Apresentação do livro A Rádio em Portugal

Ontem, ao fim da tarde, na Sociedade Portuguesa de Autores, quando Adelino Gomes apresentou o meu livro Sempre no Ar, Sempre Consigo. A Rádio em Portugal, 1941-1968. Na mesa, além de mim e de Adelino Gomes, João David Nunes (em representação da SPA) e Fernando Mão de Ferro (editor da Colibri).

Agradeço a presença dos elementos da mesa e todos(as) que apareceram na sessão. Fotografia de Sérgio Cavaleiro e vídeo de Patrícia Cardoso.

A busca de consenso em Péguy

No prefácio a uma obra de Péguy, Tolentino de Mendonça escreve que aquele viveu a implodir consensos. Ele era demasiado socialista para os conservadores e demasiado idealista para os seus companheiros socialistas, demasiado republicano para os católicos e demasiado católico para todos os outros, demasiado amigo dos judeus e demasiado livre face aos poderosos. Licenciado em Letras e um dos defensores do caso Dreyfus, ingressou simultaneamente no Partido Socialista e nas Conferências de S. Vicente de Paulo. No começo do século XX, edita os Cahiers de la Quinzaine, de que seria redactor, administrador, topógrafo e revisor. Nascido em 1873, morreu em 5 de Setembro de 1914, na frente da batalha da I Guerra Mundial. A busca de consensos em Péguy cessaria, pois.

No caso presente, não me interessa a exegese para comentar a obra de Péguy, mas apenas acompanhar a leitura de poemas como ela foi feita esta semana por Luís Miguel Cintra [na fotografia com o padre José Tolentino de Mendonça]. Como se escreve na contracapa do livro, citando Paul Claudel, o essencial é a tomada de consciência em Péguy de se ter tornado cristão, que se aplica a Cintra. Da última vez que o vira foi no palco, a representar Pílades, a partir da obra de Pasolini. Agora, ele aparece a falar da fragilidade da condição humana e da iluminação da obra.

Punk rock no teatro

A linguagem daqueles sete adolescentes do ano final do secundário é muito dura. As relações entre eles são violentas, um porque tem o nariz grande, outra porque é gorda, outra porque rejeita o amor de um dos rapazes, outro porque tem uma história pessoal e familiar de psicopata. A cena decorre na biblioteca da escola, onde uma aluna recentemente chegada é logo informada do ambiente e partilha-o. Diz a certa altura que já conheceu escolas bem piores, devido à profissão do pai (professor universitário) (fotografia de Jorge Gonçalves).

No final, um dos rapazes assassina três colegas. A aluna por quem ele se apaixonara desaparecera. Parecia a história de uma escola americana, por vezes acossada por tresloucados que matam todos os que encontram à sua frente. Na sequência final, na prisão ou no hospital, ele questiona o seu comportamento.

Punk Rock, de Simon Stephens, com tradução de Joana Frazão, e com Ana Luísa Amaral, António Simão, Íris Macedo, Isac Graça, João Pedro Mamede, Marc Xavier, Pedro Carraca, Pedro Gabriel Marques e Rita Cabaço. Cenografia e figurinos de Ângela Rocha, com a colaboração de Rita Lopes Alves Luz e Pedro Domingos, assistentes de encenação Marc Xavier e Isac Graça, produção executiva de João Chicó e encenação de Pedro Carraca. No teatro dos Artistas Unidos à rua da Politécnica, em Lisboa.

Rigoletto

Rigoletto, ópera do compositor romântico italiano Giuseppe Verdi, com encenação de Giulio Ciabatti e direcção musical de José Ferreira Lobo, encheu a sala.

Conhecida pela ária La donna è mobile, a história anda à volta da conduta libertina do duque de Mântua, do seu bobo da corte e corcunda, Rigoletto, que protege as suas extravagâncias, e de Gilda, a filha escondida do bobo, que o duque acabaria por conquistar. O bobo pretende matar o duque mas quem acaba por ser assassinada é a jovem Gilda. Com Luís Rodrigues (Rigoletto), Cristiana Oliveira (Gilda) e San-Jung Lee (duque).

AmadoraBD – 25 anos

O Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora foi criado em Novembro de 1990. na 25ª edição, a autora em destaque seria Joana Afonso, responsável pelo desenho d’O Baile, premiado como melhor álbum no prémio nacional de BD da Amadora em 2013.

Núcleos: 1) os grandes mercados: EUA e Japão, 2) a BD para além da BD: biografia, graphic novel, não-ficção, 3) novos suportes: BD no ecrã, 4) regresso às origens: tinta no papel, 5) editar e distribuir ao alcance de todos, 6) trabalho colectivo: a internet quebrando fronteiras, 7) o colosso franco-belga, 8) BD no Cinema. Comissariado por Sara Figueiredo Costa e Luís Salvado, retiro do texto deles no catálogo:

“Ao lado de modelos de produção e distribuição de banda desenhada com algumas décadas de consolidação, como os grandes mercados dos comics nos Estados Unidos da América, da mangá no Japão, ou do mercado franco-belga, outros modos de trabalhar foram ganhando espaço. A democratização dos modos de produção e impressão de livros e revistas preconizada pela impressão digital, pela vulgarização das ferramentas de paginação e pelos serviços de print-on-demand permitiu que mais gente acedesse ao trabalho de edição, sem necessidade de uma grande estrutura a apoiar o seu trabalho. Por outro lado, a enorme expansão da internet, quer como plataforma de divulgação, discussão e venda, quer como ferramenta de comunicação que coloca gente em contacto em qualquer parte do mundo, permitiu uma liberdade de contactos cujos resultados estão à vista em trabalhos colectivos, parcerias e redes de divulgação que podem chegar a qualquer parte do mundo”(ver aqui catálogo e programa).

R & J, a versão de Joana Linda da peça de Shakespeare

Um palco despido (tem apenas duas escadas de palco) e o fundo a funcionar com três ecrãs gigantes onde os pais de Julieta a consultam, além da aia, e o príncipe Escalo, responsável pela gestão de Verona, a cidade italiana onde decorrem os acontecimentos, tornam a peça em espectáculo multimédia. Tal obriga a uma gestão meticulosa da acção e do tempo e a uma narrativa que se aproxima o trabalho dos filmes de ficção científica com diálogo entre a Terra e um local longínquo. Os figurinos, saídos da cultura da época e recuperados na mesma cultura cinematográfico, reincorporam a encenação de Joana Linda. Ao minimalismo do palco corresponde uma igual bem conseguida estilização de figurinos e figuras, casos da personagem de frei Lourenço, mistura de sábio católico e praticante de ioga, e da aia, que se torna a ligação entre os dois apaixonados levando uma mala transparente onde se vê um queque que serve de alimento durante as deslocações. Vejo também outra referência, a da pintura dos pré-rafaelitas, de papéis místicos e situações simbólicas. 

