. Era um dos nossos grupos ingleses preferidos, completamente desconhecido em Portugal, e esse álbum que está aí, o primeiro álbum que eles gravaram, tinha um instrumental. Os Kinks. O único instrumental que eles gravaram. Estivemos indecisos entre este tema dos Kinks e um tema do Booker T. & the MG’s, Green Onions“.

Já Jorge Gil, em entrevista que me deu (17 de Janeiro de 2012), diria: “Eu tive acesso, nesse aspecto talvez privilegiado, eu tinha vinte anos nessa altura, por duas fontes distintas, a uma discografia totalmente nova e que estava a irromper com imensa força em Inglaterra e nos Estados Unidos. Que era um repertório completamente desconhecido em Portugal, mas completamente. […] Julguei que havia uma generosidade, uma entrega, uma pesquisa de outras sonoridades que não as sonoridades que estavam em moda, pelo menos na Europa. E essa generosidade é tão vital, do seu ponto de vista de construção musical tinha muitas coisas comuns com a tradição musical barroca, medieval europeia. […] Como é que eu tive acesso a ela? Por duas vias distintas. Uma, o meu irmão estava a estudar na Suíça nessa altura, em Lausanne, e enviava-me regularmente gravações que ele achava interessantes para Lisboa. Outra via, na Valentim de Carvalho trabalhava um senhor chamado Mário Martins. […] Foi assim que eu descobri por exemplo um disco completamente perdido, mas que estava perdido cá ou foi perdido cá, como estava perdido na própria Inglaterra. Uma gravação chamada Go Now. Foi o primeiro EP que os Moody Blues editaram. Foi assim que eu descobri por exemplo um disco completamente perdido, mas que estava perdido cá ou foi perdido cá, como estava perdido na própria Inglaterra. Uma gravação chamada Go Now. Foi o primeiro EP que os Moody Blues editaram”. A mudança, para Jorge Gil, foi com “a industrialização. Aquilo estava a ser diferente porque as pessoas, de repente, descobriram, o poder económico descobriu que tinha ali um filão de ouro inesgotável. O Woodstock foi um primeiro prenúncio da queda”. Aí, o programa Em Órbita começaria a trilhar outra rota, agora cada vez mais com Jorge Gil a comandar, nomeadamente após o afastamento de João Manuel Alexandre.

Na interpretação de Luís Pinheiro de Almeida, “não estávamos perante um programa que promovia «estrelas da rádio» (muito comuns na época), quer fossem os seus autores ou o apresentador (na altura dizia-se «locutor»), mas anunciava, isso sim, uma certa radicalidade, um corte com a tradição de falsa intimidade com o ouvinte, tantas vezes expressa, pelos chamados «locutores da voz doce» e suas companheiras de emissão, no “amigos ouvintes, muito boa noite; somos a vossa companhia durante estes próximos minutos”. A atitude de passar a música do Quarteto 1111 foi também a de levar o Em Órbita a eleger a canção Strangers in the Night, de Frank Sinatra, como a pior canção do ano.

Sobre a música do Quarteto 1111 no Em Órbita, foi lido um texto por Cândido Mota:

Em Órbita vai proceder hoje à transmissão de um trecho de música popular portuguesa. Porque se trata de uma medida sem precedentes neste programa, e por termos o maior respeito pela nossa própria coerência e por todos quantos nos acompanham com a sua adesão consciente e construtiva, tem pleno cabimento algumas palavras introdutórias ao trecho que vamos apresentar. Desde sempre que alguns dos mais conhecidos intérpretes e conjuntos portugueses de música ligeira que nos têm procurado, seguindo modalidades várias de aproximação no sentido de Em Órbita divulgar as suas respectivas realizações, em amostra, em disco ou em registo magnético. Em face dessas sucessivas tentativas, sempre nos recusámos em aludir, por considerarmos que a totalidade dessas realizações não justificava o nosso interesse em abrir excepções, quer por entendermos que a sua transmissão iria ocupar tempo que poderia ser preenchido com larga vantagem pela nossa música habitual, quer por considerarmos que nenhuma delas reunia as condições mínimas para poder representar qualquer coisa de semelhante a uma tentativa honesta e inédita do lançamento das bases da música popular portuguesa que todos nós em boa consciência queremos renovada por inteiro de alto a baixo. Por varias vezes e sob diversos pretextos temos aqui exprimido alto e bom som que somente transmitiríamos qualquer modalidade de música popular portuguesa que tivesse um mínimo daqueles requisitos que poderemos condensar assim: 1 ° – Autenticidade aferida em função do ambiente e da sociedade portuguesa e da tradição folclórica do nosso país. 2° – Afastamento radical da utilização puramente oportunista de padrões internacionais e pseudo internacionais, impossíveis de transpor com verdadeira honestidade para o nosso meio. 3° – Rompimento frontal com as formas de música popular comercial mais divulgadas em Portugal e que se caracterizam pela teimosa insistência em seguir os figurinos caducos e provincianos de Aranda do Douro, San Remo ou Benidorm. 4° – Demonstração de um poder criador e interpretativo que ultrapassasse de forma a não deixar dúvidas, apelando a uma imitação grotesca que se faz no estrangeiro, quer na forma de copia pura e simples, quer na de adaptações apressadas, quer na utilização de uma língua, de um estilo ou de um som de importação, tudo defeituosamente assimilado. Estes portanto os requisitos mínimos que sempre exigimos a nós próprios e aos que nos procuraram com pedidos de transmissão. Nunca nos limitámos porém a uma recusa seca e peremptória. Os nossos pontos de vista sempre os exprimimos desenvolvidamente em particular e em público. Os que nos ouvem com regularidade, devem recordar-se do que aqui foi dito sobre este mesmo tema no ano passado. As nossas sugestões sobre os caminhos a seguir na nossa opinião ficaram então bem claras. Recordemos algumas delas: Recurso ao folclore português nas suas múltiplas variedades e manifestações. A ligação intima à realidade portuguesa nos seus mil e um aspectos e facetas. Recurso à poesia portuguesa popular ou erudita, medieval, clássica ou contemporânea. O aproveitamento das formas melódicas e rítmicas da musica popular portuguesa, ainda não adulterada. A revisão total dos temas e respectiva forma de expressão com base na construção lírica dos poetas da literatura portuguesa, do Cancioneiro Geral de Garcia de Resende aos poetas da actual geração de Coimbra. Sem preocupações de síntese, estas são algumas das formas possíveis no nosso entender de encarreirar a música popular portuguesa para alguma coisa de novo, de verdadeiro e de autentico. Há anos que vimos proclamando. Nunca ninguém demonstrou ou procurou demonstrar que no plano dos princípios e em concreto, estávamos errados. Posto isto temos, para nós, que o trecho que vamos hoje apresentar, preenche os requisitos mínimos para a sua divulgação por este programa com todas as implicações que a sua transmissão através de Em Órbita acarretam. Tendo por título A Lenda del Rei D. Sebastião, é escrito por um português é tocado e cantado por portugueses. Não vamos fazer uma apreciação exaustiva desta gravação, das suas qualidades que são muitas, e dos seus defeitos que terá alguns. Vamos apenas apontar o que nela se nos afigura existir de importante e de novo. Assim é desde logo um apontamento especial sobre os aspectos puramente interpretativos, instrumentais e vocais, e num período em que neste programa se dá cada vez mais importância aos criadores e cada vez menos aos intérpretes, a gravação que vamos apresentar tem qualidade interpretativa mais do que suficiente, e uma nota que sobressai com rara evidencia O que neste trecho impressiona mais, o que nele se inclui de mais nitidamente inédito, é que em cima de uma melodia de encantadora simplicidade, há uma história singela, popular, portuguesa, dita em versos directos, certeiros, desenfeitados. Conta-se uma história, uma lenda. Como lenda que é trazida até hoje pela herança popular, pertence ao folclore, ao património mais íntimo da comunidade e dos costumes do nosso país. Depois, é um tema eterno, de criação nacional e de validade perene e universal. É um Sebastianismo colectivo que na lenda se retrata É a ideologia negativista dos que têm uma crença irracional em coisas, em valores e em poderes que não existem, dos que se deixam enganar pelos falsos Messias do oportunismo e da mistificação. A lenda del Rei D. Sebastião, escreveu José Cid, é o Quarteto 1111″ (Oocities).

