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EDWARD HOPPER


Edward Hopper (1882-1967) estará em exposição no Art Institute of Chicago (EUA), de 16 de Fevereiro a 10 de Maio. É pena ficar tão longe!

Retiro da revista Magazine Artes deste mês:

  • Mestre do intimismo, pintor realista, a solidão e a introspecção são dados fundamentais da sua pintura, que ao mesmo tempo repercute em muito o ser e a essência do american life style.


[imagem retirada do sítio Art Institute of Chicago, óleo sobre tela Nighthawks, de 1942]

IDA E VOLTA: FICÇÃO E REALIDADE

Até 27 de Abril de 2008 e no piso 0 do Centro de Arte Moderna José Azeredo Perdigão (Gulbenkian), comissariado por Christine Van Assche e com cenografia de Didier Faustino, a exposição Ida e volta: ficção e realidade.

Para a organização, “Procura-se com esta exposição reflectir sobre alguns dos modos da utilização da imagem em movimento na cena artística internacional contemporânea. A exposição organiza-se em torno de um conjunto de obras que perspectivam a cultura cinematográfica, seja ela narrativa ou documental. O projecto inclui uma selecção de artistas internacionais que utilizam o vídeo, influenciados pelo cinema, pelo filme de ficção científica, de ficção ou documentário, sem que as fronteiras sejam, no entanto, muito precisas, ou que os limites de género estejam definidos. Uma progressão do mais ficcional para o mais documental é constatada pelo público à medida que for avançando no espaço da exposição. No centro desta selecção, o filme La Jetée de Chris Marker é projectado em loop, na intercepção dessas duas tendências aparentemente opostas, assinalando um ritual de passagem conhecido do público. As obras têm uma relação com a natureza e com a cidade contemporânea, à imagem do que acontece com o próprio edifício do Centro de Arte Moderna, onde estão expostas. A cenografia terá em conta esses aspectos, assumindo por outro lado a especificidade da apresentação de trabalhos audio-visuais (obscuridade, acústica, conforto de visionamento).

Lista de artistas: Laurent Grasso, Rachel Reupke, David Claerbout, Stan Douglas, Melik Ohanian, Chris Marker, Clemens von Wedemeyer, Jordi Colomer, Isaac Julien e Alexandre Estrela.

PINTURA


O QUE UNE AS EXPOSIÇÕES DE PAULA REGO, DÜRER + CRANACH E A PINTURA ESPANHOLA DO SÉCULO XIX, ACTUALMENTE EM DESTAQUE EM MADRID? O QUE AS SEPARA?

A pintura espanhola é incitada pelo tempo, pelo poder político, pela estética, a representar os momentos mais importantes da história do país, os seus momentos de glória. Diz o pequeno catálogo: “cuja qualidade formal [das 95 pinturas e 12 esculturas] é equiparável ao de outras destacadas escolas europeias do seu tempo”. Há uma relação directa com o Museu do Prado, fundado em 1819 e agora com uma ala nova, precisamente onde está patente a exposição desde a semana passada, com entrada gratuita nos primeiros dias.

Os pintores seguiram Goya (com três obras patentes), fonte inicial de inspiração, com enormes telas apenas possíveis de instalar em paredes de museu, com cores muito vivas, de um grande verismo. Frederico de Madrazo, Eduardo Rosales, José Moreno Carbonero, Mariano Fortuny e Joaquín Sorolla são alguns dos principais nomes. Destaco o quadro de Francisco Pradilla, Cortejo del bautizo del príncipe don Juan, hijo de los Reyes Católicos, por las calles de Sevilla, obra de 1910 (já no século XX, mas integrando a exposição). A cena é pública – isto é, um acto privado da realeza tornado público. Com o colorido da multidão – no palanque (aristocracia local), nas varandas, na guarda de honra, no povo na rua. Falta apenas o som das pessoas e da música, conquanto as cores sugiram polifonias [imagem retirada da Wikipedia].