O uso do vídeo é fulcral, como disse atrás. Ele é um dos materiais mais empregues por Joana Linda na sua carreira ligada à arte (fotografia, moda, design, onde assinou cartazes de filmes como Rafa, de João Salaviza, e É o Amor, de João Canijo). Tendo estudado Ciências da Comunicação, ela sempre se interessou pela fotografia, cinema (actriz e realização) e, agora, encenação. Numa entrevista que deu a Sabrina D. Marques, em Maio de 2010 (http://www.ruadebaixo.com/joana-linda.html), disse: “Comecei por fazer uma exposição no castelo de S.Jorge, uma mostra internacional de fotografia, e nesse momento comecei a detectar um grande movimento na internet, situado no advento da fotografia digital, das máquinas digitais. Especialmente vindo de raparigas, que faziam auto-retratos. Reuni-me então com mais trinta raparigas e fizemos uma exposição no S. Jorge. Há pouco tempo, fiz uma exposição no Barreiro, no Outfest, e depois fiz uma exposição no Porto, no Maria Vai Com As Outras. De seguida, expus a propósito do lançamento de um livro de uma poetisa italiana que tinha uma fotografia minha na capa. Houve uma outra exposição, a título individual, no Teatro Taborda, e ainda uma outra, que comissariei com uma fotógrafa espanhola, a partir de um intercâmbio de artistas entre Lisboa e Córdova”.

Elenco: Ágata Pinho, Anabela Moreira, Cláudia Efe, Caroline Dawson, Diana Nicolau, Filipa Matta, Katrin Kaasa, Maria João Pinho, Miriam Santos, Patrícia Andrade, Patrícia Couveiro, Paula Garcia, Priscilla Devesa, Sara Graça, Sofia Arriscado, Sónia Balacó, Sónia Baptista, Suspiria Franklyn, Tânia Alves, Teresa Coutinho e Vanda Cerejo. Adaptação e encenação de Joana Linda, assistência de encenação de Sara Graça, produção de Cedro Plátano e Joana Linda, produção executiva de Renata Sancho. Figurinos de Fernanda Pereira, cabelos de Ana Sousa Atelier e banda sonora original de João Alegria.

Os meus dez segundos de glória

Ontem, no seu comentário político habitual na TVI, dentro da secção de livros, o professor Marcelo Rebelo de Sousa falou do meu livro A Rádio em Portugal 1941-1968 usando a palavra ternura. Muito obrigado!

Andy Wharol falava dos quinze minutos de fama em cada artista, glorificado num momento e esquecido no instante seguinte. No meu caso, foram talvez dez segundos. Fico vaidoso à mesma. E, a propósito, começo a divulgar que o livro vai ser lançado no dia 26 deste mês de Novembro, na Sociedade Portuguesa de Autores.

Melissa Oliveira

O concerto de Melissa Oliveira na Casa da Música (Porto) foi uma revelação para mim. Eu não conhecia o seu trabalho. De ascendência australiana e portuguesa, ela tem repartido a sua vida entre Portugal e Holanda. Obteve uma bolsa de estudo em Boston e gravou o disco de estreia In My Garden com Greg Osby e Jason Palmer como convidados especiais. Antes estudara jazz na ESMAE (Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo), o que justificaria o grande entusiasmo em torno dela durante e depois do concerto. Ela usa uma linha própria de loops, guitarra portuguesa, mesas giratórias e vídeos, que tornam a música uma arte total. Saber mais dela aqui.

Alain Resnais

Amar, Beber e Cantar, último filme de Alain Resnais (1922-2014), conta a história de três casais e uma peça de teatro amador que dois deles interpretam, além de George, personagem que nunca aparece, mas das quais as mulheres têm fortes sentimentos afetivos e apaixonados. O filme, que combina o teatro filmado e o cinema (com alguns cenários a serem cortinas de teatro), anda todo em torno desse George. Ele fora amante de uma das atrizes, Kathrin (Sabine Azéma), casada com o médico Colin (Hyppolite Girardot), que ignorava por completa a paixão antiga dela. O outro casal é um homem de negócios Jack (Michel Vuillermoz) e Tamara (Caroline Silhol). Jack tinha uma amante que telefonava a qualquer hora e Tamara estava a sentir-se seduzida por George, com quem contracenava na peça de amadores. Todos sabiam que George estava a morrer, restando-lhe apenas algumas semanas de vida. Por isso, ele decide empreender uma última viagem e decide convidar as mulheres a acompanhá-las. Cada uma, de modo isolado, aceita por condições relacionadas com a sua vida conjugal. Mas George resolve também convidar a sua última mulher (Sandrine Kiberlain), muito mais jovem do que as outras duas, e que então vivia retirada no campo com um agricultor. As três disputam a pertença da viagem e empreendem a arrumação da casa de George, em estado calamitoso desde que ele vivia sozinho. O espectador nunca vê nem a personagem nem o interior da casa, mas nota a luta entre as mulheres e, simultaneamente, a sua cumplicidade. Os maridos de cada uma acabam por contar uns aos outros os seus sentimentos e procuram convencê-las a não viajarem com George. Este acabaria por ir passear com a filha adolescente de Tamara e Jack, o seu melhor amigo de sempre, que ficou furioso pela traição. Mas George acabara por morrer na viagem.

A metáfora do filme é o da busca da juventude nas pessoas que envelhecem. George seria o único a não envelhecer, porque tratara sempre a vida com um sorriso, nunca fora sério. As outras pessoas tinham-se enredado nas suas vidas, nas suas visões individualistas e mesquinhas. As cortinas do teatro revelam isso: a diferença entre bastidor e palco. As imperfeições e os tiques dos bastidores revelam-se mais dolorosos (e cómicos) no palco. O filme é uma representação de representação, onde os papéis se revelam em cada um desses níveis de espetáculo. Resnais faleceria quinze dias depois da sua estreia.