O programa passou a uma segunda fase. Continuando a seguir o texto de Vieira Nery (ainda segundo citação de Maia):

“a vocação alternativa do Em Órbita não se tinha esgotado, quando a consagração institucional do seu primeiro figurino ameaçava transferi-lo das convulsões do desafio para a rotina fácil do sucesso, o programa reconverteu-se radicalmente em termos que muitos consideram quase suicidas e dedicou-se exclusivamente à música erudita, com destaque para o repertório barroco. Os seus níveis de audiência desceram vertiginosamente e tudo indicava que a sua própria sobrevivência estaria em breve seriamente ameaçada. A nova aposta do Em Órbita assenta sobretudo não só na promoção de um repertório pré-romântico quase desconhecido entre nós como na insistência na sua execução com instrumentos e práticas interpretativas originais, um movimento que em toda a Europa lutava ainda arduamente pela conquista de uma credibilidade que lhe era negada pelos herdeiros da tradição interpretativa oitocentista. O combate de Jorge Gil, que ficara sozinho à frente do programa, começou pouco a pouco a surtir efeito. Os níveis de audiência começaram de novo a subir (no início da década de 80 eram já dos mais altos da rádio portuguesa) e a consequência mais evidente deste fenómeno que se foi verificando foi uma procura crescente de gravações de música antiga no mercado discográfico nacional. A partir de 1985 o Em Órbita passou a promover concertos de música antiga. Começou com a Orquestra Barroca de Amsterdão, dirigida por Ton Koppman, para celebrar os tricentenários de Bach e Handel, e prosseguiu com produções tão importantes como a primeira audição moderna de La Guerra de los Gigantes de Sebastian Duron, pelo Hesperion XX, o Tristão e Isolda medieval de Bóston Camerata, os concertos de música de câmara de Jordi Savall, Ton Koopman e do Musica Antiqua, de Colónia ou a apresentação monumental das Vésperas de Monteverdi dirigidas por Savall, poucos dias antes da sua gravação num dos álbuns mais unanimemente aclamados da discografia europeia dos últimos anos”. Nessa altura, a Portugal Telecom patrocinou o Em Órbita, ao abrigo da Lei do Mecenato Cultural.

Os produtores do programa, apesar do sucesso em Rádio Clube Português, procuraram também a Emissora Nacional. Em dois anos seguidos foram apresentadas propostas, ambas durante a direcção de Clemente Rogeiro, o primeiro discutido no Conselho de Planeamento de Programas na reunião de 8 de Junho de 1970. A emissora pública procurava programas destinados à juventude, mas o parecer foi negativo. A resposta seria seca, com a Emissora Nacional a considerar a proposta em próximo programa-tipo. Daí uma segunda insistência dos produtores, discutida em reunião de 17 de Junho de 1971. Um dos dirigentes, Adolfo Simões Müller, estudara a proposta, chamara os responsáveis e achara boa a proposta. O número dois da estação, Alberto Represas, indicaria dificuldades financeiras e técnicas.

De acordo com Luís Pinheiro de Almeida, Jorge Gil arquiva em casa milhares de páginas com os textos do programa da segunda fase: “Cada programa tem 20 páginas de texto”. Ao recusar publicar os textos, considera-os “orais, unicamente para serem lidos na rádio”. Depois, em 1993, o programa saía da Rádio Comercial, porque não tinha cabimento na nova grelha da rádio. A 3 de Abril de 1998, voltava semanalmente à Antena 2, às sextas-feiras, das 23:00 às 01:00.

O Em Órbita reflecte o novo gosto trazido pela FM de Rádio Clube Português – o dos produtores ligados à elite cultural, numa retoma da tradição que presidiu ao aparecimento da rádio como meio de comunicação. No caso, podemos falar de uma elite da burguesia da linha de Cascais, pois a equipa por detrás da produção do programa vinha dessa origem. Filho do engº Gil, dono do cinema Império (hoje espaço de um culto religioso), Jorge Gil é o mais característico: arquitecto, pintor, melómano e leitor sério de Heidegger, ele experimentou a viragem cultural, passando da cultura da música pop para a música séria. Pedro Albergaria chegou a trabalhar na editora Valentim de Carvalho e foi responsável pela rede de FM de Rádio Clube Português. João Alexandre, de crítico do regime enquanto estudante universitário passou a homem ligado a empresas até morrer em acidente de viação ao conduzir um carro rápido na marginal de Cascais. Talvez o luto tenha levado Jorge Gil a uma dramatização no programa e o tenha tornado um ícone da rádio portuguesa.

