Arquivo da Categoria: Exposição

SCOOTERS NO MUDE

O MUDE – Museu do Design e da Moda inaugura, no piso 1, a exposição Lá vai ela – Formosa e Segura – Colecção João Seixas, no próximo dia 22 de Julho, pelas 19h30. A exposição pretende colocar em diálogo diferentes scooters, na sua maioria europeias, de 1945 a 1970, com uma selecção de peças da Colecção de Francisco Capelo, sublinhando a transformação de linhas e silhuetas, para além da alteração das formas, cores e materiais, de modo a dar maior visibilidade à evolução das mentalidades e diferentes contextos socioculturais. A primeira apresentação da exposição será feita por Bárbara Coutinho, directora do MUDE, e pelos comissários João Seixas e Pedro Teotónio Pereira, no dia 21 Julho, às 12:00, no MUDE (que pena: o blogueiro vai estar noutro local, mas não vai perder a exposição).

EXPOSIÇÃO NO PORTO

A exposição Espólio de Arte Digital do Museu da Bienal de Cerveira na galeria Por Amor à Arte Galeria (R. Miguel Bombarda, 572, Porto) inaugura no dia 5 de Junho (Sábado), pelas 16:00 e fica patente ao público até 3 de Julho de 2010. Do comunicado da organização, lê-se:

  • Considerar as artes digitais como uma forma de expressão plástica, só por si, merece reflexão tanto mais que o computador é um instrumento de trabalho ao mesmo título que a rebarbadora o é para a escultura, a tinta em tubo pré-fabricada o é para a pintura. O problema reside no que é possível fazer com esses instrumentos para a execução da obra de arte, e as novas capacidades que são abertas ao criador face às novas ferramentas. É frequente confundir-se virtuosismo tecnológico com obra de arte, sobretudo numa época em que a novidade dos instrumentos nos maravilha com os resultados obtidos. É certo que, na área digital, há especialidades que beneficiam com esse virtuosismo, como seja a publicidade na web ou no cinema, as indústrias de divertimento como jogos e simulações virtuais, etc. No entanto não podemos esquecer que ao mesmo título que a música e a escrita, as artes plásticas são ciências onde a tecnologia é indissociável da criatividade, e por essa mesma razão as artes digitais são uma nova ciência que se tornou indissociável das novas formas criativas. A mostra aqui presente é certamente um exemplo vivo do aproveitamento tecnológico como forma de arte, por artistas que, não sendo especialistas da tecnologia, souberam aproveitar esta ferramenta para expressar as suas tendências artísticas pessoais, virtualmente, mas numa linguagem contemporânea.

GRAÇA MORAIS E POR PARIS

De 29 de Maio a 19 de Setembro, das 11:30 às 18:00, no CAMB (Centro de Arte Manuel de Brito), em  Algés, de terça-feira a domingo (última sexta de cada mês, das 11:30 às 24:00).

A primeira exposição é de Graça Morais, onde se podem ver obras referenciais do percurso de uma das artistas mais representativas da Colecção de Arte Manuel de Brito e da história da arte portuguesa. A segunda exposição, Por Paris, apresenta obras de artistas da modernidade portuguesa como Vieira da Silva, Júlio Pomar, René Bértholo, Lourdes Castro, Pedro Escada, entre outros, num diálogo com nomes internacionais como Sónia Delaunay, Arpad Szenes, Arman, Christo, Ian Voss, Niki de Saint Phalle e Vasarely [ver mais em http://camb.cm-oeiras.pt/].

AMERICAN FAMILY, DE DAVID ALAN HARVEY

Até 1 de Junho, na EFTI Escuela de Fotografía. Centro de imagen (Madrid)*, encontra-se exposta a exposição American Family do fotógrafo americano David Alan Harvey.

  • Nos últimos dois anos, tenho viajado de carro pelo meu país para fotografar famílias americanas. Este é um trabalho em desenvolvimento que espero concluir dentro de mais dois anos. Comecei este projecto, porque queria explorar as relações familiares e espero reunir uma espécie de álbum de família colectivo. Trabalhei com película de médio formato, a preto e branco e a cores, tal como os álbuns de fotos de família. Todo este trabalho parte do meu primeiro álbum de família que fiz aos 14 anos. A exposição e o livro Off for a family drive, incluirá fotos de grande formato e pequenos instantâneos. A minha intenção não foi fazer retratos profissionais, mas sim fazer com que este trabalho se assemelhe, tanto quanto possível, a um álbum de família.

