Na conversa sobre pintura com Rui Sanches, a propósito da exposição Suite Alentejana, hoje às 17:00, João Pinharanda e João Queiroz falaram sobre as obras expostas na Fundação Portuguesa das Comunicações.

No vídeo abaixo, incluo a primeira parte da intervenção de João Pinharanda, que falou nomeadamente da estranheza da obra exposta e da relação com o desenho e a escultura. O crítico de arte e autor do catálogo sobre a exposição destacou bastante a importância do espaço nas obras expostas. Nas paisagens presentes não existe uma linha de horizonte, mas signos, como bandeiras ou pontos, em que o vertical assume particular relevo. Por seu lado, João Queiroz, evidenciou a negociação entre formas ou entes coloridos (linhas, pontos, cores). Na sua linguagem mais filosófica (que juntou à de historiador em Pinharanda), ele vê conjuntos de elementos muito diferenciados que lutam nas obras mas conseguem um acordo entre si.

O título da exposição deve-se à admiração que o escultor/pintor tem pela obra de Luís de Freitas Branco, em especial a 1ª Suite Alentejana. No conjunto de interações com a vasta audiência, foi salientado o facto de Rui Sanches não se sentir pressionado pelo mercado, dando lugar à experimentação permanente e à liberdade de não passar a vida a reproduzir as suas formas e conteúdos em obras sucessivas.

A partir de hoje, nas Oficinas de Formação e Animação Cultural de Aljustrel, Hélio Cunha expõe pintura e desenho.

Hélio Cunha nasceu na Penha de França em Lisboa. Em 1978, viveu em Inglaterra onde iniciou estudos e experiências no domínio das Artes Plásticas. No final dessa década, frequentou o ateliê do escultor Domingos Soares Branco nos Coruchéus. A partir de 1982, realizou 40 exposições individuais e participou em mais de 150 coletivas. Em quatro diferentes ocasiões, obteve dois primeiros, um segundo e um terceiro prémios de pintura Portugal Telecom. Menção honrosa em pintura no concurso Mergulhe na Expo 98. Prémio MAC 2015 em pintura. Foi membro do júri de selecção do Prémio de Pintura e Escultura Artur Bual ( 2006). Um filme sobre a sua obra, realizado por Álvaro Queirós, figura nos arquivos do ANIM, Cinemateca Portuguesa.

Quando Bonnard, Kandinsky e Munch se encontram na mesma cidade há uma grande festa. Bonnard luminoso, Munch melancólico e obsessivo e Kandinsky inventor de formas abstratas – alegram o coração.

Pierre Bonnard (Fundación Mapfre) começou por estudar direito ao mesmo tempo que frequentava pintura na Académie Julian, onde conheceu outros membros do que se chamou mais tarde os nabis (profetas). O grupo seguia Gauguin e queria obter uma verdade que transcendesse a realidade através da exaltação da cor. Bonnard afastou-se das correntes modernistas e criou o seu estilo próprio, dentro de uma estética decorativa. Estranheza, melancolia, sonho – são alguns dos atributos. A sua mulher Marthe de Méligny, que serviu de modelo, teve problemas de saúde, com o pintor a retratar estados neuróticos. Ele pintou nus com outros modelos, Trabalhou paisagens mas concentrou-se muito em cenas íntimas de interior, como à volta da mesa, experimentação de cores (branco, amarelo), parecendo iluminadas por detrás, algumas delas sem profundidade, com as paredes revestidas de papel de parede, cujos temas se confundem com as personagens representadas. Mas também pintou telas gigantes de encomenda (para mim, de impacto estético menor). Bonnard viveu entre a Normandia e a Cote d’Azur, com iluminações diferentes, o que se reflete no seu trabalho. Dos quadros expostos, saliento um em que ele mostra o escritório dos comerciantes da sua obra. Há uma paisagem junto à costa, com cores muito experimentais. No seu percurso, há um momento de inspiração baseado na cultura japonesa. A reflexão do fim da vida nos autorretratos, caso do boxeur, quadros de crueza perante a morte.

Edvard Munch. Arquetipos (Museo Thyssen-Bornemisza). Muitas das obras provêm do museu de Oslo. Os temas são estados anímicos (melancolia, paixão, submissão) e obsessões existenciais (amor e ódio, desejo, ansiedade e morte). No primeiro tema, talvez o que mais me tenha chamado a atenção. As mulheres do campo mas junto à costa olham desencantadas ou sem esperança, repetindo formas em gerações diferentes. Mãe e filha têm a mesma postura de corpo, já conformadas com o destino, a pobreza e as condições duras da vida. Há cenas de uma povoação interior, com a sua pobreza e finitude de valores. Não sei se há alguma solidariedade entre as personagens. Munch retoma temas trabalhados quase trinta anos depois, como a doença da menina, experimentando ainda diversos materiais: folha de cobre (para impressão), litografia, tela com óleo. As salas do amor e do ódio são as mais significativas dos trabalhos presentes. A um conjunto pequeno de peças que representam o beijo (a lembrar também Klimt), no resto do tema o homem é apresentado como o sexo fraco. A mulher aparece como o vampiro, que morde e assassina o homem. Vê-se isso em cenas em que a mulher, de pé, contempla o cadáver do homem deitado na cama. Já nos quadros iniciais da povoação rural, as formas que se tornariam célebres em O Grito aparecem ali, uma espécie de grafia repetida ao longo da sua carreira. De O Grito, há uma pequena obra, um esboço do que se tornaria a mais emblemática obra do autor.

