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ANA PIMENTEL EXPÕE EM AMARANTE

Com o título Amar-te a vida inteira, Ana Pimentel inaugurou ontem uma exposição no museu municipal Amadeu Souza-Cardoso, em Amarante, e que pode ser vista naquele espaço até 31 de Outubro de 2010.

Pinturas, colagens, instalação, os trabalhos de Ana Pimentel representam o colorido e a alegria de viver, com figuras geométricas dentro de uma artesanalidade acentuada (materiais prontos a ser reutilizados com uma activa componente estética e lúdica), e que se reclamam da herança da cultura tradicional portuguesa, como o folclore, o bordado, o ferro forjado, o azulejo. Como disse o professor António Cardoso, director do museu e que fez a apresentação, a obra da pintora liga e religa, usa os espelhos como lagos de jardim ou reflexos de alma, um décor de fingimentos e memórias, uma permanente relação entre a natureza e o artifício.

PINTURA DE GRAÇA MORAIS

Graça Morais nasceu em Vieiro, Trás-os-Montes, em 1948. A sua pintura e a sua obra plástica transportam sempre o sentido da natureza, nas paisagens, nas cenas de representação humana, nos cenários com animais, na diferenciação do sagrado e do profano. Telas, carvão e pastel sobre papel, colagens e grafite, acrílico, aguarela, tinta da china e outros materiais num conjunto interessante de obras estão patentes no Centro de Arte Manuel de Brito, em Algés (Palácio dos Anjos).

Destaco dois conjuntos: os grafites sobre papel, de um erotismo suave, as pinturas feitas em Cabo Verde, onde a artista se interrogou sobre se teria nascido ali. Mitos do inconsciente, metamorfoses, o tempo do rosto, o corpo e outros temas – eis as pistas dadas pelo texto do catálogo, assinado por Miguel Matos. Realce ainda para os catálogos e livros sobre a artista, produzidos ao longo da sua carreira, e o vídeo feito pela filha.

GRAÇA MORAIS E POR PARIS

De 29 de Maio a 19 de Setembro, das 11:30 às 18:00, no CAMB (Centro de Arte Manuel de Brito), em  Algés, de terça-feira a domingo (última sexta de cada mês, das 11:30 às 24:00).

A primeira exposição é de Graça Morais, onde se podem ver obras referenciais do percurso de uma das artistas mais representativas da Colecção de Arte Manuel de Brito e da história da arte portuguesa. A segunda exposição, Por Paris, apresenta obras de artistas da modernidade portuguesa como Vieira da Silva, Júlio Pomar, René Bértholo, Lourdes Castro, Pedro Escada, entre outros, num diálogo com nomes internacionais como Sónia Delaunay, Arpad Szenes, Arman, Christo, Ian Voss, Niki de Saint Phalle e Vasarely [ver mais em http://camb.cm-oeiras.pt/].

MILLY POSSOZ

Milly (Emília) Possoz (1888-1968) integrou o primeiro modernismo português e é autora de uma vasta obra de ilustração, desenho, gravura e pintura. Nas décadas de 1920 e 1930, dedicou-se nomeadamente à ilustração na imprensa e participou em salões independentes e nas exposições da SNBA (Sociedade Nacional de Belas Artes). De ascendência belga, fez parte da sua formação artística em Paris, Bruxelas e Düsseldorf. A sua obra, agora patente na Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva, mostra uma artista de grande sensibilidade e fineza nos seus traços, quando observa momentos populares ou urbanos. Parte significativa da sua obra pertence à Gulbenkian e ao grupo hoteleiro Tivoli. A feliz imagem do cartaz reproduz uma fotografia com a artista em Paris em 1924, acompanhada do seu gato Fuji. Quando andei na escola primária, não imaginei que as ilustrações dela estivessem num livro que acompanhei durante o ano inteiro, o livro da segunda classe.

VAN GOGH

A exposição The Real Van Gogh: The Artist And His Letters estará patente na Royal Academy of Arts, Burlington House, Mayfair, Londres (W1J 0BD), de 23 de Janeiro a 18 de Abril. Além de 35 cartas originais, raramente expostas devido à sua fragilidade, poder-se-ão ver 65 pinturas e 30 desenhos. Mais informação aqui.