A pintura e gravura de Dürer e Cranach estão num outro plano, a da fixação da imagem reproduzida (a gravura), com cenas da vida de Cristo e do cristianismo, numa afirmação do protestantismo de Lutero [lembra o filme em projecção nestes dias, Elizabeth, de Shekhar Kapur, com Cate Blanchett, Geoffrey Rush e Clive Owen, em que uma Isabel I, protestante, defronta Filipe II, católico]. Dürer torna-se importante por apoiar essa afirmação religiosa, por a fixar no texto e, especialmente, na imagem. A exposição na Fundación Caja Madrid é mais significativa que a do Museo Thyssen-Bornemisza, dada a quantidade de pequenas gravuras que ilustravam livros, uma das escassas formas de ilustrar os leitores. Quanto tempo demoraria a leitura de uma das pequenas imagens, consideradas piedosas? A cultura erudita alicerçava-se aí, mas não sei o impacto nas classes mais populares. A geometria e a representação das novas formas de fazer a guerra (em que as armaduras de aço são determinantes) aparecem nas gravuras como dois outros campos explorados. Ao esforço científico junta-se o da actividade da primeira indústria cultural: a reprodução mecânica da imagem. Há, pois, um duplo significado – a religião, a arte mecânica.

Já o mundo representado por Paula Rego é um distinto mundo interior. Não é místico mas psicológico e melancólico, de descrição de traumas pessoais (e colectivos), como assinalei ontem. O fundo (enquadramento) é nascente na época de Dürer + Cranach e importante na pintura espanhola do século XIX mas não tem o mesmo sentido em Paula Rego. Aqui, cada elemento para além da(s) imagem(ns) central(ais) é do domínio do simbólico. A representação de um animal em Dürer ou Cranach e na pintura espanhola faz parte da história, da cena, da paisagem; em Rego lê-se como complemento, oposição ou simples sinal como se fosse uma assinatura.

Para além destes objectos (textos enquanto totalidades, enquanto exposições), independentes e autónomos entre si, há a junção num tempo, o da exposição ao público. Logo, para o visitante que passe nos vários locais, há um cruzar de linguagens, cada uma delas apegada a um tempo histórico e sociológico.

Em Paula Rego, não existe o domínio do belo e do harmonioso como na pintura espanhola ou o rigor matemático dos gravadores alemães, mas o elogio do feio, do horror. É certo que a morte (cenas em Dürer sobre Cristo e os cristãos, Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga, de Antonio Gisbert, 1887-1888) aparece estetizada: a morte é simultaneamente feia e bela, tormentosa e horrível mas igualmente equilibrada.

A produção identificada nestas exposições reflecte a qualidade da cultura europeia – alemã, espanhola, portuguesa (inglesa) – ao longo dos séculos. Se o século XVI mostra a expansão política, económica, cultural e científica e o século XIX espanhol é, na pintura, a (re)afirmação de uma cultura e de um país, a obra de Paula Rego assume os medos, as fobias modernas, o psicologismo do privado. As cenas públicas da pintura espanhola – quase cenas universais à escala do seu país – tornam-se privadas, íntimas, quase de pesadelo individual na pintora portuguesa. Melhor: o público (séculos XVIII-XIX), de afirmação dos Estados, transmuta-se em privado (do retrato em Dürer e na pintura espanhola) mas atinge o paroxismo em Rego. O privado é o único domínio nesta pintora. Com os seus animais, monstros e mulheres feias. O universo masculino das outras exposições muda-se aqui para o feminino.

Se quisermos ver de outro ângulo: o retrato do homem é do domínio público, o da mulher é privado. Onde as dores são silenciadas ou partilhadas num espaço pequeno, como ontem escrevi.

Observação 1: a pintura de José de Madrazo (La muerte de Viriato, jefe de los lusitanos, 1807) conta a história do assassinato de Viriato, chefe dos lusitanos. Na explicação, como se pode ler abaixo, trata-se de um episódio na história de Espanha. Nos manuais de história portuguesa, Viriato é ensinado como antepassado dos portugueses. Não haverá forma de se estabelecer genealogias através de história comparada?