Graffiti

Ricardo Campos escreveu no último número da Análise Social um texto A Luta Voltou ao Muro que começava assim: “As cidades portuguesas, principalmente os grandes centros urbanos, foram invadidas nas últimas décadas pelo graffiti de tradição norte-americana. Composto por tagsthrow-ups e murais figurativos de grandes dimensões, esta é uma manifestação visual que faz hoje parte da nossa paisagem. A globalização deste formato de graffiti significa que, disperso pelo planeta, encontramos uma linguagem comum, com mecanismos de produção e avaliação estética idênticos. A hegemonia desta expressão mural não nos deve fazer esquecer aquela que é a manifestação mural mais marcante da nossa história recente: o mural pós-revolucionário. O período que se seguiu ao 25 de Abril de 1974 foi marcado por uma profusão de propaganda política que recorria ao muro como principal suporte. A iconografia de então, em que se destacavam Marx, Lenine ou Mao, acompanhados por representações coletivas do povo, do operariado ou campesinato, cedeu paulatinamente o lugar aos politicamente inconsequentes tags. Porém, nos últimos anos parece ter despontado nas paredes uma nova vontade de comunicação política”.

Por causa não do texto mas das imagens que o acompanhavam, a revista em papel foi retirada e destruída. A notícia sobre esta polémica dizia que José Luís Cardoso, diretor do Instituto de Ciências Sociais (ICS) da Universidade de Lisboa, decidira suspender esta terça-feira a publicação, alegando conter um ensaio visual considerado “linguagem ofensiva”, de “mau gosto e uma ofensa a instituições e pessoas que eu não podia tolerar”. O texto incluía graffitis de contestação ao Governo, à austeridade e a empresários e banqueiros. João de Pina Cabral, diretor da revista agora demitido, falaria de “gesto de censura”.

Um de Nós

tristeroTrês temas centrais: política, amor e faits-divers, apresentados por frases curtas, num encadeamento lógico. Dois homens e quatro mulheres, sentados numa cama, dissertam deste modo sobre o mundo e as coisas que os preocupam. O grupo de artistas é sénior, com mais comedimento, sabedoria e ternura do que se fossem artistas mais jovens. Por vezes, são intimistas, combinando o bom senso e as coisas mais pessoais. Em especial na última parte, por um lado, mais próxima da vida de cada um (os sucessos, os muitos insucessos, os medos, os pequenos pecados), mas, por outro lado, a parte mais frágil da peça. Embora haja universalidade, os assuntos na última parte são pessoais e, muito embora tenham sido escritos pelos artistas, sem conhecimento (sob anonimato) uns dos outros, cada um dos artistas sabe a quem pertencem as palavras.Assim, a fragilidade da peça é a nossa fragilidade enquanto seres humanos. Dou um exemplo: ao ouvir as vozes das três “meninas da rádio” (Júlia Guerra, Helena Falé, Maria João Baião), lembro de quão poderosas eram com as suas vozes percorrendo o “éter” das ondas. O que diziam, as músicas que anunciavam, o contexto cultural em que se envolviam, chegavam aos meus ouvidos e funcionavam como lei, como regra. A rádio é o meio mais misterioso, pois o reconhecimento da pessoa a quem pertencia cada voz era difícil num tempo atrás, sem revistas semanais ou programas de televisão. Agora, estavam ali, a falar da velhice, da doença, dos medos, da saudade do pai e da mãe e da escola e dos amigos, da falta de dinheiro ou da situação política atual.

Peter Vandenbempt, em entrevista reproduzida no programa que acompanha a peça, fala da energia destes velhos artistas, do seu maior arrependimento quando olham para a vida em comparação com artistas mais jovens, da abordagem mais cómica de situações bem mais trágicas (e os risos que se ouviam nos espectadores foi prova disso), se quisermos uma perspetiva mais melancólica e nostálgica. Diria ainda na entrevista que a peça não fala de reis e de rainhas mas de pessoas vulgares como nós – Um de Nós. A política assume aqui uma posição de grande importância, com cerca de 200 declarações sobre o tema. Estratégia, traição, compromisso e senso comum entram nesse conjunto. O autor principal do texto assume, na mesma entrevista, que ela começou a ser escrita num ambiente de antipolítica na sua Bélgica, traduzido num número elevado de votos na extrema-direita. A sua peça é uma espécie de libelo e de apoio à discussão livre dos temas que interessam ao bem público.

A Companhia Maior, responsável pela peça, é composta por artistas com mais de 60 anos, oriundos de áreas como a dança, teatro e música, criada em 2010 por iniciativa de Luísa Taveira, “com a missão de promover a criatividade na idade maior, em contacto com as várias gerações de criadores e no contexto interdisciplinar da criação contemporânea”.

Elenco: Carlos Fernandes, Elisa Worm, Isabel Simões, João Silvestre, Júlia Guerra, Maria Helena Falé e Maria João Baião. Encenação: Peter Vandenbempt. Texto de Peter Vandenbempt com o elenco e Henrique Neves. Cenografia: Emma Denis. Teatro Maria Matos.

A morte de Carlos Silva

Carlos Silva foi um locutor e realizador de rádio no Porto. Ele criou um dos primeiros programas noturnos da rádio portuense, no ano de 1953, Última Hora. Foi ele o iniciador do programa que mais entrou pela madrugada, no tempo em que as estações fechavam à meia-noite.

Fiz-lhe uma entrevista notável (para mim) em Agosto de 2012. De tão entusiasmado, fomos do café onde decorrera a entrevista para casa dele, onde me mostrou documentos relacionados com a sua actividade. Foi um momento inolvidável.

Uma das profissões iniciais de Carlos Silva, nascido a 27 de maio de 1926, foi a de vendedor das máquinas de costura Oliva, que lhe granjeou muita popularidade e muitos contactos. Antes, começara já como locutor da estação mítica Portuense Rádio Clube. Depois, profissionalizou-se na estação Rádio Porto, que pertencia ao conjunto dos Emissores do Norte Reunidos, depois integrado na Emissora Nacional (actual RDP). Foi muito amigo dos Mafras (conjunto de música popular e folclórica António Mafra), acompanhando-os em digressão pelos Estados Unidos. Na entrevista que me deu, recordaria assim o seu começo profissional:

“Porque a clientela da Rádio Porto também era muito seleccionada. A Rádio Porto tinha nos Clérigos, tinha uma casa de electrodomésticos, tinha os Hornyphon [marca austríaca de rádios, com publicidade na imprensa em 1952], rádio Hornyphon. Ainda hoje há um senhor que sempre que passa por mim: “oh, Hornyphon é um rádio que é bom”. Ainda hoje… A Rádio Porto, a Orsec e o Rádio Clube do Norte tinham mais categoria, percebe, principalmente a Rádio Porto e a Orsec. Na Orsec estava um casal que era marido e mulher, eram os locutores e eram muito bons locutores. Eu não me lembro o nome deles. Depois, a certa altura aparece um senhor que é o senhor Militão Porto, que é jornalista. E foi lá à rádio falar com o senhor Rodrigues, era o sócio maioritário, para fazer um programa a partir da meia-noite . E o senhor Rodrigues olhou” “oh, senhor Militão, o senhor quer fazer um programa à meia-noite? Mas à meia-noite ninguém ouve o rádio”. “Oh, senhor Rodrigues, mas eu queria tentar”. “Mas o senhor veja lá”. O Militão era jornalista mas não tinha nada a ver com a rádio. Começa a fazer o programa à noite. Da meia-noite à uma. Já não sei quanto é que ele pagava. Agora sei que ao fim de seis meses ele deu com os olhos na água. Porquê? Porque tinha de contratar pessoal, tinha de comprar discos. Quando ele acaba o programa, eu já não sei esses pormenores, vou ter com o senhor Rodrigues: “oh, senhor Rodrigues, eu queria fazer o programa do senhor Militão”. “Oh, pá, tu és doido? Então não viste que ele… A fazer o quê, pá”? “Oh, senhor Rodrigues, deixe-me tentar”. “Oh, pá, tu vais-te meter numa, tu vê lá”. “Senhor Rodrigues, faça-me um preço jeitosinho e tal. Eu já tenho anúncio para o programa”. “O quê, tu já tens anúncios, mas eu disse-te alguma coisa que ias fazer o programa”? “Oh, senhor Rodrigues, eu arranjei clientes. Já tenho anúncios para pagar uma certa importância”. E, então, alugaram-me aquela hora, baratíssima. […] Eu tinha muito gosto naquilo e comecei a interessar muita gente: o Arnaldo Trindade, a Rádio Triunfo, que eram produtores de discos. O Arnaldo Trindade tinha a representação em Portugal dos discos da Vogue. Eu fui, veja lá que a coisa tomou tal extensão que eu fui convidado pela Vogue a passar lá uns dias a Paris. Portanto, o Arnaldo Trindade, a Rádio Triunfo, o Figueiredo aqui da rua Santo António, que era malas, carteiras de senhora, também tinha uma secção de discos”.

O velório dele decorre hoje no Tanatório de Matosinhos, na rua de Sendim, com funeral marcado para amanhã à tarde.

Byung-Chul Han

Descobri agora Byung-Chul Han. A editora Relógio d’Água editou de uma só assentada três livros do filósofo coreano mas a trabalhar e investigar na Alemanha: A Sociedade do CansaçoA Sociedade da TransparênciaA Agonia de Eros. Li os livros numa frenética sequência. Eles também não são grandes e dividem-se em capítulos pequenos. Li-os, compreendo e não compreendendo tudo o que escreveu. Certamente uma segunda leitura é-me recomendada.

Primeira surpresa, o seu currículo. Ele estudou metalurgia no seu país de origem. Como queria estudar filosofia e a família e o meio cultural da Coreia do Sul não facilitavam, ele foi para a Alemanha, primeiro para aprender a língua e depois para aprender filosofia. Tornou-se familiar das leituras de Nietzsche e de Heidegger. Sobre o último, escreveu a sua tese de doutoramento. Nos livros agora editados em português, o autor evidencia um longo conhecimento daqueles dois filósofos mas também de Freud, Barthes, Benjamin, Agamben, Foucault, Baudrillard, Deleuze.

Nos capítulos, há uma espécie de técnica de apresentação do tema. Ele cita um autor, enaltece o seu ponto de vista mas depois faz uma crítica quase impiedosa. Assim, Han cria polémica, o que estimula a leitura, não tenho dúvidas. No primeiro livro, por exemplo, refere e critica Esposito, Foucault, Arendt. Mas cria um pensamento novo e provocador. Retiro algumas ideias: imunologia e negatividade, tédio e cansaço (que leva aoburnout, ou cansaço permanente), vida activa e incapacidade contemplativa, positividade da presente sociedade, sociedade disciplinar versus sociedade produtiva, sociedade da exposição e sociedade porno, obscenidade, perda do amor em detrimento da depressão do sucesso e do narcisismo.

Voltando às críticas que faz a outros autores e à sua arrumação posterior, retenho a análise feita a Agamben (A Agonia de Eros, pp. 35-39). Para Agamben, o museu substitui o templo, e seculariza o que é sagrado, na medida em que os objectos dentro do museu não têm uso livre. Antes, os peregrinos andavam de santuário em santuário, para rezar; agora, os turistas viajam pelo mundo tornado museu. Sacralização e profanação opõem-se, diz Han de Agamben. Ora, para Han, a musealização aniquila o valor dos objectos, em benefício da exposição. Já em A Sociedade da Transparência, Byung-Chul Han tratara o tema a partir de Benjamin (pp. 21-27). Na sociedade positiva, as coisas transformam-se em mercadorias e um objecto cultual desaparece em benefício do seu valor de exposição.

De Han se diz evitar dar entrevistas e referir o seu currículo. De uma entrevista dada ao El Pais (22 de Março de 2014), percebe-se melhor o seu pensamento:

“No hay, sin embargo, que confundir la seducción con la compra. “Creo que no solo Grecia, también España, se encuentran en un estado de shock tras la crisis financiera. En Corea ocurrió lo mismo, tras la crisis de Asia. El régimen neoliberal instrumentaliza radicalmente este estado de shock. Y ahí viene el diablo, que se llama liberalismo o Fondo Monetario Internacional, y da dinero o crédito a cambio de almas humanas. Mientras uno se encuentra aún en estado de shock, se produce una neoliberalización más dura de la sociedad caracterizada por la flexibilización laboral, la competencia descarnada, la desregularización, los despidos”. Todo queda sometido al criterio de una supuesta eficiencia, al rendimiento. Y, al final, explica, “estamos todos agotados y deprimidos. Ahora la sociedad del cansancio de Corea del Sur se encuentra en un estadio final mortal”. En realidad, el conjunto de la vida social se convierte en mercancía, en espectáculo. La existencia de cualquier cosa depende de que sea previamente “expuesta”, de “su valor de exposición” en el mercado. Y con ello “la sociedad expuesta se convierte también en pornográfica. La exposición hasta el exceso lo convierte todo en mercancía. Lo invisible no existe, de modo que todo es entregado desnudo, sin secreto, para ser devorado de inmediato, como decía Baudrillard”. Y lo más grave: “La pornografía aniquila al eros y al propio sexo”. La transparencia exigida a todo es enemiga directa del placer que exige un cierto ocultamiento, al menos un tenue velo. La mercantilización es un proceso inherente al capitalismo que solo conoce un uso de la sexualidad: su valor de exposición como mercancia.” (texto acedido hoje).