 David Alan Harvey (1944, San Francisco, EUA). Membro da agência Magnum Photos desde 1997, e colaborador da National Geographic Magazine, é um clássico fotógrafo documentalista. Interessa-se mais pela integridade do tema que pelos aspectos técnicos e procura minimizar a sua presença para não influenciar as situações que fotografa. Das suas obras, destacam-se Cuba (2000), Divided Soul (2003) e Living Proof (2007). É editor da revista online Burn.

[textos sobre a exposição nos jornais El País e Público (Espanha)]

* EFTI Escuela de Fotografía. Centro de imagen fica na Calle Fuenterrabía, 4 e 6, Madrid. Metro: L1. Menéndez Pelayo ou Atocha Renfe.

 [imagens e texto de Carlos Filipe Maia, a quem agradeço as informações]

EXPOSIÇÃO DE DESENHO HUMORÍSTICO EM LISBOA

No dia 3 de Maio, pelas 17:30, inaugura na Galeria de Exposições dos Paços do Concelho de Lisboa a exposição O Jogo da Política Moderna!, que “constitui uma excelente oportunidade para, a partir do desenho humorístico e da caricatura política e social publicada na imprensa pelos humoristas portugueses da época, mergulhar na política” da I República Portuguesa. Peças das colecções municipais, algumas até inéditas (Hemeroteca Municipal de Lisboa e Museu Rafael Bordalo Pinheiro) [informação da organização].

ISTAMBUL EM EXPOSIÇÃO NO CCB

Hoje, no CCB, foi inaugurada a exposição Istambul Perdida, Anos 50-60, do grande fotógrafo turco Ara Güler, que não se deslocou a Lisboa em virtude do falecimento da sua mulher na semana passada. Apresentou a exposição a comissária Laura Serani (na fotografia).

Esta exposição marca o início do Festival Pontes para Istambul, mostra de fotografia, literatura, cinema e música até 1 de Abril. O jornal do festival, com o programa detalhado, ilustrado com fotos de Ara Güler, está disponível em Festival Pontes para Istambul.

Texto e imagem de Carlos Filipe Maia, a quem agradeço.

JOANA VASCONCELOS NO PROJECTO JARDIM BORDALLO PINHEIRO

Joana Vasconcelos, no projecto Jardim Bordallo Pinheiro, no Museu da Cidade, Lisboa. Ideia de Catarina Portas, quando a empresa de faiança que pertenceu a Rafael Bordallo Pinheiro ameaçava fechar por falência, com a ceramista Elsa Rebelo responsável por recuperar os moldes originais da peça de Bordallo Pinheiro. São peças de cerâmica em dimensões exageradas, como cães, gatos, macacos, caracóis, répteis, peixes, batráquios, lagostas. Bordallo Pinheiro concebera essas espécies em cerâmica para decorar o pavilhão português na Exposição Universal de Paris (1889) [ler mais no sítio do Museu da Cidade]. O projecto custou 120 mil euros à autarquia lisboeta.

JOGOS DE ESPELHOS

Jogos de Espelhos foi o título escolhido para a nova exposição (sexta) da colecção António Cachola no Museu de Arte Contemporânea de Elvas (MACE), inaugurada hoje ao fim da tarde. O nome é retirado de um conjunto escultórico de José Pedro Croft em ferro, vidro e espelhos. A explicação e a articulação com as outras peças é mostrada no primeiro vídeo abaixo, onde João Pinharanda, director de programação do museu, fala.

A exposição ocupa dois espaços, um no museu e outro no paiol de Nª Senhora da Conceição. No primeiro, para além do citado José Pedro Croft, expõem-se nomeadamente obras de Pedro Cabrita Reis, Filipa César, Alexandre Farto, Inês Botelho, João Jacinto, Edgar Martins, Maria Lusitano, João Onofre, Luís Palma, Mauro Cerqueira, Noé Sendas, Isabel Simões, Fátima Mendonça, Daniel Barroca, Pedro Portugal, Ricardo Leandro e César Engstrom, João Louro, João Paulo Feliciano e Joana Vasconcelos. No paiol, arranjado para o efeito, há esculturas e instalações de Rui Sanches (segundo vídeo), Fernanda Fragateiro e Nuno Silva. O terceiro vídeo contém uma curta declaração do coleccionista.