Observação 2: a segurança na nova ala do Museu do Prado parece a entrada num aeroporto à espera de um ataque terrorista. Malas, relógios, cintos e outros pertences do visitante passam pelo mesmo sistema de segura
nça de raios X que num aeroporto. Os seguranças podem apalpar um visitante “suspeito”. E obrigar a tirar sapatos com uma placa metálica (medo de bomba?). O prazer de fruir um museu começa a desvanecer-se. Pior que esta segurança só mesmo o museu judaico em Berlim, com polícias de forte porte atlético.

PAULA REGO


Não sou propriamente aquilo a que se chama um fã (fiel) de Paula Rego, mas vale a pena escrever sobre a sua exposição actual em Madrid.

Há, na pintura inicial da artista (1953 em diante), uma figuração que lembra os murais mexicanos e as formas grotescas mas cheias de colorido neorealista (se posso usar essa designação). O pai de Paula Rego patrocinou uma exposição da jovem nascida em 1935 quando ela atingia 21 anos de idade. Eram dois quadros que representavam uma festa popular (Night) e homens no trabalho (Day). Homens, mulheres, pares, com alguma confiança no futuro a ler-se na expressão desses rostos. Mas data igualmente de 1954 um quadro intitulado Life painting, onde uma mulher está representada na sua nudeza e fealdade, talvez pelo envelhecimento do corpo e muitas vicissitudes ao longo da vida. Reside aqui, neste quadro, a forma de muitas outras obras da pintora já madura em idade, conhecimentos e experiências estéticas.


No dobrar da década de 1950, é nítida a influência de pintores como Jean Dubuffet: algum figuracionismo, crescente abstractização, cenas da vida familiar, cromatismos múltiplos. São anos de felicidade pessoal. Paula Rego casa com Vic Willing, que conhecera na escola inglesa de artes que ambos frequentavam, e nasciam os três filhos de ambos. 1961 marcaria, por outro lado, uma relação com a Fundação Gulbenkian, que lhe deu uma bolsa de estudo durante dois anos.

Apesar de continuar a pintar há um período menos expressivo, que passa entre a década de 1960 e a seguinte. O crescimento dos filhos prende a sua atenção; o marido fica doente com esclerose múltipla. Mas ela regressa com novos temas nos anos de 1980, com uma antropomorfização de espécies animais. Cães, macacos (caso de Monkeys drawing each other, 1981), coelhos, leões, lagartas, borboletas – memórias da sua infância em Portugal, nomeadamente da casa na Ericeira. O convívio destes variados tipos de animais é, num outro sentido, a prova da relação de sentimentos e de atitudes. Alguns acrílicos tomam o dispositivo da banda desenhada por empréstimo, continuando a expressão de sentimentos atrás indentificada. As cores são mínimas, o que conta são as formas e a história.

Em meados da década de 1980, há uma alteração profunda nos temas da pintora. A sua filha Caroline confidencia que Paula Rego andava sempre a queixar-se, perguntando o que haveria de pintar a seguir. Vic, o marido, seria uma fonte de inspiração. Os animais passam a ter a companhia de pessoas, caso de raparigas. Funcionava, de novo, a memória juvenil. São rostos a tenderem para o feio: escuros, de traços grossos, com um laçarote na cabeça. As histórias têm algo de mágico: Girl shaving a dog (1986), Girl lifting up her skirt to a dog (1986), da série Dogs – ampliando a relação entre pessoas e animais até um domínio do íntimo e da experimentação de adolescentes.

Os anos finais dessa década e os anos seguintes mostram a pintura esplendorosa que marca a fama de Paula Rego: mulheres cujo atributo de beleza não é o canónico mas o rude, o disforme e com pele encarquilahda até, em cenas domésticas, com violência, violação, quase esventramento, drama, morte (o tema da capa do catálogo da exposição do museu Rainha Sofia não tem título, datado de 1998-1999). É um universo feminino, onde os problemas são resolvidos como se se vivesse num gineceu, de regras fortes, em que o choro e o silêncio entre pares resolve e purifica. As mulheres aparecem isoladas ou em pequenos grupos, algumas delas olhando directamente para o espectador. Não há homens, seres estranhos neste tempo de pintura de Paula Rego. Por vezes, animais em formato reduzido animam os cantos das telas, sem uma razão contextual mas simbólica.