Kandinsky (CentroCentro Cibeles). A amostra não é significativa da evolução estética do autor, embora a sua divisão em quatro capítulos, de estudante de direito e economia a pintor nos dê instruções de percurso. Ela centra-se na fase geométrica, das linhas e dos círculos, da régua, esquadro e compasso, nomeadamente obras feitas no tempo da Bauhaus, para onde foi a convite de Gropius. Poucas obras da sua fase inicial figurativa e poucas obras fundamentais da abstração e da escolha de cores que o tornaram grande pintor (que se pôde ver poucos anos atrás no Centre Pompidou). Não há, portanto, uma linha biográfica muito forte mas uma aposta num determinado tempo ou esquema estético, sem permitir o conhecimento da sua evolução como artista, as ligações com outros pintores e com a sua mulher que o ajudou num tempo determinado, a relação dos materiais com a maior ou menor possibilidade financeira (Kandinsky, na fase do regresso à Rússia revolucionária, não tinha dinheiro para comprar telas, pelo que se ficou no papel, o que implica outras técnicas pictóricas). Vislumbra-se de longe a sua passagem por Paris ou pela Alemanha.

São quatro gerações da mesma família em exposição: Menez (1926-1995), Ruy Leitão (1949-1976), Joana Leitão Salvador e Madalena Leitão (desta não tenho imagem). Em exposição no Centro de Arte Manuel de Brito (Palácio Anjos, Algés).

Eu classificaria a sua pintura como luminosa. Jaime Isidoro (1924-2009) foi galerista (Galeria Alvarez), editor e pintor. Vila Nova de Cerveira entrou no circuito da arte devido a uma intensa atividade sua. Pintor do Porto, a sua importância regional e nacional é significativa. Moderno, chamou-lhe Bernardo Pinto de Almeida, no catálogo da exposição patente na Câmara Municipal de Matosinhos, ido das academias locais para Paris, que o marcou muito. O mesmo crítico chama a atenção para a necessidade de estudar o vasto espólio legado pelo artista – cartas, catálogos, documentos, edições raras de livros – bem como a sua obra. Esta passou da figuração ao abstrato e voltou à figuração e reencontrou o abstrato. Influências nele tiveram Dominguez Alvarez e António Cruz. As feiras, o rio Douro, as paisagens urbanas geométricas enchem de vida as suas telas.

Até 7 de outubro, Manuel Baptista (1936-) expõe no palácio Anjos, em Algés. Professor na Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa (1964-1972), bolseiro da Gulbenkian (1962-1963) em Paris e do Instituto de Alta Cultura (1968) em Ravena, Manuel Baptista pratica a colagem como prática sistemática. Ele estiliza, corta e cola imagens em telas de formatos pouco convencionais, tais como triângulos, pentágonos, em forma de leque, seguindo uma tradição encontrada no cubismo, surrealismo e pop arte, por exemplo. Desde a década de 1960, a obra do pintor ganhou grande visibilidade dentro e fora do país, caso da Bienal de S. Paulo (1973). Recentemente, a Fundação EDP organizou uma sua exposição. Da presente exposição, fazem parte quadros da coleção Manuel Brito e da coleção do próprio autor (notas a partir do texto do catálogo, escrito por Maria Arlete Alves da Silva).

Um dia sonhei com a pintura de Marc Chagall, Window on the île de Bréhat (1924), existente no Kunsthaus Zürich, museu que não conheço. Isto é, o modo como vemos uma paisagem que combina a cidade com o campo, o mar e a natureza, a partir de um ponto fixo como uma gruta. Lembro-me do colorido do sonho, que me deixou a pensar como seria fantástico esse mundo.

Vitebsk, a cidade russa de Chagall tinha uma forte comunidade judaica no tempo em que ele nasceu, cidade que preservava uma forte tradição que constituia o suporte da sua identidade. Ritos e costumes ofereciam uma forte resistência à inovação. Na pintura de Chagall, a cidade em perspetiva ou em planos inclinados pode indicar como isso teve significado, porque mostra o antagonismo provocado na estética de rutura do artista. Elementos como animais quase antropomórficos (galo, cabra, burro), violinos ou violoncelos e a ocupação da tela como se fosse uma pintura medieval que conta uma história em vários espaços (e que a banda desenhada e a manga japonesa disputam em certa medida) ampliam mais essa luta do novo contra o velho, que acompanham uma produção de quase oitenta anos. A cor (verdes, azuis, vermelhos), o sagrado (Bíblia), os contos e as fábulas (La Fontaine), numa combinação pitoresca mas satírica, atraem-me. E igualmente as incursões no cubismo e no surrealismo, que libertam ainda mais o lado onírico, de que o circo é uma fantasia libertadora. E ainda as ilustrações para livros. A guerra e o êxodo aparecem muito representados, com o seu lençol de mortes, destruição, mágoa e cores fortes.