A sexta exposição da colecção mostra obras de cariz diverso mas unidas numa característica comum, a de peças nunca apresentadas em outras ocasiões, por falta de oportunidade temática, espaço de montagem, condições de apresentação ou por recente aquisição. A colecção António Cachola está aberta a várias tendências da arte contemporânea e aos artistas portugueses, com perspectivas de reflexo e reenvio, de multiplicação e fragmentação (texto de João Pinharanda, no folheto da exposição). A exposição está patente até 4 de Julho e, em Setembro, estará visível no Centro Cultural de Belém, Lisboa, por troca de peças da colecção de Joe Berardo, que será visitável no MACE.

[youtube=https://www.youtube.com/watch?v=TG6w9opJFII&hl=pt_BR&fs=1&][youtube=https://www.youtube.com/watch?v=B6825Pai1iI&hl=pt_BR&fs=1&][youtube=https://www.youtube.com/watch?v=QabBJ2KF_Pc&hl=pt_BR&fs=1&]

RODCHENKO & POPOVA

Aleksandr Rodchenko [Александр Родченко] e Liubov Popova [Любо́вь Попо́ва] foram as personagens mais influentes na exploração do construtivismo, através da linguagem da abstracção geométrica. Precedida pela ruptura do suprematismo de Malevich e acrescida pelos ideais trazidos pela revolução de 1917, a geração de Rodchenko e Popova traz para a arte a vanguarda militante, a que mistura um corte radical com a arte considerada burguesa, a da representação pictórica da realidade, com um modelo inspirado na arquitectura, na colagem, na indústria e nas máquinas, pressupõe também a substituição do modelo expositivo em que o museu é um espaço de conteúdo (Borja-Villel, catálogo da exposição).

O construtivismo, iniciado com a exposição 5×5=25 e a participação no pavilhão russo da Exposition des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Paris, 1925), é ainda definido como o fluxo das coisas na sua permanência, a relação entre a obra e o contexto espacial e entre o espectador e o texto. A nova ideologia estética junta outros artistas, como Varvara Stepanova [Варвара Степанова], mulher de Rodchenko, Varvara Bubnova, Nadezhda Udaltsova [Надежда Удальцова] e Alexandra Exter [Александра Экстер].

No catálogo da exposição, escreve Margarita Tupitsyn que os construtivistas convenceram-se que as formas não objectivas desempenhariam um papel chave na transformação da sociedade após Outubro de 1917. Rodchenko e Popova nomearam o construtivismo como a arte de produção, juntando collages abstractas e bordados de camponesas (em Popova), e ainda mobiliário, decoração, murais, desenhos, desenho gráfico, fotografia, cartazes, símbolos políticos, capas de revistas, cenários de teatro, cinema. Em 1918, fundava-se a Oficina dos Museus, dirigida por Rodchenko, artista bem engajado no compromisso comunista, e que começou a comprar e distribuir obras vanguardistas pelos museus regionais, traduzindo-se em dinheiro para os artistas envolvidos na sua produção. O conceito de pintor como artista isolado não fazia parte do novo ideário. Em finais de 1918, a obra de Malevitch, Quadrado negro, fez rebentar forte polémica, o que levou Rodchenko e os colegas à ruptura com o suprematismo e à apologia do construtivismo. A primeira exposição inaugurava-se na Primavera de 1919, ano de aproximação de Rodchenko e Stepanova a Kandinsky, em casa de quem viveram durante algum tempo, temperando as suas obras com o expressionismo deste. Já em 1921, o grupo dos construtivistas rebelava-se contra Kandisnky e a sua psicologia da percepção. 1921 foi ainda o ano de aproximação do grupo ao cineasta Dziga Vertov, com o seu noticiário Kino-Pravda (Cinema Verdade).