RODCHENKO & POPOVA

Aleksandr Rodchenko [Александр Родченко] e Liubov Popova [Любо́вь Попо́ва] foram as personagens mais influentes na exploração do construtivismo, através da linguagem da abstracção geométrica. Precedida pela ruptura do suprematismo de Malevich e acrescida pelos ideais trazidos pela revolução de 1917, a geração de Rodchenko e Popova traz para a arte a vanguarda militante, a que mistura um corte radical com a arte considerada burguesa, a da representação pictórica da realidade, com um modelo inspirado na arquitectura, na colagem, na indústria e nas máquinas, pressupõe também a substituição do modelo expositivo em que o museu é um espaço de conteúdo (Borja-Villel, catálogo da exposição).

O construtivismo, iniciado com a exposição 5×5=25 e a participação no pavilhão russo da Exposition des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Paris, 1925), é ainda definido como o fluxo das coisas na sua permanência, a relação entre a obra e o contexto espacial e entre o espectador e o texto. A nova ideologia estética junta outros artistas, como Varvara Stepanova [Варвара Степанова], mulher de Rodchenko, Varvara Bubnova, Nadezhda Udaltsova [Надежда Удальцова] e Alexandra Exter [Александра Экстер].

No catálogo da exposição, escreve Margarita Tupitsyn que os construtivistas convenceram-se que as formas não objectivas desempenhariam um papel chave na transformação da sociedade após Outubro de 1917. Rodchenko e Popova nomearam o construtivismo como a arte de produção, juntando collages abstractas e bordados de camponesas (em Popova), e ainda mobiliário, decoração, murais, desenhos, desenho gráfico, fotografia, cartazes, símbolos políticos, capas de revistas, cenários de teatro, cinema. Em 1918, fundava-se a Oficina dos Museus, dirigida por Rodchenko, artista bem engajado no compromisso comunista, e que começou a comprar e distribuir obras vanguardistas pelos museus regionais, traduzindo-se em dinheiro para os artistas envolvidos na sua produção. O conceito de pintor como artista isolado não fazia parte do novo ideário. Em finais de 1918, a obra de Malevitch, Quadrado negro, fez rebentar forte polémica, o que levou Rodchenko e os colegas à ruptura com o suprematismo e à apologia do construtivismo. A primeira exposição inaugurava-se na Primavera de 1919, ano de aproximação de Rodchenko e Stepanova a Kandinsky, em casa de quem viveram durante algum tempo, temperando as suas obras com o expressionismo deste. Já em 1921, o grupo dos construtivistas rebelava-se contra Kandisnky e a sua psicologia da percepção. 1921 foi ainda o ano de aproximação do grupo ao cineasta Dziga Vertov, com o seu noticiário Kino-Pravda (Cinema Verdade).

Christina Kiaer, no mesmo catálogo da exposição, prefere destacar a questão do género, realçando o facto de Popova ser mulher. Muito antes das lutas do feminismo na década de 1970, Liubov Popova representa um papel importante, dada a pequena quantidade de mulheres influentes nas vanguardas estéticas da Rússia soviética nas primeiras décadas do século XX. Contudo, Kiaer compara as inúmeras manifestações e exposições dedicadas a Rodchenko face a Popova para notar a assimetria entre os dois. Depois, Popova morreu cedo (e o seu filho também teve uma existência de apenas quatro anos e meio). Vestuário e desenhos de moda, cartazes e cenários para o teatro são algumas das áreas em que Popova se destacou mais.

Rodchenko e o seu construtivismo seriam marginalizados quando o realismo socialista de Estaline irrompeu e se tornou a arte oficial do regime.

A exposição patente no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) tem a colaboração da Tate Modern (Londres) e de inúmeros museus que acederam a mostar obras das suas colecções.

AS LÁGRIMAS DE EROS

Se é certo que “diabólico” significa essencialmente a coincidência da morte e do erotismo, se o diabo não é ao fim e ao cabo senão a nossa própria loucura se choramos, se profundos soluços se nos desprendem – ou bem se nos domina um riso nervoso – não podemos deixar de perceber, vinculada ao nascente erotismo, a preocupação, a obsessão da morte (da morte num sentido trágico, ainda que no fim de contas, risível) [George Bataille (2007; original de 1961). Las lágrimas de Eros. Barcelona, Tusquets Editores, p. 41].