Curiosamente, há séries de Paula Rego que, sem descurarem um gosto pela secura e ausência pela harmonia, são de um significado impressionante, como a série Dancing Ostriches: as bailarinas são de baixa estatura e com corpos fortes ou quase musculados, ensaiando os passos de dança em sofás ou camas – isto é, sem esforço físico como no bailado clássico – mas acabam como conjuntos definitivamente graciosos. O que quer dizer: a beleza é, no fim de contas, aquilo que quisermos ver ou sentir (ou o contrário).

Outra obra que me despertou a atenção é The dance (1988), onde casais dançam à luz da lua, junto ao mar. Vêem-se igualmente duas mulheres com uma criança e uma mulher sozinha. Há movimento, cor, expressão.

Base: catálogo Paula Rego, texto de John McEwen, editado em inglês pela Phaidon inicialmente em 1992, e que acompanha a exposição actualmente presente no Museu Rainha Sofia, em Madrid.

EXPOSIÇÃO FOTO COLECTANIA (BARCELONA): LAS PARTES Y EL TODO. COLECCIÓN H+F


A Fundação Foto Colectania apresenta um conjunto de 60 fotografias da colecção privada do holandês Han Nefkens, a Colecção H+F, vista através do olhar de Ignasi Aballí que a comissaria.


Entre as peças que Ignasi Aballí seleccionou, destacam-se aquelas que melhor reflectem os objectivos de Han Nefkens: obras que nos estimulam a pensar e a renovar o olhar. São imagens que demonstram a sua proximidade com a pintura, como as obras de Jörg Sasse e Stephen Shore, outras em que os limites entre realidade e abstracção se dissolvem, como nas fotografias de Roni Horn, Annika von Hausswolff, Thomas Ruff, Rinko Kawauchi e Naoya Hatakeyama, ou por último obras com conotações sociais e políticas, como as de Gerald Van Der Kaap, Martine Stig, Rirkrit Tiravanija ou Shirin Neshat (comunicado da organização).

A Fundació Foto Colectania fica na avenida Julián Romea, 6 D2, em Barcelona. Para mais pormenores, ver em http://www.colectania.es/. Representante em Portugal: Filipa Valladares (colectania@sapo.pt).

Agradecimentos a Carlos Filipe Maia pela informação.

MOSTRA EM CASCAIS


A MOSTRA JOVEM 2007 é a Festa da juventude com tons ambientais na Baía de Cascais nos dias 21, 22 e 23 de Setembro, indicam os organizadores, as associações juvenis daquele concelho. Tendo como pano de fundo o tema Cascais Submerso, a mostra “tem como ambição ser uma chamada de atenção à comunidade para as alterações climáticas, para o consumo responsável, para a reciclagem e para o acesso a conteúdos digitais”.

SELOS EM EXPOSIÇÃO


Inaugura amanhã, pelas 18:30, a exposição Selos, Arte e Artesanato. Apontamentos de Expressão Lusófona na Fundação Portuguesa das Comunicações (FPC).

Trata-se de uma breve exposição, onde “para além de peças de artesanato, são apresentados os selos, emitidos por esses países [de língua portuguesa] e pertencentes ao Património Museológico da FPC, fruto do intercâmbio filatélico das Administrações de Correios, patrocinado pela União Postal Universal”. Segundo a entidade promotora, “O selo de correio, para além da sua missão estritamente postal, ao circular por todo o mundo, tornou-se num excepcional portador de mensagens, ganhando, em simultâneo, o importante papel de embaixador da história e da cultura de um país”.

A FPC fica na Rua do Instituto Industrial, 16, em Lisboa.

EXPOSIÇÃO NA ZDB

  • Transitioners é um gabinete de design de tendências especializado em transições políticas, criada pela Société Réaliste. Transpondo os princípios do design prospectivo, geralmente utilizados pelas agências de prospecção de tendências, para o campo da política, a Société Réaliste questiona a revolução (transição?) enquanto categoria central na sociedade ocidental contemporânea. Transitioners examina as mutações da revolução enquanto forma. Como é que pode ser produzida uma “transição democrática”? Qual o papel do design na permanente conversão da política em mitologia? Como é que o efeito de um evento sobre as pessoas pode ser transformado num afecto controlado?