Christina Kiaer, no mesmo catálogo da exposição, prefere destacar a questão do género, realçando o facto de Popova ser mulher. Muito antes das lutas do feminismo na década de 1970, Liubov Popova representa um papel importante, dada a pequena quantidade de mulheres influentes nas vanguardas estéticas da Rússia soviética nas primeiras décadas do século XX. Contudo, Kiaer compara as inúmeras manifestações e exposições dedicadas a Rodchenko face a Popova para notar a assimetria entre os dois. Depois, Popova morreu cedo (e o seu filho também teve uma existência de apenas quatro anos e meio). Vestuário e desenhos de moda, cartazes e cenários para o teatro são algumas das áreas em que Popova se destacou mais.

Rodchenko e o seu construtivismo seriam marginalizados quando o realismo socialista de Estaline irrompeu e se tornou a arte oficial do regime.

A exposição patente no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) tem a colaboração da Tate Modern (Londres) e de inúmeros museus que acederam a mostar obras das suas colecções.

AS LÁGRIMAS DE EROS

Se é certo que “diabólico” significa essencialmente a coincidência da morte e do erotismo, se o diabo não é ao fim e ao cabo senão a nossa própria loucura se choramos, se profundos soluços se nos desprendem – ou bem se nos domina um riso nervoso – não podemos deixar de perceber, vinculada ao nascente erotismo, a preocupação, a obsessão da morte (da morte num sentido trágico, ainda que no fim de contas, risível) [George Bataille (2007; original de 1961). Las lágrimas de Eros. Barcelona, Tusquets Editores, p. 41].

Narra J. M. Lo Duca, responsável pela escolha da iconografia, a história do livro de Bataille: “Durante dois anos, de Julho de 1959 a Abril de 1961, Bataille elabora o plano da obra, que adopta cada vez mais o cariz de uma conclusão de todos os temas que lhe foram caros. Sem dúvida, a redacção foi elaborada com muita lentidão, e As lágimas de Eros sofria constantes atrasos por causa dos acontecimentos” (p. 10). Esclarece-nos a introdução do próprio autor: “O sentido do livro é, como primeiro passo, o do abrir a consciência à identidade da «pequena morte» e da morte definitiva: da voluptuosidade e do delírio ao horror sem limites” (p. 37).

A exposição no museu Thyssen-Bornemisza e Fundación Caja Madrid tem o livro de Bataille como assunto, onde ele discute o tema clássico da relação entre Eros e Thanatos, entre a conduta sexual e o instinto da morte, no sentido do experienciar o sagrado, em que o erotismo é objecto tabu, proibição que ilumina o proibido (visita virtual aqui). Vénus, Uranus e Cronus, Adão, esfinges, sereias e serpentes, as tentações de Santo António e o martírio de São Sebastião e Andrómeda, Jacinto, Cleópatra e Ofélia, Maria Madalena e São João Baptista, lidos e interpretados na pintura europeia ao longo dos séculos. William-Adolphe Bouguereau (Banhista, 1870), John Currin, Honeymoon Nude, 1998), James White (Sem Título, 2004 ), Henri Rousseau (A encantadora de serpentes, 1907), Camille Corot (A fonte, 1869-1870), Gustave Courbet (Mulher nas ondas, 1868), Gustave Doré (Andrómeda, 1869), Franz von Stuck (Judite e Holofernes, 1927) e Man Ray (Lágrimas de vidro, 1933) contam-se entre as muito belas imagens expostas.

EXPOSIÇÃO GRAPHIAS – DO PAPEL AO PIXEL

Graphias – do Papel ao Pixel é uma exposição que abre no próximo dia 17 na Marta Traba, em S. Paulo (Brasil), sendo Saulo Di Tarso o seu curador. Este “viajou pela América do Sul, Europa e África e constatou que a produção gráfica contemporânea dos países visitados têm mais afinidades do que discrepâncias em relação às manifestações da arte no Brasil. É a globalização da produção simbólica perpassada pelos media e vazada na mais alta tecnologia” (informação do sítio do Memorial).
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EXPOSIÇÃO FOTOGRÁFICA DE PAULO GASPAR FERREIRA

Chama-se Anima Vegetalis – Imaginário Botânico do Mosteiro de Tibães, exposição de fotografias que foram sendo engendradas por Paulo Gaspar Ferreira numa pequena cela monástica do Mosteiro de Tibães ao longo de dois anos.