O Primeiro de Janeiro e a prisão de Álvaro Cunhal em anúncio de classificados (30 de Março de 1949)

Em 1949, três militantes do Partido Comunista Português eram presos: Álvaro Cunhal, o seu secretário-geral, Militão Ribeiro e Sofia Ferreira. Gonçalo Pereira recupera a história no seu blogue ecosferaportuguesa:

“quatro pessoas no Café A Brasileira, da Rua Sá da Bandeira, ponderam as suas opções. Virgínia Moura, Lobão Vital, Manuel de Azevedo e Osvaldo Santos Silva temem que, se o silêncio prevalecer, os detidos possam ser espancados até à morte. Receando os ouvidos indiscretos, saem do café e caminham até à Menina Nua, a estátua da Juventude, de Henrique Moreira, discutindo «várias hipóteses mais ou menos impraticáveis». Acabam por concluir, como n’O Escaravelho de Ouro de Edgar Allan Poe (1843), que o melhor sistema é uma mensagem à vista de todos num jornal que todos leiam: O Janeiro. Redigem por isso uma mensagem que, do ponto de vista da encriptação, possa ter dupla valência: por um lado, não desperte o alerta dos empregados do jornal que processam os classificados; por outro, que possa ser descodificada após publicação. Escrevem então um anúncio de 8 centímetros por cinco: «Álvaro Cunhal Duarte Advogado (Rua do Heroísmo) Vem por este meio agradecer a todos os seus Amigos os cuidados manifestados pelo seu estado de saúde, na impossibilidade de o fazer pessoalmente»”. Duarte era o nome porque Cunhal era conhecido na clandestinidade e a sede portuense da PIDE (hoje museu militar) funcionava na rua do Heroísmo, mesmo junto ao cemitério do Prado do Repouso.

álvaro cunhal

No mesmo texto, Gonçalo Pereira escreve: “O Primeiro de Janeiro, alma da cidade, orgulho dos homens de letras do Porto e paixão contínua da vida de Manuel Pinto de Azevedo Júnior (1905-1978). Pinto de Azevedo herdou o jornal do pai, que o comprara com outros sócios em 1919. Ao contrário do pai, porém, o seu coração pulsa sobretudo com as vicissitudes do Janeiro. Até final da década, viverá a dois passos da redacção, no n.º 326. Toda a sua vida concentra-se naquele quarteirão. Nem os negócios da vinha, nem as fábricas alguma vez o motivaram. É o jornal que o faz mexer e assim será até à sua morte. Inova e moderniza o jornal: O Primeiro de Janeiro é a primeira redacção do país onde se escreve à máquina ao invés da caneta e tinteiro que fazem escola nas restantes. Experimenta novas soluções, abre o jornal à cultura: em 1946, foi composta uma marcha sobre o jornal por António João de Brito e desde o ano anterior que os mais importantes pintores do país expõem no piso térreo do edifício do jornal (Pequena História de um Grande Jornal, 1948). Generoso e dedicado, marca os jornalistas que com ele convivem. Nuno Rocha, que teve n’O Primeiro de Janeiro a sua primeira grande experiência jornalística, lembra «o bravo lutador antifascista» nas suas Memórias de um Ano de Revolução, contando que, quando foi a Paris pela primeira vez, o director do jornal despediu-se dele e meteu-lhe no bolso, comovido, dois mil escudos para ajudar às despesas”.

Gonçalo Pereira é director da edição portuguesa da National Geographic, autor de A Quercus nas Notícias (Porto Editora) e tem o doutoramento em Sociologia pelo ISCTE.

Armando Ferreira (1893-1968) e a cultura

Armando Ferreira foi alguém com uma carreira curiosa. Com o curso do Instituto Superior Técnico, ele empregou-se na APT (Anglo-Portuguese Telephone), mais conhecida como Companhia dos Telefones, com actividade nas áreas metropolitanas de Lisboa e Porto, e uma das antecessoras da Portugal Telecom. Na APT, ele foi responsável pela publicação de folhetos de relações públicas e promoção de serviços e por campanhas de comunicação de que resultariam cartazes assinados por nomes como Carlos Botelho, de 1930, reproduzido a seguir.

Logo após a conclusão do curso universitário, entrou para o jornal A Capital, onde chegou a chefe de redacção. A crítica literária, teatral e de espectáculos foi um meio onde se expressou abundantemente, naquele jornal mas também no Notícias Ilustrado, no Jornal do Comércio e no Diário Popular, aqui durante 21 anos (os recortes de notícias abaixo inseridos pertencem ao Diário Popular, de 3 e 4 de Dezembro de 1968). Alguns trabalhos humorísticos dele seriam Lisboa sem Camisa, O Casamento de Fifi Antunes, O Baile dos Bastinhos, O Galão de Alcântara, Amor de Perdigão, A Família Piranga e A Baratinha Loira. No seu obituário, nas peças noticiosas aqui impressas, indica-se que os textos dele alcançariam tiragens elevadas para o nosso mercado durante a década de 1940. A colaboração de Armando Ferreira estendeu-se ainda pelos júris dos concurso de peças de teatro patrocinado pelo SNI. Foi sócio fundador da Sociedade de Autores e Compositores Portugueses.

Armando Ferreira 1Armando Ferreira 2

 

apt

Armando Ferreira 3

Vão os Gato Fedorento desaparecer?

O texto vem hoje no Diário de Notícias, assinado por Carla Bernardino. Ricardo Araújo Pereira, José Diogo Quintela, Tiago Dores e Miguel Góis formam o quarteto humorístico Gato Fedorento. Embora não haja separação oficial, não se sabe o que o grupo fará no futuro, disse Digo Quintela, empresário de Padaria Portuguesa. Mas Ricardo Araújo Pereira vai regressar sozinho à TVI na altura das eleições legislativas para o final deste ano, embora não seja em programa semelhante ao Esmiuçar os Sufrágios (SIC, Setembro de 2009), que atingiu uma média de 1,3 milhões de espectadores por sessão. No terreno da publicidade, o grupo terá chegado ao fim, pois Ricardo Araújo Pereira está sozinho na campanha da Meo.

gato

Música no Coração

O Diário Popular, de 2 de Setembro de 1968, publicava este anúncio sobre o filme Música no Coração, então em 58ª e última semana em exibição no cinema Tivoli, em Lisboa. 700 mil espectadores tinham já passado pela sala.

Não sei se houve algum filme com maior extensão em termos de tempo de exibição contínua. Certamente hoje não seria possível, até porque os gostos mudaram e existem diversas plataformas para ver filmes.