A Société Réaliste é uma cooperativa artística criada em 2004, por Ferenc Gróf e Jean-Baptiste Naudy em Paris. Ferenc Gróf nasceu em 1972, em Pécs, Hungria. Jean-Baptiste Naudy nasceu em 1982, em Paris, França. Actualmente, ambos vivem e trabalham em Paris.

Na ZDB (Galeria Zé dos Bois) , a Société Réaliste apresenta Dias da Bastilha, uma colecção Transitioners inspirada na Revolução Francesa, de 23 Junho a 22 Setembro. A ZDB fica na Rua da Barroca, 59 (Bairro Alto, Lisboa).

[informação do promotor]

COLUMBANO BORDALO PINHEIRO


A pintura de Columbano nunca me atraiu particularmente. Aliás, só recentemente aprendi a olhar a pintura naturalista da segunda metade do século XIX. O meu coração está com o expressionismo e as correntes subsequentes até 1970, sem esquecer o prévio cubismo e os trabalhos de Amadeo Souza-Cardoso. A minha alegria está quando visito a exposição permanente do Museu do Chiado (pintura do século XX) ou as três últimas salas de pintura do Museu Soares dos Reis (Porto) (igualmente pintura do século XX).

Nem as cores de Columbano despertam a minha atenção. São obras escuras, de nem sempre fácil apreensão. Os retratos, alinhados num dos lados da sala, são tristes, representam apenas homens (personalidades célebres na época, como Antero de Quental, Oliveira Martins, Guerra Junqueiro, Fialho de Almeida, Henrique Lopes de Mendonça), com rostos quase iguais (barbas, olhares mortiços, escassa beleza masculina). De mulheres, vêem-se as da sua irmão mais velha e pouco mais.

Reconheço que estou a exagerar e a desprezar a obra de Columbano, sem qualquer justificação. Primeiro, o retrato de Matilde Adelaide Pinto da Silva mostra-nos uma grande finura de traços, uma compreensão dos sentimentos da retratada. Depois, basta olhar para O sarau (1880) para contrariar a opinião expressa nas linhas anteriores. Ao centro-esquerda da tela, está um piano com uma jovem a interpretar. De pé, um homem mais velho canta, ou declama, ou dirige musicalmente uma parte da assistência. Em cada um dos cantos da cena, mulheres e homens, escutam. Em primeiro plano, parece haver um gato; em fundo, observam-se algumas decorações (relógio, vaso, candeeiro), que veríamos também nas fotografias de finais do século.

É uma cena de serão familiar. Observam-se duas gerações distintas, sendo o sarau uma actividade cultural e de educação e integração social. Há um rigor nas roupas: o senhor à direita usa um fraque, o menino ao centro veste elegantemente uns calções deixando sobressair umas meias vermelhas. O longo cabelo louro e a posição das pernas denuncia a sua chegada junto do grupo dos cantores. As senhoras, de cabelo puxado atrás, seguem o movimento do rapazinho. À esquerda, estão os intelectuais: talvez pintores, artistas, poetas, filósofos.

As cores representadas são quentes, em oposição a outros quadros do pintor. E esta obra parece anunciar uma tira de banda desenhada: poder-se-iam contar várias histórias olhando o modo como os grupos se encaixam.

Reformulo, assim, a opinião incorrecta acima escrita neste postal. A sua obra, que na exposição percorre os anos de 1874 a 1900, possui a dimensão apropriada para caber numa mostra temporária no Museu do Chiado, e parte de um importante espólio daquele museu. Depois, remete para uma época precisa, de grandes mudanças sociais, políticas e culturais (o ultimato dos anos 1880 é uma marca na história nacional e os retratos representam alguns dos principais dirigentes políticos e intelectuais que tomaram parte nas manifestações dessa época). Em terceiro lugar, o percurso de Columbano passa por trazer novidades para o panorama português, após passagens pela cultura e arte de Paris, então a capital do mundo: apesar de naturalista, há um ar fresco nos temas e no preenchimento dos espaços da tela.