Compõe-se de 70 imagens fotográficas, base de um “livro” de folhas soltas acompanhadas por textos (também soltos) da autoria do iluminista português Theodoro d’Almeida (Recreação Filosófica, 1786). As fotografias são feitas com “peças” encontradas no chão de Tibães. A edição está limitada a 300 exemplares.

O projecto nasceu da continuidade de um trabalho que o autor apresentara no Museu Amadeo de Souza-Cardoso, Espíritos Elementares – 23 simulacros. Com algas do mar de Vila Chã (Mindelo – Vila do Conde), ele tinha construido uma exposição e um livro, com textos de Casimiro de Brito, Albano Martins, Ana Hatherly, Ramos Rosa, Melo e Castro, Fernando Guimarães, Teresa Horta e outros.


Inauguração da exposição e apresentação do livro no mosteiro de S. Martinho de Tibães (perto de Braga), no dia 12 de Setembro, pelas 18:00. Anteriormente, pelas 15:30, haverá uma visita guiada ao mosteiro.

MUDE


O MUDE (Museu do Design e da Moda, à Rua Augusta, Lisboa) abriu muito recentemente as suas portas, albergando a colecção Fernando Capelo (anteriormente no CCB). Dos objectivos do museu, “Constituir um pólo museológico que dê a conhecer a todo o público, nacional e estrangeiro, a evolução do design do século XX até à actualidade” [imagem do interior do museu retirada do sítio do MUDE]. Dos públicos, “O museu dirige-se a todo o público através de uma programação variada e de espaços de encontro e lazer”.

No CCB, havia uma grande parte da colecção exposta. Apesar de bem apresentada, ela perdia-se no espaço do Centro. Agora, o que se vê é uma parcela mais pequena da colecção mas de um modo mais agradável. Podemos dizer que há mais espaço. O próprio interior do edifício, um antigo banco, conservou alguns dos elementos antigos, adaptando a forma a uma nova função. Por exemplo, o balcão do banco funciona como marcador de itinerários. Ontem, quando visitei o museu, fiquei agradavelmente surpreendido com o número de visitantes. Claro que abriu agora e a entrada é gratuita até 1 de Julho, mas a localização do museu e a importância da colecção principal que alberga são dois elementos que auguram um grande sucesso.

Esta semana, inaugurou a exposição temporária intitulada em português Ombro a Ombro, com cerca de 250 cartazes políticos, com a maior parte desses cartazes oriundo de uma colecção de Zurique, onde esteve patente até Fevereiro passado. É interessante, até porque contradiz uma ideia que expressei aqui no dia 31 de Maio, pois muitos dos cartazes mostrados possibilitam leituras ricas em termos de semiótica e de sociologia, nomeadamente.

Cito, para além dos inevitáveis retratos e cartazes de Mao, Lenine, Guevara, Schwarzenegger e Obama, os de Mitterrand, Nixon, Soares e da líder da Ucrânia Yulia Tymoshenko (imagem retirada do sítio Hyperbolic Chamber). Ou as fotografias de Francesco Vezzoli (imagens retiradas do sítio New York).

EXPOSIÇÃO DE CARTAZES POLÍTICOS

Quase 250 cartazes políticos, muitos deles pertencentes a colecção suíça, podem ser vistos a partir de hoje no Museu do Design e da Moda (MUDE), na antiga sede do Banco Nacional Ultramarino, na Rua Augusta, aqui em Lisboa. O título da exposição, que se prolonga até Outubro, é Ombro a Ombro. Podem ser vistos cartazes de líderes como Kennedy, Che Guevara e Salazar. O objectivo da exposição, disse a directora do museu, Bárbara Coutinho, é mostrar como a imagem dos políticos do século XX foi construída e desconstruída [a partir de take da agência Lusa]. Além do do Museu do Design de Zurique, há cartazes pertencentes a entidades como Comissão Nacional de Eleições, Arquivos Nacionais da Torre do Tombo, Universidade de Aveiro e Centro de Documentação 25 de Abril da Universidade de Coimbra.