Sangue na Guelra

O cenário é mínimo: duas cadeiras, um homem (Graeme Pulleyn) e uma mulher (Rafaela Santos). Fernando Giestas (1978) é o autor da peça chamada Sangue na Guerra/Guelra/Guerra (2011) e publicada na colectânea “Oficina de Escrita Odisseia: Textos Escolhidos”, uma edição do Teatro Nacional São João (2011). Ele lembrava a sua ida de barco para muito longe, num mar imenso, para um país que não era o seu mas podia ser o seu. E recordava que encontrou mulheres de olhos negros e pele semelhante. Ele teria dezoito, vinte anos. Ela lembrava a chegada de tantos homens, jovens e de bigode, de olhos claros e pele semelhante. Sabia que eles vinham de outro sítio com outra cultura. A mulher de olhos negros ou o homem de olhos claros aproximaram-se, começaram a ir à praia, ao cinema, apaixonaram-se.

Um dia, os homens, armados, levantando uma enorme nuvem de poeira, aproximaram-se da aldeia. Eles queriam que elas fugissem. Estas ficaram de pé, à espera que a poeira assentasse no chão, e viram os pais, os maridos e os filhos tombarem pelas balas saídas das armas. Era a guerra. O sangue na guelra (juventude, inquietude) tornara-se sangue da guerra. O país que não era o dele mas podia ser dele deixava de o ser.

O curto texto de Fernando Giestas foi sendo repetido, em diferentes ângulos da sala, com os corpos dos actores expressando outros sentimentos. O encenador Rogério de Carvalho quis que os actores fossem também co-autores do texto. Como quem conta a memória, histórias passadas a gente presente, como se um casal lembrasse o que tinha acontecido quarenta anos atrás. Na representação, senti algo tirado do neo-realismo, dos quadros de Picasso, das tragédias gregas. A música, não identificada no programa, enquadrava o dramatismo dos corpos que tinham perdido a felicidade e a que, agora, só restava a recordação.

Lembrei-me da guerra entre Israel e a Palestina, mas a história não se encaixava porque não há mar longínquo entre os dois países (ou territórios). Tive de ajustar a minha própria memória. Senti-me comovido. O barco demorou oito dias a chegar de Lisboa a Luanda. Sempre tortilha ao almoço e ao jantar. Havia quem aproveitasse o tempo a jogar cartas, algo que nunca me seduziu (os jogos que aprendi, esqueci logo a seguir). À chegada, havia um velho comboio puxado a locomotiva de carvão, a única viagem que fiz num comboio desse tipo.

Fernando Giestas e Rafaela Santos são fundadores da Amarelo Silvestre/Magnólia Teatro, a partir de Canas de Senhorim (2009). A peça, agora representada no Teatro Meridional, foi escrita sob orientação de Jean-Pierre Sarrazac.  Ver apresentação da peça aqui.

As meninas da rádio também fazem teatro

 Teatro TRISTERO & COMPANHIA MAIOR representa Um de Nós, de 29 de Outubro a 2 de Novembro (quarta-feira a sábado às 21:30 e domingo às 18:30). Na mesma semana em que Um de nós estreia, é apresentado no CCB um novo trabalho da Companhia Maior O melhor e o mais rápido, o pior e o mais triste, o mais longo, o mais complexo, o mais difícil e o mais divertido, com texto de Tim Etchells e encenação de Jorge Andrade. O ano de 2014 marca a internacionalização da Companhia Maior. O Teatro Maria Matos juntou a Companhia Maior e o colectivo belga Tristero para criarem a versão portuguesa da peça original Iemand van ons. Um de nós é um espectáculo delicioso que põe a nu questões fundamentais da existência, jogando com um fluxo incessante de factos, brincadeiras, clichés, aforismos e confissões para proporcionar um olhar inesperado sobre a política, o amor e a intimidade de cada um. O que é que sabes da política? O que é que sabes do amor? O que é que sabes de nós? Os intérpretes vão dando todas as respostas, num espectáculo perspicaz, divertido e cheio de reviravoltas.

Com Carlos Fernandes, Elisa Worm, Isabel Simões, João Silvestre, Júlia Guerra, Maria Helena Falé e Maria José Baião, as três últimas meninas da rádio. Com encenação de Peter Vandenbempt, assistência de encenação de Henrique Neves e texto de Peter Vandenbempt em colaboração com o elenco e Henrique Neves. No Teatro Maria Matos.

Cinema português

De repente, parece que se descobriu o cinema português. Os últimos números de espectadores que li indicam 70 mil para Os Maias – Cenas da Vida Romântica, filme de João Botelho, e mais de 25 mil para o Os Gatos Não Têm Vertigens, filme de António-Pedro Vasconcelos, na primeira semana. A crítica não tem realçado muito os dois filmes, mas os números inspiram confiança.

Num, há um olhar político, recuperando um grande romance de Eça de Queirós, como se não tivessem passado cerca de 120 anos desde a sua publicação. Portugal, a bancarrota e o olhar do centro do país, então o Chiado ou o corredor Chiado-Passeio Público, não parecem muito diferentes. Nas telas pintadas por João Queirós, que substitui muito bem a reconstituição dos sítios históricos, há uma grande poesia. Claro que, na época, o café da Brasileira não existia, mas a corrida de cavalos vale pela representação e pelo pintado, um verdadeiro simulacro que encanta. Se Eça pertencia a uma estética realista, João Botelho desconstrói. O João da Ega (Pedro Inês) é uma personagem bem conseguida, aquela que vive do que tem e do que obtém de empréstimo e, em simultâneo, fala e consegue convencer os outros da sua visão do mundo. Faltou-lhe apenas escrever o livro como fresco dessa cultura. A abertura do filme (com Jorge Vaz de Carvalho a fazer de narrador-leitor) e o fim (em que tudo parece mudar mas fica tudo igual) são momentos bem conseguidos. As personagens dos irmãos incestuosos, Carlos da Maia (Graciano Dias) e Maria Eduarda (Maria Flor), são igualmente bem trabalhados.

Fruto da parceria na produção luso-brasileira do filme, João Botelho apresentou já a versão brasileira do seu filme no Festival de Cinema do Rio de Janeiro. A co-produção recebera uma  parte do financiamento da Agência de Cinema do Brasil (Ancine).