Narra J. M. Lo Duca, responsável pela escolha da iconografia, a história do livro de Bataille: “Durante dois anos, de Julho de 1959 a Abril de 1961, Bataille elabora o plano da obra, que adopta cada vez mais o cariz de uma conclusão de todos os temas que lhe foram caros. Sem dúvida, a redacção foi elaborada com muita lentidão, e As lágimas de Eros sofria constantes atrasos por causa dos acontecimentos” (p. 10). Esclarece-nos a introdução do próprio autor: “O sentido do livro é, como primeiro passo, o do abrir a consciência à identidade da «pequena morte» e da morte definitiva: da voluptuosidade e do delírio ao horror sem limites” (p. 37).

A exposição no museu Thyssen-Bornemisza e Fundación Caja Madrid tem o livro de Bataille como assunto, onde ele discute o tema clássico da relação entre Eros e Thanatos, entre a conduta sexual e o instinto da morte, no sentido do experienciar o sagrado, em que o erotismo é objecto tabu, proibição que ilumina o proibido (visita virtual aqui). Vénus, Uranus e Cronus, Adão, esfinges, sereias e serpentes, as tentações de Santo António e o martírio de São Sebastião e Andrómeda, Jacinto, Cleópatra e Ofélia, Maria Madalena e São João Baptista, lidos e interpretados na pintura europeia ao longo dos séculos. William-Adolphe Bouguereau (Banhista, 1870), John Currin, Honeymoon Nude, 1998), James White (Sem Título, 2004 ), Henri Rousseau (A encantadora de serpentes, 1907), Camille Corot (A fonte, 1869-1870), Gustave Courbet (Mulher nas ondas, 1868), Gustave Doré (Andrómeda, 1869), Franz von Stuck (Judite e Holofernes, 1927) e Man Ray (Lágrimas de vidro, 1933) contam-se entre as muito belas imagens expostas.

RELVAS, LUMIÈRE E VON STUCK

O chalet de Carlos Relvas e o seu espólio pessoal (livros, máquinas fotográficas, mobiliário, laboratório) lembram-me outras duas casas, de outros visionários, a dos irmãos Lumière em Lyon (cinema) e de Franz von Stuck em Munique (pintura).

O museu dos Lumière (ver o texto que aqui escrevi sob a designação Lumière) abriu em 2003, em Lyon (França), ocupando a casa onde os irmãos inventaram o cinematógrafo. Filhos de um fotógrafo muito conhecido em Lyon, eles próprios tornados fotógrafos, evoluiram para o mais novo medium de então, o cinema. Estávamos em Março de 1895.

Por seu lado, o pintor Franz von Stuck (1863-1928), impulsionador do Jugendstil, a arte nova de Munique, tornou a sua casa uma autêntica obra de arte (ver meu comentário no blogue, em Villa Stuck).Tectos, paredes e o quadro Die Sünde são dos espaços mais fantásticos que vi.


Em todas estas casas, nota-se a invenção e criatividade, a ousadia e o excentrismo das actividades dos seus autores à época, apoiados em fortunas sólidas e em espírito aventureiro. Mas acabam aqui as semelhanças. A casa dos Lumière tem muito equipamento cinematográfico da época, o espólio de Relvas é menor. Os Lumière foram profissionais, fizeram filmes que circularam no mundo, arriscando mas ganhando muito dinheiro. Relvas ter-se-ia mostrado satisfeito pelo reconhecimento internacional pelos prémios e pelas medalhas em concursos de fotografia, dado o modo que o levou a imprimir em alto relevo na parede de entrada a reprodução dessas medalhas, além do seu lado científico e benemérito, ao desenhar um bote salvador no rio Douro.

Desconheço as políticas de aquisição de bens, mas não me parece absurdo que o museu de Lyon compre equipamentos da época de modo a ter uma colecção muito vasta. Depois, as casas-museu de Lumière e de von Stuck ficam em cidades ricas de dois dos mais ricos países da Europa, em quarteirões associados à burguesia dessas cidades, com árvores e ruas limpas, afastadas dos núcleos históricos sobrepovoados e barulhentos. Arredada do olhar crítico mas cosmopolita das elites urbanas desses países, a casa de Relvas ficava na grande propriedade rural, então como ainda hoje numa planície agrícola muito fértil junto à antiga estrada real de Lisboa ao Porto. Os Lumière e von Stuck teriam visitantes vizinhos apreciadores da sua arte, numa circulação permanente de novas ideias, Relvas saía da Golegã em busca do contacto intelectual internacional, de modo a manter-se actualizado.