SOBRE A EXPOSIÇÃO OBSCENA: 2 ANOS EM IMAGENS

  • Em 2009 queremos marcar os dois anos de existência da Obscena-revista de artes performativas com um conjunto de iniciativas que nos levem junto dos leitores e ampliem o trabalho que temos vindo a desenvolver. Foi nesse quadro que pensámos numa exposição de fotografias que desse conta dos rostos que ao longo destes dois anos foram a notícia, o tema ou o pretexto para um artigo. Juntámos o melhor das imagens propositadamente criadas para as páginas virtuais e impressas da OBSCENA, acrescentámos-lhe algumas das cartas brancas de alguns dos artistas visuais que tão generosamente acederam ao nosso convite e revolvemos o arquivo em busca das fotografias inéditas para montar uma exposição que é não mais do que um pretexto para que nos siga por mais um ano (texto da organização).

Contactos: Quarta Parede – Associação de Artes Performativas da Covilhã, Rua Celestino David, Lote 4, r/c dir., Covilhã, email: qp@quartaparede.pt

ARTE AO VENTO


Estremoz (até amanhã), Macedo de Cavaleiros (24 de Julho a 16 de Agosto) e Azambuja (de 3 de Setembro a 1 de Outubro) são os concelhos portugueses onde se apresenta a arte ao vento (Art al Vent). Expõem-se 104 obras que interpretam a tradição secular de exibir colchas nas varandas e representando 26 países. A mostra começou na cidade de Gata de Gorgos (Alicante, Espanha) e já passou por Teruel, Chefchauen, Aquisgran, Monschau e Kornelimünster, isto é, Espanha, Marrocos, Alemanha e, agora, Portugal. Do catálogo da exposição, retiro um comentário de María Jesús Salvá Monfort (conselheira da cultura de Gata de Gorgos): “Se, na época medieval, os palácios e as casas senhoriais enfeitavam as suas fachadas com tapeçarias, os povos mediterrânicos continuam, hoje em dia, com esta tradição. Para a passagem das procissões religiosas, as fachadas das nossas ruas vestem-se com as mais ricas colchas de seda adamascada, rendas de bilros e outras rendas” [imagens feitas em Estremoz].

EXPOSIÇÃO DE JORNAIS, VESTIDOS, LOGÓTIPOS


Estudos de logótipos, jornais, revistas, maquete e vestidos compõem os mais de 340 objectos em exposição, de 6 de Maio a 2 de Agosto, no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), além de esculturas e pinturas de Amilcar de Castro e Willys de Castro, sob curadoria de Lorenzo Mammì.

O IAC fica no Centro Universitário Maria Antonia – Edifício Joaquim Nabuco, na Rua Maria Antonia, 258, em São Paulo. Ler mais em Canal Aberto.

ECOS DA BIENAL DE SÃO PAULO

162 mil visitantes em 37 dias de exposição na 28ª Bienal de São Paulo foi um grande sucesso, escrevem os organizadores:

  • A nossa [bienal] é uma bienal histórica: condicionada a trajetória das Exposições Universais do Século XIX e início do Século XX, da imigração desse evento espetacular da Europa às Américas.
    A nossa bienal é um caso singular: uma transposição do modelo original de bienal (Bienal de Veneza/final de século XIX) realizado por Ceccilio Matarazzo meio século depois na cidade de São Paulo, uma cidade mercantil em perpétua transformação vivenciando uma ascensão e crescimento exponencial, mas, naquele momento, ainda na periferia do capitalismo. Por curiosidade cabe dizer que no caso Norte Americano, fenômeno que desperta interesse semelhante foi o de uma transmutação: a criação de um novo modelo de museu: o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque em 1939.

Para continuar a ler, clicar aqui.

ESPAÇO CAMPANHÃ

Com exposição Está a morrer e não quer ver. Artistas: Ana Deus, André Cepeda, André Sousa, António Caramelo, António de Sousa, Arlindo Silva, Beatriz Albuquerque, Carla Filipe, Carlos Noronha Feio, César Figueiredo, Cristina Regadas, Der Fehler, Eduardo Matos, Fidalgo de Albuquerque, Francisco Eduardo Roldão, Isabel Ribeiro, Israel Pimenta, João Marçal, José Almeida Pereira, Luís Figueiredo, Manuel Santos Maia, Marco Mendes, Mauro Cerqueira, Miguel Carneiro, Nuno Ramalho, Paulo Mendes, Pedro Magalhães, Rita Castro Neves, Samuel Silva + Bolos Quentes, Sónia Neves, Vera Mota, Teixeira Barbosa.