Por seu lado, o filme Os Gatos não Têm Vertigens, de António-Pedro Vasconcelos, partiu da ideia de “Todas as respostas estão por escrito”, num contexto de crise financeira e até de valores. Na minha perspectiva, o realizador conseguiu fazer um filme muito equilibrado e agradável em termos de ritmo de narrativa. Há uma terna história de compreensão e afecto de uma recém-viúva por um rapaz que atingiu a idade adulta mas com um futuro social e profissional complicado, dada a origem familiar e social. Rosa (Maria do Céu Guerra) descobre um grande potencial de romancista em Jó (João Jesus), jovem expulso da casa do pai e que encontra a casa de Rosa (o seu terraço) através de endereço encontrado na sua mala roubada pelo grupo a que pertencia aquele rapaz. Depois, e numa inversão da situação, ele deixara os seus cadernos no terraço, o que levou à curiosidade de Rosa. O mau ambiente social e financeiro em casa de Jó e nas suas relações, o jovem vê reproduzir-se na família de Rosa: a filha Luísa (Fernanda Serrano) e o genro (Ricardo Carriço).

Segundo António-Pedro Vasconcelos: “Para este filme, questionei-me muito sobre que história faria sentido contar num momento de crise como o que vivemos. Isso levou-me a pensar muito no Frank Capra e no Vittorio De Sica, que fizeram filmes em momentos de crises terríveis, mas sem deitar as pessoas abaixo. A questão é que o Capra tinha o Roosevelt e nós temos o Cavaco. É um bocado diferente. O neorrealismo partiu de coisas atrozes como a guerra e o fascismo, mas havia um horizonte de esperança. Hoje as pessoas não têm esse horizonte, mas não queria fazer um filme a dizer amem-se uns aos outros e sejam uns gajos porreiros. Julgo que esse equilíbrio é a chave do sucesso do filme” (http://www.dn.pt/inicio/artes/interior.aspx?content_id=4161934).

Em Parte Incerta

George Gerbner, fundador da teoria da enculturação, dizia que o consumo prolongado de televisão conduzia a comportamentos menos sociabilizados, como um incremento da violência e uma maior fobia em viver na cidade, com receio de se ser vítima dessa mesma violência. Gerbner, que chegou a reitor da Annenberg School for Communication, baseou as suas conclusões numa análise de conteúdo de programas em horário nobre de televisão realizada ao longo de uma década. Uma investigação tão prolongada pode ser uma marca da sua idoneidade.

Contudo, a sua teoria sofreu contestação, pois não há relação directa ou excluindo outros factores de quem vê muitas horas de televisão passe a ter comportamentos violentos e há pessoas que não vêem televisão e têm comportamentos socialmente desaprovados.

Mas penso sempre no impacto da televisão e, por exemplo, nos jovens que entram em programas como reality-shows. Expostos durante semanas, mostrando a sua beleza pessoal ou as suas tatuagens ou ainda as suas conquistas sexuais, como sobrevivem depois? Passado um período curto de fama e celebridade, como é o resto das suas vidas? Como são vistos pela comunidade a que pertencem?

A televisão é um meio que identifica e que conduz a uma formação superficial de opinião pública. Havia os políticos que se fabricavam na televisão, como um director de programas já falecido dizia conseguir. Ou os jogadores de futebol, os heróis do nosso tempo, que passam vezes sem conta no ecrã e são idolatrados e imitados – nos penteados, na roupa e, em especial, funcionam como modelos de profissão. Mas ainda não tinha visto como a relação entre marido e esposa, com um casamento à beira da ruptura, consegue reorientar-se através da televisão, como o filme Em Parte Incerta (filme de David Fincher) apresenta.

Sim, há perfídia e mau carácter na mulher (Rosamund Pike no papel de Ammy Dunne) e oportunismo, displicência e ambiguidade no homem (Ben Affleck no papel de Nick Dunne). Mas, enquanto ele sai com uma rapariga sua aluna, ela engendra uma vingança cuja cenografia segue os livros que a tornaram célebre em criança (Amazing Ammy). Ela desaparece no dia do quinto aniversário do casamento, depois de três anos a viver em Nova Iorque e os últimos no estado do Missouri, com problemas financeiros e outros. Nick Dunne torna-se rapidamente o suspeito número um, como mostra a primeira parte do filme, relatando o que se vai passando ao longo dos primeiros dias do desaparecimento, com alguns planos do começo da relação afectiva entre os dois. Mas, a segunda parte do filme mostra Ammy Dunne a fugir pelo país, à espera que a justiça prenda e condene o marido a prisão e pena de morte. Falta o cadáver mas a televisão ajuda a fazer justiça popular.

É aqui que recupero Gerbner e penso nos jovens que entram na Casa dos Segredos. No filme, a televisão e os programas de formato talk-show modelam a opinião pública popular, se assim posso designar a opinião expressa pela comunidade a que os Dunne pertenciam. Um advogado célebre em prestar serviço a causas perdidas (Tyler Perry) consegue contrariar o equilíbrio público sobre o assunto. Se um talk-show mostra a desumanidade de Nick para a mulher por quem nutria indiferença, ainda por cima grávida, outro talk-show revela o lado humano e frágil do marido, a pedir que Ammy regresse a casa, pois ele acreditava que ela estava viva. No filme, sabemos que ela engendrou toda a história e matou um antigo namorado mas, para a moral do filme, Fincher ignora isso. O importante é mesmo o julgamento via televisão, as posições pró e contra. Nesta perspectiva, o Ponto de Encontro e o Perdoa-me, programas muito populares do tempo do nascimento da SIC e da televisão privada em Portugal, eram muito ingénuos quando promoviam o reencontro de pessoas que há muito não se viam.

Manuela Patrocínio

Em 1957, Manuela Patrocínio começou a sua actividade como locutora de rádio, então ao serviço do SNI, participando também em folhetins radiofónicos. Concorreu a um lugar na Emissora Nacional como locutora e ficou. Que Quer Ouvir (discos pedidos), Correio dos Ouvintes e Clube dos Madrugadores (para emigrantes) foram programas em que se destacou.

No Correio dos Ouvintes de 6 de Dezembro de 1966, programa com música e mensagens para portugueses no mundo (referido como “dedicado aos que se encontram ausentes do lar”), Manuela Patrocínio falava nos nomes dos ouvintes. A Américo de Jesus Nunes pedia que lhe fizesse chegar uma fita gravada para ser transmitida no Natal, a Joaquim Vieira Fontes, a residir em Cabo Verde, dedicava uma música e enviava revistas, a Júlio da Silva Matos era portadora de mensagem de saudades da noiva dele e fez tocar a música Cantiga de Boa Gente, a César Joaquim Simões dava conta da saúde da tia dele e passava Carlos do Carmo. Muito mais gente foi receptora de mensagens, incluindo um alferes J. E. Marques Patrocínio, a quem a locutora tratou familiarmente por Zé (no bate-papo semanal) e mandou cumprimentos ao capitão Valente e ao alferes Fevereiro. Namorar pela rádio?