Na mesma semana, os milionários Schlumberger e Patiño davam festas espectaculares, onde estariam muitas figuras da aristocracia mundial, estrelas de cinema americano e gente do jet-set de então, divididos entre o Estoril e Azeitão, com crónicas de página inteira escritas por Vera Lagoa e Nuno Rocha (este disfarçado de engenheiro com a responsabilidade da electricidade, aproveitando os momentos disponíveis para fazer fotografias com uma pequeníssima máquina). Salazar adoecia e era, pouco depois, a 26 de Setembro, substituído por Caetano na chefia do governo.

música no coração (DP, 2.9.1968)

A profissionalização de um blogue

Na aula de hoje, tivemos uma escritora profissional de blogues. Licenciada em ciências da comunicação e antiga jornalista especializada nas áreas da cultura, moda, beleza e consumo, começou a escrever o seu blogue nessas temáticas. Onze anos depois de o iniciar, tem mais de 50 milhões de visitas, 200 mil seguidores no Facebook e Instagram, parcerias rentáveis com marcas e um público alvo estimado de mulheres vivendo em Lisboa e Porto entre os 20 e os 45 anos. Já em 2008, uma editora convidara-a a escrever um livro em papel com os melhores textos publicados no blogue. A evolução do blogue levou-a a criar uma marca de produtos e a abrir uma loja com uma amiga e agora sócia.

Para a convidada na aula, as empresas descobriram os blogues como veículos de maior propagação que os meios de comunicação mais tradicionais. A escrita em blogues é mais directa que esses outros meios. O estilo da sua escrita oscila entre o humor e a ironia, com um lado de cronista social. No começo, escreveu também sobre colegas, ainda numa fase de anonimato. Depois, quando o seu primeiro livro saiu, ela publicitou o nome e, apesar de perder alguma originalidade inicial, continuou a crescer em número de visitantes e comentários, granjeando mais popularidade.

As perguntas da turma foram estimulantes. Porque não criou uma revista em papel, que papéis desempenha, onde trabalha, como trabalha, como se relaciona com as marcas e os leitores, é isenta ou parcial, o sucesso foi preparado ou foi acontecendo por acaso, vê-se a escrever no blogue até à reforma, como articula texto e imagem (fixa e em movimento), como separa a informação que lhe chega à caixa de correio.

Agora, o trabalho da turma vai ser enquadrar a actividade desta autora de blogue e livros com a de criadora de negócios numa área emergente das indústrias culturais e criativas.

Ucrânia em Lisboa

Hoje, começou a semana da Ucrânia na freguesia de Arroios (Lisboa). À missa celebrada por um padre ucraniano e um português, dentro do ritual bizantino, seguiu-se a apresentação do Coro Católico Ucraniano, dirigido pela Maestrina Ivanna Stasiv, com temas adaptados das obras do grande poeta ucraniano Taras Shevchenko (1814-1861). O vídeo mostra um desses temas.

Na semana agora iniciada, há exposições, música, dança, cinema, poesia, teatro e gastronomia. Destaque para o documentário Stronger than Arms, no dia 24 de Março, às 18:30, no auditório do liceu Camões. Em Portugal, vivem atualmente cerca de 40 mil ucranianos, dos quais dez mil na Grande Lisboa.

Calçada de Santana (Lisboa)

Luís de Camões faleceu em 10 de Junho de 1580 nesta casa da Calçada de Santana, no número 139. Amália Rodrigues nasceu na rua Martim Vaz, paralela aquela, no número 84-86, a 23 de Julho de 1920. O mais importante poeta e a mais importante fadista do país, ambos a descansar agora no Panteão Nacional. Tão perto viveram, tão perto estão.

calçada de santana 1calçada de santana 2

Organizações não governamentais e media segundo Sónia Lamy

Em 2007, cruzámo-nos no mestrado dela enquanto arguente da sua dissertação (A presença da AMI nas notícias. O contributo da ONG no discurso sobre Direitos Humanos) (ler aqui). Agora (2015), foi a vez da prova de doutoramento (As fontes não governamentais nos media. As ONG enquanto fontes de informação).

Em 2007, entre outras coisas, disse: “Trata-se de um capítulo bem construído e aquele em que aprendi mais [capítulo 1 – os direitos humanos e a sociedade]. Foca, nomeadamente, a consciência histórica dos conceitos relacionados a direitos humanos. […] Em Portugal, o sucesso de uma ONG é, simultaneamente: 1) resultado de organizações pequenas mas maleáveis e colocadas no terreno, desburocratizadas e não ligadas a fortes poderes identificados, 2) apoio do Estado (subsídios, participação em comissões, encomenda de estudos). Por outro lado, torna-se essencial uma classificação de ONG e a sua variada origem; por exemplo, a partir de movimentos sociais, grupos de pressão ou resultado de lóbingue. Uma ONG, ao formar-se, tem um ideal, uma causa. Qualquer causa é política. Há que distinguir causa política, no sentido nobre do envolvimento numa causa, e apoio a um campo partidário ou de grupo. [Depois], as ONG em geral sabem da importância do papel dos media e treinam e refinam a metodologia de abordagem aos media. Creio que a AMI [tema do seu trabalho] aprendeu nesse sentido. Qualquer pequena queixa de menor acompanhamento por parte dos media é, certamente, compreendida pela AMI (em especial a área de comunicação)”.

Ontem, disse: “A tese está bem dividida em sete capítulos, indo dos temas em geral (jornalismo e ONG) para o seu cruzamento e temas em particular. Saliento o que escreve na p. 3 sobre a compreensão do processo de produção das notícias e o modo com se constrói a agenda e se reflecte a realidade. Igual impressão positiva sobre a análise das notícias com vozes não-governamentais tais como ambiente, exclusão social e violação de direitos humanos (p. 152). Destaco igualmente o número de entrevistas feitas (17), como indica na p. 139, valor apreciável. A caracterização que decorre nas pp. 139-145 é clara e sucinta, que saúdo. Gosto ainda das regras para a comunicação das ONG e para a maior pluralidade nas notícias no final do texto”.

Da esquerda para a direita: Francisco Rui Cádima, Cristina Ponte, Rogério Santos, Carla Cerqueira, Sónia Lamy, António Granado e Vasco Ribeiro (fotografia: Pedro Pereira Neto).