Noto particularmente as cenas da burguesia, de que o quadro descrito acima é o expoente. A arte e a música eram expressões de riqueza intelectual, quando a burguesia controlava desde há muito o poder económico e político. Mas o quadro reflecte ainda o lado intimista de muita da produção de Columbano: as histórias individuais, aqui dentro da família, são resultado de interacções estabelecidas entre aqueles e esta. A natureza pintada não era tanto a natureza de lá fora, mas a vivida no interior do lar, do conforto e da alegria dos pequenos gestos em casa.

Exposição de Columbano Bordalo Pinheiro patente no Museu do Chiado, organizada por Pedro Lapa, director do próprio museu.

PINTURA E ESCULTURA MEDIEVAL DE VARSÓVIA

NO MUSEU NACIONAL DE ARTE ANTIGA (JANELAS VERDES)

O Brilho das Imagens. Pintura e Escultura do Museu Nacional de Varsóvia (séculos XII-XVI), patente no MNAA (Museu Nacional de Arte Antiga), de 1 de Março a 17 de Junho, será certamente mais uma exposição de grande interesse, procura e sucesso.


Da informação que acompanha a divulgação da exposição, destaco o seguinte:

  • Os retábulos de altar e as imagens devocionais (pinturas, esculturas e relevos) que esta exposição apresenta foram seleccionados da colecção de arte medieval do Museu Nacional de Varsóvia.

    A selecção de peças é bem demonstrativa da evolução das principais expressões criativas e das declinações formais da arte gótica num vasto espaço territorial centro-europeu, surpreendendo não só pela escala e magnificência visual de muitas das imagens, como também pela complexidade dos seus referentes plásticos face a modelos e centros polarizadores (Itália e Flandres) da arte ocidental europeia durante a Baixa Idade Média.

SONIA DELAUNAY (1885-1979)

Afinal, a exposição a que eu me referia ontem foi mais recente do que imaginava. Depois de procurar os meus catálogos, descobri o dessa exposição, que decorreu no Museu Soares dos Reis (Porto), entre 13 de Dezembro de 2001 e 24 de Fevereiro de 2002, com o título Sonia Delaunay – Tecidos simultâneos.

Sonia Delaunay.JPGDo texto assinado pela comissária da exposição, Petra Timmer, retiro o seguinte extracto: “No Verão de 1915, um jovem casal de Paris, Sonia e Robert Delaunay, chegou a Portugal. Estabeleceram-se na povoação costeira de Vila do Conde, uma aldeia de pescadores a cerca de vinte quilómetros do Porto. Os Delaunay faziam parte do movimento de vanguarda francês e, em Portugal, entraram em contacto com artistas portugueses que estavam muito interessados nas ideias modernistas internacionais.

“No total, os Delaunay ficaram em Portugal um ano e meio, enquanto a Primeira Guerra arrasava a Europa. Os anos restantes passaram-nos em Espanha. No entanto, o tempo que passou em Portugal foi o período mais feliz da sua vida, como Sonia, mais velha, recorda nas suas memórias. Portugal inspirou-a – a luz atlântica, as cores intensas, e a simples e encantadora vida rural. Toda a sua vida associou Portugal ao sol, à luz e à liberdade”.

A fixação do casal Delaunay devera-se ao pintor Eduardo Viana, e também às indicações de Amadeu de Souza-Cardoso. E, como o mesmo catálogo refere, em artigo de Raquel Henriques da Silva, Sonia adaptou a estética do simultaneismo – elaborada pelo marido Robert por volta de 1910 – a objectos têxteis: bordados, capas de livros, almofadas, vestidos e outros adereços. Nascida e educada na Rússia, aprendera a não considerar incompatíveis as práticas femininas com a pintura. Após o regresso definitivo a Paris, em 1922, ela apresentaria os célebres “robes poèmes” e lança-se na produção de tecidos para uma empresa têxtil de Lyon, enquanto uma boutique parisiense, Simultanée, se torna a imagem de marca do estilo de Sonia.