Hoje, já não há esta poesia nas ondas hertzianas, pois o telefone celular e o Facebook substituíram as mensagens unidireccionais da rádio. Mas, afinal, o serviço público continua, com a locutora-jornalista da Antena 1 Alice Vilaça a falar diariamente com Portugueses no Mundo, onde estes contam histórias do país de acolhimento, do emprego, dos sítios a visitar, da comida e das saudades. Só não há música nem mensagens de familiares nem um certo sentimento de inferioridade ou obrigação.

[imagens retiradas da revista Plateia, de 13 de Abril de 1971, e da página do sítio do Museu RTP, de 6 de Dezembro de 1966].

Dona Alice Mexe o Tacho

Hoje à tarde, na Biblioteca de São Lázaro, em Lisboa, foi lançado o livro Dona Alice Mexe o Tacho, contos, lengas-lengas e poesias de Ana Ventura, Emílio Miranda, Fátima Vivas, Maria Apolinário e Rui Carvalho, vencedores de concurso promovido pela editora Alfarroba. Foram ainda publicados mais dois textos, de Cláudia Neto e Magda Massano e de Frederico Leite, como menções honrosas do referido concurso.Foi uma sessão muito concorrida, até pelo número de autores. Literatura com histórias mais adequadas a públicos infantis, o objectivo do volume foi encontrar sabores e cheiros, doces e salgados, apetitosos e quentes ou frios, que se encontram a partir de uma receita culinária. Esta é o começo de cada história e, depois, existe um enredo, uma memória ou uma efabulação, como cada autor explicou durante a sessão. No vídeo, ouvem-se vozes, em especial de crianças, numa melhor contextualização da apresentação.

Estatísticas da Cultura – 2012

O Instituto Nacional de Estatística já revelou estes dados em Dezembro de 2013, mas só agora olhei atentamente para eles. Assim, apesar de muito atrasados (dois anos é já muito tempo), reflecti um pouco sobre eles.

Em termos de emprego nas actividades culturais e criativas, em 2012, segundo os dados do Inquérito ao Emprego, “a população empregada nas actividades culturais e criativas era de 78,6 mil pessoas. Destas, 53,1% são homens; 62,1% têm entre 25 e 44 anos e mais de um terço têm como nível de escolaridade completo o ensino Superior (37,8%)”. Já quanto a profissões culturais e criativas, no mesmo ano, evidenciavam-se as de “Trabalhadores qualificados do fabrico de instrumentos de precisão, joalheiros, artesãos e similares (30,4%), Arquitectos, urbanistas, agrimensores e designers (20,8%), artistas criativos e das artes do espectáculo e Autores, jornalistas e linguistas representavam, respectivamente, 12,7% e 7,3% no total das profissões culturais e criativas”. Com dados de 2011, o número de empresas com actividade principal nas áreas culturais e criativas era de 53064, destacando-se as classificadas nas actividades das artes do espectáculo (27,9%), actividades de arquitectura” (16,4%), comércio a retalho de jornais, revistas e artigos de papelaria, em estabelecimentos especializados (11,4%) e criação artística e literária (10,1%).

Dos 345 Museus considerados para fins estatísticos registaram-se 10,1 milhões de visitantes. Destes, 39,1% entraram gratuitamente, 31,9% eram estrangeiros, 15,3% eram visitantes inseridos em grupos escolares e 7,8% visitaram as exposições temporárias dos museus considerados. De acordo com o estudo das Estatísticas da Cultura 2012, “Por tipo de museu, os mais visitados foram os Museus de Arte (29,6%) seguidos dos Museus de História (23,8%), Museus Especializados (14,4%) e os Museus Mistos e Pluridisciplinares (9,8%). Tomando como referência o número médio anual de visitantes por museu (29 mil pessoas), verificou-se que os Museus de História foram os que registaram o número médio anual mais elevado, 61 mil visitantes, seguidos dos Museus do Território com 47 mil visitantes. Os Museus de Etnografia e de Antropologia e os Outros Museus foram os que apresentaram menor número médio anual de visitantes, cerca de 5 mil e 9 mil, respectivamente”.

Das artes plásticas, o estudo fez um levantamento de 803 espaços considerados Galerias de Arte e Outros Espaços de Exposições Temporárias. Em 2012, “realizaram-se 5854 exposições temporárias, das quais 55,7% foram exposições individuais. Na região Norte continuou a realizar-se o maior número de exposições (30,4%), seguida das regiões Lisboa (27,6%) e Centro (22,4%). Do total de obras expostas (234 563) destacaram-se as de Pintura (21,1%), Fotografia (15,1%), Decoração/artesanato e as de Coleccionação, ambas com 7,5%, e as classificadas em Documental (7,2%)”.

Cultura

Das publicações periódicas, em 2012 as “1399 publicações periódicas consideradas registaram 25 398 edições anuais, 518 milhões de exemplares de tiragem total, e 395,2 milhões de exemplares de circulação total, dos quais foram vendidos 276,5 milhões de exemplares. Face ao ano anterior, os materiais impressos registaram quebras acentuadas na circulação total (-32,9%), tiragem total (-28,1%), número de exemplares vendidos (-12,3%), número de publicações (-7,5%) e de edições (-7%)”.

No tocante a número de recintos de cinema, com informação vinda do ICA – Instituto do Cinema, Audiovisual (de acordo com o projecto de informatização das bilheteiras), em 2012, havia 160, correspondendo a 551 ecrãs e 107822 lugares. Nos recintos referidos foram exibidos 877 filmes (291 em estreia), com 635051 sessões de cinema e um total de 13,8 milhões de espectadores. Registaram-se 74 milhões de euros de receitas de bilheteira. Face a 2011, realizaram-se menos 36 mil sessões (-5,3%) e verificou-se uma diminuição de 12% nos/as espectadores e de 7,4% nas receitas de bilheteira.