Música moderna em 1968

O concurso de música moderna teve momentos de apuro. No dia 19 de Abril de 1968, promovido pelo CITU, no cinema Império, em Lisboa, agora transformado em sala de confissão religiosa, deviam apresentar-se quatro bandas. Faltaram duas. Das outras, os membros de uma vestiam smoking preto e ostentavam grandes cabeleiras, com “aplausos habituais, os gritos da praxe, os saltos no ar”, e os da outra “casacas orientais (vermelhas e amarelas, com muitas fantasias), cantavam e tocavam os últimos ritmos ié-ié, mais à la page” (Diário Popular, 20 de Abril de 1968). O júri, constituído por locutores e gente ligada ao mundo dos espectáculos, classificou as bandas, mas a assistência não gostou. A segunda parte do espectáculo já não se realizaria. A banda Psycho ganhou o concurso a 17 de Maio de 1968, com direito a fotografia no Diário Popular (18 de Maio de 1968).

Nesse ano, Salazar teve um AVC, longo abalo no Estado Novo e cujo regime entraria num longo estertor. Nos Estados Unidos, o pastor Martin Luther King e o senador democrata Robert Kennedy eram assassinados, a França vivia uma revolução social e cultural, que ficou com a designação de Maio de 68, a guerra no Vietname chegava a um ponto sem retorno para as tropas americanas e a Checoslováquia era invadida pelos tanques russos, acabando a primavera de Praga. Com uma frequência assustadora, o Diário Popular publicava fotografias de soldados portugueses mortos nas guerras coloniais (Moçambique, Guiné). Em Lisboa, a juventude alienava-se com o festival ié-ié.

Apresentação do livro sobre protocolo empresarial

Isabel Amaral, especialista em questões de imagem, comunicação e protocolo, presidente da Associação Portuguesa de Estudos de Protocolo (APOREP) (à esquerda), apresentou hoje o livro de Cristina Fernandes (à direita), com o título Manual de Protocolo Empresarial, uma edição da Universidade Católica Editora. A diretora da editora, Anabela Antunes (ao centro), apresentou Isabel Amaral e a autora.

Curto apontamento sobre a escrita de um guião

Hoje, na aula de Indústrias Culturais e Criativas, esteve um produtor de conteúdos televisivos, em especial telenovelas. Ele falou sobre escrita para televisão e guiões. Um guião não é um processo literário mas visual, uma história contada em imagens, diálogos e descrição de uma estrutura dramática dentro de um contexto. O autor do guião já se transformou, nos Estados Unidos, em alguém de importância crescente na indústria cultural da televisão, enquanto na Europa ainda se fala do estatuto do realizador.

Nas indústrias culturais, existe um triângulo: autor, público, crítica. Com frequência, despreza-se o público. mas também se olha a televisão como mau produto cultural, incluindo a novela. O reconhecimento pela novela portuguesa, a nível de prémios internacionais, como o Grammy, indica que tem qualidade enquanto artefacto. Uma novela conta uma história, que pode ser iniciática, de catarse, e que lembra mitos e elementos da relação humana desde sempre. Assim, um guião significa uma história dentro de um contexto, enquanto organização linear de incidentes, episódios e eventos relacionados, com associação de conflitos internos e externos e escolhas. O desenho clássico de um guião que a indústria audiovisual desenvolveu é composto por tempo linear, um protagonista rapidamente identificado, uma realidade coerente, um final fechado e causalidade.

Como conclusão, não se deve esquecer que escrever um guião significa conhecer a audiência e que a arte da escrita reside na capacidade de provocar pensamento e sentimentos nos espectadores.

Estuário do Sado

dilar espada

Do barco abandonado, recupero mentalmente os seus remos, dois poderosos braços que percorriam o rio e eram a base de sustentação do pescador na busca de peixe ou marisco.

Associei o barco à história de um homem velho, com 81 anos, nascido em Portalegre e que sempre trabalhou na construção civil. Ele esteve em Caminha, trabalhou na altura de um terramoto em ilhas dos Açores, vivia em Queluz e calcorreava Lisboa. Ali, na rua de Entrecampos, ele lembrava-se do tempo em que ainda não havia os prédios actuais mas moradias (burguesas, acrescento eu), e rebanhos de carneiros que pastavam no Campo Grande. Nos últimos cinco anos, vive com uma filha em Madrid. Ele viera a Lisboa tratar de um assunto na Segurança Social. Sem ter dormido durante a viagem, voltaria a casa no mesmo dia.

Lembrei-me dele, porque, ainda rijo mentalmente, trazia duas muletas de apoio ao andar. O equivalente aos remos do barco Dilar Espada.

O Fim das Possibilidades

possibilidadesJean-Pierre Sarrazac, que foi reescrevendo a peça com o título O Fim das Possibilidades desde 2014, estreou-a hoje, no Porto, a nível mundial. De início, Deus (Ivo Alexandre) e Satã ou o Adversário (Fernando Mora Ramos) discutem os problemas da humanidade. O desemprego, os sem papéis (imigrantes clandestinos) e os sem abrigo – os novos “danados da terra” – têm aumentado de número, baixando a esperança entre os homens, a que sobrevém o suicídio. Satã, qual funcionário superior de Deus numa empresa corporativa, propõe uma alternativa, semelhante à da publicidade de habitações e férias de sonho.

A personagem principal da peça é JB (Paulo Calatré) – que pode ser o Job bíblico ou João Baptista, aquele que anuncia o Messias, ou a marca de uísque com o mesmo nome. JB não é um indivíduo mas a multidão que sofre os problemas modernos do desemprego, da desqualificação tecnológica, da reciclado ou do descartável, perde o lar, a família e os filhos já não acreditam no pai. Os sem rosto podem também ser irmãos ou irmãs de JB e contam as suas histórias e embarcam para um mundo subterrâneo e sem luz (onde se desce mas nunca se volta a subir à superfície), espécie de nova transumância humana. Os sem rosto lembram o velho coro da tragédia grega, implicitamente associada à atual condição política de contestação do governo grego de Tsipras.