EXPOSIÇÃO – II

Na Gulbenkian, está patente uma retrospectiva do pintor Henri Fantin-Latour (1836-1904). Tendo estudado na École des Beaux-Arts (Paris), ele é muito conhecido pelas cópias que fez de obras existentes no Louvre, pelos seus auto-retratos quando jovem, pelas naturezas mortas, pinturas de flores, retratos de grupos de artistas e escritores parisienses e quadros com temas baseados em peças musicais, além de litografias. Fantin-Latour tornou-se conhecido e apreciado em Inglaterra através de Whistler.

Pode visitar-se a exposição até 6 de Setembro. Preço de entrada: € 4.

[imagem da pintura A Leitura, da colecção da própria Gulbenkian, onde o autor representa as suas duas irmãs, óleo sobre tela, de 1870, retirada do sítio da Gulbenkian]

FUTURISMO

Foi há cem anos que começou o futurismo, com Filippo Tommaso Marinetti a escrever o seu manifesto (Paris, 20 de Fevereiro de 1909), rapidamente reconhecido e admirado em toda a Europa. Marinetti e os seus colegas artistas (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini) geraram um forte movimento que se pode acompanhar até 1915, no início da Primeira Guerra Mundial. 1912 foi um ano chave e aí se vê o cruzamento de correntes, vindas do divisionismo italiano do século XIX, do cubismo, do movimento anarquista, do simbolismo, do cubo-futurismo russo, do vorticismo inglês, ligando ainda teatro, cinema, escultura e política.

No futurismo, os seus autores inspiraram-se em Bergson, cujo argumento se poderia sintetizar em consciência em fluxo criando uma simultaneidade de experiência. Os futuristas elogiam a luz eléctrica nas ruas das cidades, mas também os comboios rápidos e os fios do telégrafo enquanto exaltação do futuro. Os futuristas viam na comunicação os elementos fundamentais para a sua arte de vanguarda. Aliás, Marcel Duchamp, entre outros, partilhava com os futuristas o gosto e admiração pelas máquinas. Na exposição de 1912, os pintores do movimento escreveram no catálogo sobre a deslocação e o desmembramento dos objectos, o derrame e a fusão de detalhes livres da lógica dominante, independentes de outros.

Em Luigi Russolo (La Rivolta, 1911; imagem retirada do sítio Mart e figura central do cartaz da exposição na Tate Modern, em Londres), a multidão é apresentada como massa anónima, sem distinção de qualidades e qualquer contexto social ou político. Mas, apesar desta obra, a política exerceu fascínio sobre o movimento, nomeadamente a sua atracção pela guerra (a guerra representa purga e limpeza dos males), a misoginia e a trágica transformação de ideais anarquistas no fascismo.


A exposição, muito bem organizada e com um bom catálogo, resulta de uma concepção do Centre Pompidou (Paris), da Scuderie del Quirinale (Roma) e da Tate Modern (Londres), tendo já estado nas duas primeiras cidades.

DE COROT A MONET


A exposição Corot to Monet, na National Gallery (Londres), mostra quanto os impressionistas devem à tradição de pintar ao ar livre. A colecção de paisagens francesas da National Gallery abrange o período do naturalismo do começo do século XIX até às críticas ao impressionismo, com pinturas de Jean-Bapiste-Camille Corot, Simon Denis e Pierre Henri Valenciennes, pintores que estiveram em Roma e representaram paisagens em Campagna. A exposição mostra também obras da chamada Escola de Barbizon e pintores como Théodore Rousseau, Jean François Millet e Narcisse-Virgilio Diaz de la Peña.

Do meu ponto de vista, não é uma exposição grandiosa, dada a dimensão dos quadros (composições pequenas, raramente expostas, e que poderiam servir de modelo a obras maiores, ensaios ao ar livre em Itália, na floresta, junto à natureza). Também as salas não ajudam nem o catálogo. A meu ver, o vídeo que traça a história desse período é um elemento suplementar de elevado valor.

Mais informações no sítio da National Gallery.

JÚLIO POMAR EM ALGÉS

Inaugurou no dia 2 deste mês, no Palácio Anjos, em Algés, uma sua exposição. Vale a pena visitá-la.


No desdobrável que acompanha a exposição, Maria Arlete Alves da Silva escreve que o pintor e Manuel Brito, o coleccionador das obras patentes no Palácio, estabeleceram uma longa amizade de 40 anos. Apresenta-se obras indo de 1943 a 2003.