Para os espectáculos ao vivo, em 2012 realizaram-se 27566 sessões, com um total de 8,7 milhões de espectadores. Desses, 3,5 milhões pagaram bilhete, gerando receitas no valor de 65,6 milhões de euros”. Face a 2011, os valores registados representariam acréscimos nas sessões promovidas (6,6%) em espectadores (2,9%) e receitas de bilheteira (17,7%). As modalidades de espectáculo ao vivo com maior número de espectadores foram: concertos de música rock/pop(1,7 milhões), teatro (1,5 milhões) e música popular e tradicional portuguesa (1 milhão) seguidos do outro estilo de música (857,9 mil) e das mistas/variedades (801,3 mil). As modalidades de espectáculo com menor número de espectadores foram: ópera (50,1 mil), recitais de coros (91,8 mil) e jazz/blues (94,7 mil). Segundo o estudo, “em termos de preço médio do bilhete de ingresso, a modalidade de espectáculo ao vivo concertos de música rock/pop foi a que registou o preço médio mais elevado (35,2 euros), seguida do circo (19,5 euros) e da dança clássica (16,2 euros). As modalidades em que se praticou o preço médio mais baixo foram o folclore (6,2 euros) e os recitais de coros (6,8 euros)”.

Pílades

Hoje, de manhã, estava a olhar distraidamente televisão, quando vi que, no programa da manhã da TVI, Manuel Luís Goucha entrevistava Jerónimo de Sousa, secretário-geral do Partido Comunista Português. O tema era o homem para além do político. A primeira coisa que reparei foi na maquilhagem de Jerónimo de Sousa, necessária para quem vai à televisão mas nunca usada quando se vê o militante comunista numa sessão na rua ou no parlamento. Depois, vi projectar fotografias dele no serviço militar, a família com mulher e filhas, ele a falar de uma visita a uma fábrica depois de 1974, em que lhe chamaram doutor e engenheiro, a explicar a sua visão do comunismo diferente dos regimes realizados na China, na Rússia ou em Cuba.

Dei comigo a reflectir como a política se faz hoje também nos programas populares de televisão, nos talk-shows. Surge uma faceta mais humana, contam-se histórias da vida pessoal, há momentos de quase confissão, ele calmo e sorridente, muito distinto do que se vê nos comícios de bandeiras e de palavras de ordem, a assistência bate palmas. E, sem reparar nisso, lembrei-me da peça actual da companhia de Luís Miguel Cintra, a Cornucópia, Pílades, de Pier Paolo Pasolini. O texto inaugural do catálogo da peça, assinado por Luís Miguel Cintra, fala do princípio da década de 1970, quando em Portugal militares e outras pessoas procuraram fazer a revolução, e dos anos prévios, a que chamou de resistência política. O actor e encenador evoca esse tempo e compara-o quarenta anos depois, dizendo que existe agora um sistema político chamado democracia que é uma mentira. Texto longo de seis páginas, Luís Miguel Cintra tem oportunidade de comparar o filme de Pasolini, Evangelho Segundo São Mateus, com a pintura de Fra Angelico, no que respeita a figuras idealizadas, raras e puras.

píladesLuís Miguel Cintra confessa a sua devoção por Pasolini e, agora, por Fra Angelico, por causa das nuvens do fundo do palco da representação de Pílades. E o actor e encenador vibra com o cenário (Cristina Reis), uma caixa óptica, com uma porta a meio do fundo onde, por vezes, entra muita luz e a radiosa Atena (Rita Durão). Esta quis virar o curso à história de Argos, apoiando o liberal Orestes (Duarte Guimarães) contra o radical Pílades (Dinis Gomes), que viu o seu exército debandar para a cidade que conhecia um desenvolvimento económico e social espantoso. Electra (Sofia Marques), irmã de Orestes, que amara o rei seu pai, era agora fascista.

Pasolini misturou dois tempos, o clássico dos gregos (Ésquilo) e o da Itália pós II Guerra Mundial onde cresceu o consumismo. Atena e as suas Fúrias fizeram, na minha leitura, um bom trabalho de propaganda e convenceram os montanheses e alguns operários a descerem até Argos para observarem de perto como a cidade estava a prosperar. Cintra, para tornar mais complexa a peça, juntou-lhe excertos de duas peças menores de Pasolini (Um Peixinho; Projecto para um Espectáculo sobre o Espectáculo), que provoca dispersão mas, ao mesmo tempo, um encanto estético inesquecível. Ou quando o travesti (Isaac Graça) canta em play-back uma música italiana da época, Ma l’Amore no, cantado por Alida Valli, no final do muito mas muito longo primeiro acto. Alguns espectadores não resistiram e foram-se embora ao intervalo, numa sala longe de estar cheia.

De quando em vez, o coro, como na tragédia grega, aqui sempre colocado na parte de trás do palco, interpela os amigos rivais (Orestes e Pílades), enquanto as quatro principais personagens (Orestes, Pílades, Electra e Atena) percorrem o palco todo e descem nas escadas laterais, onde falam e, até, brigam, culminando com uma violação do radical sobre a fascista. Pasolini escreveu esta peça radical (e incompreendida, apesar de publicada na revista Nuovi Argomenti) em 1966, durante um mês em que esteve de cama por causa de uma úlcera. Nessa altura morria o dirigente do Partido Comunista Italiano, Palmiro Togliatti. Por isso, cruzei a ideia dos dois líderes comunistas, o italiano e o português.

Escócia

Já ontem à noite, se projectava a vitória do não à independência no referendo realizado na Escócia. Com isso, afastava-se o espectro da separação daquela nação dentro do Reino Unido. Os resultados divulgados na última hora, com 55,42% do não arrumam a questão, embora coloquem agora o tema do cumprimento das promessas da elite e governo ingleses.

Há quase duas semanas, quando uma sondagem dava pela primeira vez a previsão da vitória do sim pela independência, os políticos dos três principais partidos marcharam para Edimburgo, na tentativa de inverter a situação. Um assunto discutido há mais de dois anos entrava na agenda mediática e pública com nova ênfase. Algumas das instituições económicas mais fortes com sede na Escócia ameaçaram mudar para a Inglaterra, pressionando os votantes escoceses.

Duas notas. A primeira dá conta do falhanço das empresas de sondagens. Embora sem qualquer votação semelhante anterior, que servisse para comparar, os resultados expressam o modo errado como a análise ao comportamento eleitoral foi acompanhada. Li que várias sondagens foram feitas através da internet, sem salvaguardar elementos essenciais de caracterização dos entrevistados.

A segunda nota lembra o conceito de espiral do silêncio. Quando uma opinião se torna dominante nos media, os indivíduos que estão em desacordo com essa posição entram em silêncio, não querem ser ponto de rotura. À exuberância dos simpatizantes do sim pela independência, os adeptos do não procuraram ser discretos. Ou calaram-se mesmo. Ontem, de manhã à noite, os 85% do total de votantes pode, em plenitude, expressar a sua posição.

Do blogue: reflexões e actualidade sobre indústrias culturais (imprensa, rádio, televisão, internet, cinema, videojogos, música, livros, centros comerciais) e criativas (museus, exposições, teatro, espectáculos).