JB, um vencido com orgulho de vencedor, inicia o seu percurso miserável quando tem um pesadelo durante a noite e acorda a mulher Gladys (Joana Carvalho). Depois, começa a embriagar-se enquanto conta ao seu amigo Mamadou (Alberto Magassela) que tem um chefe Pitbull que o exaspera com dificuldades diárias. Mamadou, trabalhador africano sem papéis, acaba por ser denunciado porque protegeu uma larápia (Maria Quintelas) que roubou para dar comida ao filho. JB decidiu suicidar-se e entra no inferno clamando contra Satã. Este, que fizera um acordo com Deus para evitar o desespero final, o suicídio, sentiu-se derrotado, o que confessa a Deus, pessoal ou através de telemóvel de última geração. Deus diria: “Deixar que Job se tenha enforcado não é apenas uma falta, é um crime, um falhanço”. JB versus Satão ou o Adversário é, nas palavras do autor Sarrazac, uma tensão permanente entre o mais mítico e o mais quotidiano. JB anteciparia o fim das possibilidades, isto é, actuara de modo não previstos pelo demiurgo.

Em texto de Pedro Sobrado, os sem rosto que se apresentam diante de Satã são memórias distantes do Job bíblico: o que espera uma reparação, o que manifesta uma obsessão por buracos e lugares escuros, o que ecoa os lamentos da personagem bíblica, o impaciente, o que transporta a versão benigna do nazismo (serões recreativos, excursões, saídas em grupo, festas).

O Fim das Possibilidades – que resultou do esforço conjunto do Teatro Nacional de São João (Porto) e do Teatro da Rainha (Caldas da Rainha), com encenação partilhada por ambos os directores artísticos (Nuno Carinhas e Fernando Mora Ramos) – é a extensão da desesperança. O “fim das possibilidades” é, ainda para Sarrazac, a deportação dos mais desfavorecidos da América Latina, uma parábola e ainda um palimpsesto, com memórias de outras peças do autor, mas também do expressionismo, de Kafka, de Woyzeck ou de Strindberg. A cenografia e os figurinos, de Nuno Carinhas, dão uma dimensão mais profunda, a que se associam sons de fábrica e de delírio colectivo.

Depois do Porto, a peça será representada em Lisboa e Caldas da Rainha. Duas conversas sobre a peça estão marcadas: Porto no dia 21 de Março e Lisboa no dia 11 de Abril.

Mais elementos sobre as indústrias criativas

Hoje, a aula andou à volta da instituições, propriedade e empreendedorismo, a partir do texto de Davies e Sigthorsson (Introducing Creative Industries, 2013). Os autores partem de três tipos de estrutura organizacional: freelancers, PME e grandes empresas. Uma tendência empresarial resultado das transformações sociais e económicas da década de 1980 foi a desregulação, a desarticulação de empresas organizadas verticalmente, com subcontratação (outsourcing), e a abertura de mercados internacionais (globalização).

Os autores identificam outra tendência – o empreendedorismo – articulada com uma ecologia especial, composta de grandes empresas e um número maior de freelancers. Tal leva à discussão sobre prós e contras do trabalho flexível. Por um lado, há mais liberdade de participar em projectos que se gosta mais; por outro lado, a concorrência e a precariedade conduzem a um permanente desgaste psicológico do desemprego, a pagamentos mais baixos e a mais horas de trabalho.

Um outro elemento destacado no texto de Davies e Sigthorsson é o ligado aos locais de trabalho das indústrias criativas (do lar ao estúdio, à garagem e ao palco), com contactos face a face mais privilegiados que os contactos via internet, estruturas de trabalho (pequenas empresas e trabalhadores criativos independentes) e padrões de trabalho, no que eu também chamo cadeia de valor ou cadeia de produção (investigação da ideia e pré-produção, produção e pós-produção). Davies e Sigthorsson aconselham a que o trabalhador criativo trabalhe a sua trajectória da carreira e o seu portefólio. Finalmente, o texto traça perspectivas nacionais e internacionais do mercado das indústrias criativas.

A análise teórica completou a apresentação prática de ontem. A artista convidada, trabalhando áreas distintas como a fotografia, o vídeo, os cartazes de cinema e o teatro, defendeu duas ideias centrais: processo criativo (em que o tema vai evoluindo da concepção à realização final) e pensamento estratégico (do trabalho criativo compulsivo à criação do portefólio).

Yvone Kane

YvoneApós a morte da filha, Rita Moreira voltou ao país africano onde viveu a sua infância. Ela reencontraria a mãe, Sara, médica, que não abandonara o país após a sua independência. O raccord entre a morte da filha de Rita e o seu regresso a África é muito subtil, quase imperceptível, do mesmo modo que a sua motivação para a investigação do assassinato da antiga guerrilheira e activista política Yvone Kane não aparece bem esclarecida. Isto enquanto a mãe, a morrer de cancro, procura saber o que se passa com Jaime, o adolescente que ela adoptara e passava por um período não controlado de afirmação pessoal.

Neste cruzamento de histórias, encontro uma mesma razão: explicar o fracasso das relações raciais na pós-independência colonial. Há sinais que nos levam a Moçambique, onde o filme foi parcialmente filmado, como os volantes dos automóveis à direita, mas a história da morte da antiga guerrilheira remete-nos para a vida de Sita Valles e Angola. Sita Valles era militante do Partido Comunista Português e foi presa na sequência de uma tentativa de golpe de Estado em Maio de 1977, sendo assassinada em agosto na prisão de Luanda.

Se o passado agora em revisão era violento, como mostram os edifícios em ruínas (missão onde Sara ainda trabalha, hotel no litoral onde Rita espera o contacto para saber mais informação sobre a morte de Yvone), o presente é igualmente violento. A relação racial ainda se ressente desse passado colonial, e de modo muito evidente.

No texto de promoção do filme escreve-se sobre cicatrizes da História e dos fantasmas da guerra, em que não é possível a redenção e o esquecimento. Eu prefiro destacar a qualidade da fotografia, os momentos de alguma ação com outros momentos em que o tempo parece parado, na inexorável fixação da vida e da incapacidade humana de contrariar os dias e as reações dos outros seres humanos.

Escrevi aqui não muito bem sobre outro filme de Margarida Cardoso com a mesma atriz Beatriz Batarda (A Costa dos Murmúrios, em 3 de Dezembro de 2004), onde se pode ler: “Para mim, há má condução de actores e actrizes. Beatriz Batarda parece que soletra as palavras, como se aprendesse a língua ou corrigisse a pronúncia. E a história até é interessante, o elenco bom, mas com um ritmo lento”. Mas este representa, na minha leitura, um filme bem mais maduro. Embora não exista igualmente esperança, no outro filme havia a futilidade e o vazio de uma mulher bonita levada para a guerra por ser casada com um oficial, agora há a procura de compreender o passado.