No próximo dia 25 de Abril, haverá uma sessão especial. Às 15:00, lançamento da publicação Está a morrer e não quer ver, de Mauro Cerqueira; às 16:00, conferência Uma mudança de vida, por Ana Cristina Assis; às 18:30, concerto Hinos para a Europa dos 27, por Marçal dos Campos.

O Espaço Campanhã fica na rua Pinto Bessa, 122, Armazém 4, Porto.

ANDY WARHOL


O mundo da pintura de Andy Warhol (1928-1987) não é apenas o da pop art, não se reduz ao espírito optimista do american way of life, em que se revelam os ícones da Coca-Cola, das latas Campbell, Marilyn Monroe, Elvis Presley ou Elizabeth Taylor. É também a da cadeira eléctrica, dos acidentes de viação, das séires Death and Disasters (Warhol, Miroir du Grand Monde, catálogo pequeno da exposição, p. 6).

Após ter concluído a licenciatura em design em Pittsburgh, mudou-se para Nova Iorque e começou a trabalhar como ilustrador de revistas como Vogue, Harper’s Bazaar e The New Yorker. Fazia ainda anúncios publicitários e montras de lojas. Warhol ia frequentemente ao cinema, gostando em especial de Shirley Temple e de Judy Garland. Imortalizou esta, mais a filha Liza Minnelli, nas suas pinturas. Muitas outras estrelas de cinema, assim como empresários e outras celebridades, procuraram-no para serem pintados por ele. A imagem começava com uma sessão de fotografias, onde os modelos eram maquilhados, com eliminação de toda as imperfeições. Cada pintura custava 25 mil dólares, baixando para 15 mil caso houvesse uma segunda obra.

The Factory foi, a partir de 1962, escritório e fábrica, agência de publicidade e espaço de inspiração teatral, musical e plástica para Warhol. Lou Reed e John Cale cantaram a Factory em Songs for Drella (espécie de vida romanceada de Warhol e das suas relações interpessoais). Warhol está por detrás do êxito da banda The Velvet Underground e Nico (Christa Päffgen, 1938-1988; Nico é o anagrama de icon e foi-lhe dado Andy Warhol) e da capa do disco The Velvet Underground e Nico, transformado no álbum da banana. O motivo, verdadeira transfiguração do banal em obra de arte pop, alarga-se a uma audiência muito maior que a das serigrafias que o autor realizava (Warhol, Miroir du Grand Monde, catálogo pequeno da exposição, p. 24). Data dessa época a amizade com a banda inglesa The Rolling Stone e o seu vocalista Mick Jagger.

O fascínio do cinema em Warhol leva-o a comprar equipamentos fotográficos e cinematográficos. Em 1963, roda Sleep, captação silenciosa do sono do poeta John Giorno, facto escandaloso para a época. Em simultâneo, Warhol associou-se a músicos minimalistas como La Monte Young, Philip Glass e Steve Reich. Warhol desenvolveu uma incarnação plástica das estruturas minimalistas da música. Escândalo semelhante provocariam as suas pinturas Camp, auto-retratos drag em 1981, a partir de fotografias Polaroid.

Mas o que mais ficou da obra pop de Warhol foram os acrílicos sobre tela representando Marilyn Monroe, séries repetitivas da mesma imagem a que o pintor deu tonalidades e cores diferentes. Colocadas numa parede como aparece na presente exposição do Grand Palais em Paris adquirem uma ressonância de grande espectacularidade. Sim, Andy Warhol foi uma super-estrela do sistema das estrelas, uma celebridade no que fazia e no que dizia. Mas continua a inspirar toda a gente, como a capa do número de sexta-feira do caderno “Ípsilon” (jornal Público). Seria Elvis Presley (acrílico de 1963) um cowboy ridículo ou um ícone cheio de glamour?


E o que poderíamos dizer dos quadros de Ileana Sonnabend (1973), Sonia Rykiel (1986), Debbie Harry (cantora dos Blondie) (1980), Carolina Herrera (1979), Marella & Giovanni Agnelli (1972)?