Gosto menos das suas incursões na cerâmica, escultura e artes do vidro, mas isto tem a ver com a minha forma de olhar o mundo.

Rússia e França, as pátrias de Chagall, agora numa exposição temporária no Thyssen-Bornemisza e Caja de Madrid.

O blogue não é um obituário, mas fica-se a pensar nos valores individuais quando alguém desaparece. No fim de semana, veio a notícia da morte de Fernando Lanhas. Agora, leio sobre o falecimento do catalão António Tapiès, igualmente representante europeu da arte abstrata do pós-guerra. Nessa notícia, obtenho a informação que Tàpies fez a primeira exposição individual em Paris, em 1956 (Público). Logo depois, em 1960, participou numa mostra da nova pintura e escultura espanhola no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque e no Museu Guggenheim (Nova Iorque). Destacou-se por utilizar novas técnicas de desenho, litografia e colagem sobre suportes plásticos e por esculturas em cimento, bronze e cerâmica, materiais combinados com objetos de uso quotidiano. Tinha 88 anos de idade. A sua casa em Barcelona merece uma visita, a começar pela biblioteca.

Obras de Joaquim Bravo, Fernando Calhau, José Pedro Croft, Álvaro Lapa e Joel Shapiro, de 4 de fevereiro até 18 de março de 2012, na Casa-Museu Abel Salazar (São Mamede de Infesta, Maia).

Inaugura em 3 de Dezembro na Livraria Leya na Barata, com a participação da Microarte Galeria, na Avenida de Roma, 11, aqui em Lisboa. Apresentam-se obras inéditas de Artur Cruzeiro Seixas, Mário Cesariny, António Maria Lisboa e Mário Henrique Leiria. Incluem-se trabalhos de Luiz Morgadinho,  Mena Brito, Pedro Palrão e Raul Perez. Na amostra será apresentado pela primeira vez ao público um cadavre-exquis realizado por António Maria Lisboa e Mário Henrique Leiria, datado de 1949, ano em que se formou o movimento surrealista em Portugal. Será também exibida uma carta-desenho de Cruzeiro Seixas para Mário Cesariny, de 1973, que relata de forma peculiar um périplo pelo norte de Portugal.

A exposição patente na Fundação Calouste Gulbenkian, A perspectiva das coisas. A natureza-morta na Europa. Séculos XIX-XX (1840-1955), é poética e luminosa. Creio que tenho de voltar a visitá-la, para apreender melhor o modo como, em dois séculos, os pintores europeus retrataram o que se convencionou chamar naturezas-mortas, de frutos a pequenos instrumentos e peças e até animais de caça.

O ponto de partida é o quadro de Paul Cézanne, Natureza-morta com pote de gengibre e beringelas (1893-1894), ou seja, a reinvenção da forma levada a cabo por aquele pintor francês. Sobre a obra, escreve Neil Cox no catálogo (desdobrável) da exposição: “O principal desafio que a arte da maturidade de Cézanne nos coloca é que façamos uma avaliação do que é coexistir com um mundo de coisas em nosso redor e de como percepcionamos e pensamos a realidade que se apresenta perante nós”.

Já no final da sua vida, a obra de Cézanne foi uma referência para os pintores mais novos, que, chegados à passagem do século XIX para o XX, começaram a experimentar novas estéticas. Retiro os subtítulos do texto de Cox: reflexões sobre a presença, negociar a tradição: dádivas da Natureza e artifícios, jogos de relações: a natureza-morta enquanto forma, estrutura e espaço, exílios e outros: política, primitivismo e o eu interior, a essência das coisas: materialidade e imaterialidade, a vida moderna: máquinas e produção em massa, modernismos: identidades nacionais e a atracção de Paris, as próprias coisas: o choque da fotografia, a crise do objecto: sonhos e pesadelos, da cena da caça ao horror, da perspectiva das coisas. Manet, Monet, Renoir, Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Braque, Picasso, Juan Gris, Dalí, Magritte, Matisse, Ozenfant, Vieira da Silva, Courbet, Nicholson e outros enchem uma galeria cheia de cores e referências culturais europeias. Na minha retina, para além das outras todas, ficaram as obras expostas de Giorgio Morandi e de William Nicholson.

A exposição pode ser vista até 8 de Janeiro de 2012. Preço de entrada: cinco euros. Há visitas guiadas com marcação prévia, um ciclo de conferências e concertos. Ler em www.gulbenkian.pt.