Realização de Margarida Cardoso (2014), elenco com Irene Ravache, Beatriz Batarda, Gonçalo Waddington, Mina Andala e Samuel Malumbe, fotografia de João Ribeiro, países filmados Portugal, Brasil e Moçambique.

Exposição Frenéticas no Pós-Guerra em Cascais

frenéticas

O Museu da Presidência da República, em parceria com o Museu Nacional do Traje, apresenta a exposição Frenéticas no pós-guerra, mostra de acessórios de moda no feminino onde se retrata a década de 1920 em Portugal (Palácio da Cidadela de Cascais). No total, estão expostas mais de 100 peças e documentos originais.

“Na ânsia de viver frivolamente em liberdade, as mulheres saem, pela primeira vez, da esfera doméstica para aparecer em público, pisando firmemente terrenos que até então lhes eram interditos. Nas suas salomés coloridas, novos sapatos confortáveis e elegantes, mostrando o tornozelo e os joelhos, de vestidos curtos e de cintura descaída, maquilhadas e de cabelo curto à garçonne, experimentam a emoção de conduzir, praticar desporto, fumar e dançar ao som de uma jazz-band” (texto fornecido pela organização do evento).

O rapazinho que teve medo do transformer

circo

O circo adaptou-se. Já não monta a tenda e exibe leões ou outros animais selvagens mas mostra-se em salas multiusos dos concelhos do país. Uma apresentadora, com música de fundo, a ginasta, o palhaço e figuras do audiovisual como o Rato Mickey e a sua namorada Minnie, mais umas canções actuais da televisão que o público infantil conhece e canta, e correntes de fumo colorido, constituem um repertório que apela para as indústrias culturais e preenche um serão agradável. No espectáculo, houve ainda uma prova com crianças no palco, chamados a fazer umas habilidades simples, e outra prova com quatro pais. Estes, sentados em cadeiras e inclinados (quase deitados) sobre cada um deles, foram sentindo que o palhaço lhes tirava cadeira a cadeira. O equilíbrio foi ficando precário, até se estatelarem no chão, o que provocou um riso maior do que anteriores ocasiões.

Num dado momento, veio o Transformer, um robô gigante de ar ameaçador, movendo-se lentamente. Após a exibição, seguiu-se o intervalo, aproveitado para fazer fotografias ao lado do robô. Todas as crianças quiseram ficar ao lado do robô, que a organização do circo se serviu para cobrar algum dinheiro pelo momento. Mas o rapazinho da imagem, mesmo com a ajuda do pai, sentiu-se intimidado. Talvez ele compreendesse o que o monstro dizia em inglês, qualquer coisa como “eu vou destruir a raça humana”.

Indústrias culturais no Estado Novo: o caso da música ligeira

meireles

Ontem, a aula de Indústrias Culturais e Criativas foi preenchida com um convidado que tem trabalhado a intersecção de indústrias culturais e Estado Novo: Pedro Russo Moreira. A sua tese de doutoramento, “Cantando espalharei por toda parte”: programação, produção musical e o “aportuguesamento” da “música ligeira” na Emissora Nacional de Radiodifusão (1934-1949), trabalhou as indústrias da música no Estado Novo (disco, edição de partituras e rádio). O autor defende ter havido durante o Estado Novo uma grande actividade das indústrias culturais ligadas à música e às artes performativas. Na sua apresentação, ele referiu a escuta doméstica da rádio, defendeu a perspectiva de a Emissora Nacional de Radiodifusão ser criada, entre outras razões, para satisfazer a comunidade de músicos e, no seu todo, a indústria da música.

Nessa época, ouvir rádio era a classe média e média alta urbana escutar concertos de música séria (clássica). Havia um índice elevado de desemprego entre os músicos, pois o disco, mais barato e sempre disponível a ser tocado, acabara com as orquestras de salão e de variedades que existiam no centro das grandes cidades. A entrada do maestro Pedro Freitas Branco, durante a primeira direcção da Emissora Nacional, a cargo de António Joyce, foi muito favorável à criação de orquestras. Apesar de haver discos, não havia música gravada suficiente para preencher as horas de emissão sem estar a repetir os mesmos sons. Salazar, na perspectiva de Pedro Russo Moreira, queria uma rádio para “dar música” ao povo, de modo literal. Mas as finanças da rádio pública começaram a ficar mal: Joyce era músico mas não contabilista. Joyce criara uma estrutura musical semelhante à BBC, contratando cerca de 90 músicos e organizando 11 orquestras. Isso levou a que fosse nomeado outro director da Emissora, Henrique Galvão, que ocupou o cargo entre 1935 e 1939. Ao projecto artístico da primeira direcção sucedeu um período em que funcionou um espírito reformador. O número de orquestras foi reduzido e, com isso, os custos baixaram. Com Galvão, o número de orquestras ficou em três. Os grandes objectivos de Henrique Galvão, que entraria muito depois em dissidência com Salazar, eram fazer a Emissora Nacional ouvir-se em todo o país e chegar ao império através das ondas médias. António Ferro sucederia no cargo entre 1941 e 1949, trabalhando um conceito de “aportuguesamento” da música ligeira, isto é, adaptando a estilos modernos, tipo jazz e swing, o repertório rural existente. Além disso, ele desenvolveu a ideia de política do espírito (a propaganda através das indústrias culturais e criativas) e a marca “não aborrecer, nunca aborrecer”, através da música ligeira. Até aí, a Emissora era conhecida como a “Maçadora Nacional”.

Um outro ponto desenvolvido na aula por Pedro Russo Moreira foi o da produção musical, com análise das orquestras fixas, compositores, vedetas de rádio, programas radiofónicos e cantores. Aí, havia uma divisão de trabalho decomposta em maestro e orquestras, compositores e cantores, modelo inspirado na BBC. O meu convidado ainda se referiu a quatro marcos essenciais na história da rádio pública de então, com a criação do Gabinete de Estudos Musicais (1942), concurso de artistas ligeiros (1943), Centro de Preparação de Artistas da Rádio (1947) e programa Serões para Trabalhadores. A parte mais saborosa da aula foi deixada para o fim, com a passagem de áudios de canções da época (irmãs Meireles [na imagem no cimo], irmãs Remartinez, Júlia Barroso) e análise da carreira internacional de algumas artistas da época.

A actriz em digressão

music-hallComo entrou na personagem, perguntou a jovem espectadora na conversa mantida com os intérpretes da peça Music-Hall (Jean-Luc Lagarce, 1989) logo a seguir à representação. A actriz falou de memórias do cinema e da sua adaptação ao vestido azul justo. Outra espectadora perguntou como treinara o olhar que parecia fuzilar a assistência – ou quando não havia assistência ao espectáculo.

No palco, a rapariga – que já não era tão nova assim – recordava os tempos áureos em que cantava e bailava, acompanhada de dois ajudantes (os boys), então marido e amante, depois substituídos por outros ajudantes. A peça, em si, não tem história, mas revela os bastidores, a luta quotidiana, a vida. O banco, central à acção da actriz, é um dos motivos sobre que discorre. O espaço de circulação dos intérpretes é curto. Os boys acompanham a rapariga, ajudam-na, cantam Joséphine Baker “Ne me dis pas que tu m’adores / Mais pense à moi de temps en temps”.

Jean-Luc Lagarce recorda como ocorreu a ideia da peça. Um dia, avistara junto à estação ferroviária de Besançon, o cantor Ringo Willy Cat, que fora casado com Sheila, num momento em que foram vedetas da canção francesa. Ringo ia duas vezes por semana cantar os antigos sucessos num bar da cidade.

A peça, encenada por Rogério de Carvalho para a companhia portuense As Boas Raparigas em cena no Teatro Carlos Alberto (Porto), tem como actores Maria do Céu Ribeiro, Paulo Mota e António Júlio. A companhia As Boas Raparigas está estabelecida há 20 anos e tem nova peça a estrear em Março no Armazém 22 (V. N. de Gaia) e uma presença em próximo festival em Manaus, Brasil. A actriz Maria do Céu Ribeiro lecciona aulas de voz e foi premiada pela SPA (Sociedade Portuguesa De Autores) em 2012, pelo desempenho na peça Devagar.

Tchekhov em ensaio geral

O Cerejal, de Anton Tchekhov, não foi representado mas ensaiado. Os atores situavam-se na plateia, no meio do público, e repetiam sempre que o encenador pedia. Foram longos os quatro atos da peça.

Apesar de ter sido publicada em 1904, na peça há uma grande modernidade política. Então, o regime feudal na Rússia era substituído pela nova forma de sociedade, o capitalismo. A venda do cerejal e da propriedade adjacente, para fazer face à bancarrota da família, é a metáfora que encobre essa rápida transição. O burguês Lopákin, filho de escravos, acaba por comprar o cerejal para o abater e transformar em urbanização com casinhas para veraneantes. As cerejas nasciam uma vez no ano, as casas seriam alugadas todo o ano, com rendimento muito maior.

Retiro do autor do texto que acompanhava o programa algumas ideias. A peça celebra dois acontecimentos. Num deles, Lopákin resgata a dignidade dos ascendentes, celebrando a nova classe poderosa, enquanto Trofímov, eterno estudante, fala de liberdade e justiça para o futuro. Em 1917, as posições alterar-se-iam, com a revolução de Outubro. No outro, o amor nascido entre Trofímov e Ánia conduz esta à descoberta da consciência social. Outras personagens ganham densidade, como Charlotta, órfã de saltimbancos tornada perceptora, e Vária, filha adotiva de Andréievna. Esta, com a filha Gáev, não compreenderiam a mudança dos tempos e recusavam transformar o pomar numa outra atividade produtiva.

João Sousa Cardoso, o responsável pela representação em forma de ensaio, quis desconstruir o teatro “bem-feitinho”, mostrando a carpintaria do ensaio, e elogiar a importância do cinema como indústria cultural prevalecente na nossa memória, pelo que o palco tinha uma tela apenas mal iluminada.

O último ato foi de grande desassossego. Os atores circulavam pelas filas onde estavam os espectadores, riam, chamavam-se pelos nomes próprios e não das personagens. As repetições, para melhorar a performance, perturbavam o desenrolar da ação. Algumas vezes, porque os atores estavam voltados para o palco e de costas para o público, não se faziam perceber, por falarem baixo e por não abrirem suficientemente as vogais (problema da língua). Depois, em especial no primeiro ato, a iluminação era escassa (a lembrar a fraca luz numa casa à noite antes da existência da eletricidade doméstica). Embora muito jovens, estudantes na maioria, atores e atrizes aceitavam pacientemente as recomendações do encenador e repetiam e voltavam a repetir a partir das deixas da personagem anterior.

Criação do Teatro Expandido!, de João Sousa Cardoso, na Sala do Teatro do Campo Alegre (Porto) ontem, com plateia muito composta. Experiência inolvidável.

Lançamento do livro Orpheon Portuense

Hoje, ao fim da tarde, foi lançado o livro A Sociedade Orpheon Portuense (1881-2008). Tradição e Inovação, de Henrique Luís Gomes de Araújo e Rui Vieira Nery e ainda com textos de Christine Wassermann Beirão, Constança Vieira de Andrade, Gonçalo Vasconcelos e Sousa, João-Heitor Rigaud, Jorge Castro Ribeiro, Manuel Deniz Silva, Maria do Rosário Pestana, Sofia Lourenço e Tiago Manuel da Hora. Na mesa de apresentação do livro (esquerda para a direita): Henrique Luís Gomes de Araújo, Anabela Antunes (editora) e Rui Vieira Nery (abaixo vídeos com comunicação dos dois apresentadores).

Eugénia Maria

Vera Lagoa (pseudónimo de Maria Armanda Falcão, a primeira apresentadora das emissões experimentais da RTP em Setembro de 1956) teve uma coluna popular no Diário Popular, chamada Bisbilhotices. Na de 7 de Fevereiro de 1968, ela escreveu sobre uma locutora – Eugénia Maria – e a sua homenagem por ter ganho um prémio da Casa da Imprensa. Como coluna de mexericos sociais, retiro uma frase do texto: “Eugénia estreou um vestido que a emagrecia imenso, de gola e punhos brancos, que foi muito admirado”. Na prosa, não sabemos qual o prémio que ela ganhou, nem o programa (Talismã, Rádio Clube Português) nem o produtor (Gilberto Cotta, e não somente Cotta), mas ficamos a conhecer a impressão causada pelo vestuário. Vera Lagoa foi, no meu entender – para além das opiniões políticas que ela produziu em semanário muito posterior a esta data -, o modelo de comentário das revistas populares, de televisão e cor de rosa que existem hoje.

Do blogue: reflexões e actualidade sobre indústrias culturais (imprensa, rádio, televisão, internet, cinema, videojogos, música, livros, centros comerciais) e criativas (museus, exposições, teatro, espectáculos).