Para mais informações, ver o programa da RTP2 Câmara Clara e consultar o sítio do CAMB (Centro de Arte Manuel de Brito).

A PINTURA DE ISABEL BOTELHO

  • “Isabel Botelho jamais se desvia do naturalismo. Começa por mostrar as coisas tal como elas são na realidade, a grandiosa composição da barra do Tejo, os navios que procuram o porto de Lisboa, a belíssima ponte sobre o rio. A pintora tenta observar e sobretudo mostrar os objectos do nosso quotidiano através de um novo olhar, de uma perspectiva diferente, por vezes quase insólita como sucede no caso das árvores gémeas, que se organizam no espaço de uma forma muito pouco usual” (Paulo Morais-Alexandre).

Exposição Assim no Céu como na Terra, de 22 de Maio a 16 de Junho (excepto às segundas-feiras), das 13:00 às 18:00, na Galeria Municipal Palácio Ribamar, Alameda Hermano Patrone, Algés.

ANDY WARHOL


O mundo da pintura de Andy Warhol (1928-1987) não é apenas o da pop art, não se reduz ao espírito optimista do american way of life, em que se revelam os ícones da Coca-Cola, das latas Campbell, Marilyn Monroe, Elvis Presley ou Elizabeth Taylor. É também a da cadeira eléctrica, dos acidentes de viação, das séires Death and Disasters (Warhol, Miroir du Grand Monde, catálogo pequeno da exposição, p. 6).

Após ter concluído a licenciatura em design em Pittsburgh, mudou-se para Nova Iorque e começou a trabalhar como ilustrador de revistas como Vogue, Harper’s Bazaar e The New Yorker. Fazia ainda anúncios publicitários e montras de lojas. Warhol ia frequentemente ao cinema, gostando em especial de Shirley Temple e de Judy Garland. Imortalizou esta, mais a filha Liza Minnelli, nas suas pinturas. Muitas outras estrelas de cinema, assim como empresários e outras celebridades, procuraram-no para serem pintados por ele. A imagem começava com uma sessão de fotografias, onde os modelos eram maquilhados, com eliminação de toda as imperfeições. Cada pintura custava 25 mil dólares, baixando para 15 mil caso houvesse uma segunda obra.

The Factory foi, a partir de 1962, escritório e fábrica, agência de publicidade e espaço de inspiração teatral, musical e plástica para Warhol. Lou Reed e John Cale cantaram a Factory em Songs for Drella (espécie de vida romanceada de Warhol e das suas relações interpessoais). Warhol está por detrás do êxito da banda The Velvet Underground e Nico (Christa Päffgen, 1938-1988; Nico é o anagrama de icon e foi-lhe dado Andy Warhol) e da capa do disco The Velvet Underground e Nico, transformado no álbum da banana. O motivo, verdadeira transfiguração do banal em obra de arte pop, alarga-se a uma audiência muito maior que a das serigrafias que o autor realizava (Warhol, Miroir du Grand Monde, catálogo pequeno da exposição, p. 24). Data dessa época a amizade com a banda inglesa The Rolling Stone e o seu vocalista Mick Jagger.

O fascínio do cinema em Warhol leva-o a comprar equipamentos fotográficos e cinematográficos. Em 1963, roda Sleep, captação silenciosa do sono do poeta John Giorno, facto escandaloso para a época. Em simultâneo, Warhol associou-se a músicos minimalistas como La Monte Young, Philip Glass e Steve Reich. Warhol desenvolveu uma incarnação plástica das estruturas minimalistas da música. Escândalo semelhante provocariam as suas pinturas Camp, auto-retratos drag em 1981, a partir de fotografias Polaroid.

Mas o que mais ficou da obra pop de Warhol foram os acrílicos sobre tela representando Marilyn Monroe, séries repetitivas da mesma imagem a que o pintor deu tonalidades e cores diferentes. Colocadas numa parede como aparece na presente exposição do Grand Palais em Paris adquirem uma ressonância de grande espectacularidade. Sim, Andy Warhol foi uma super-estrela do sistema das estrelas, uma celebridade no que fazia e no que dizia. Mas continua a inspirar toda a gente, como a capa do número de sexta-feira do caderno “Ípsilon” (jornal Público). Seria Elvis Presley (acrílico de 1963) um cowboy ridículo ou um ícone cheio de glamour?


E o que poderíamos dizer dos quadros de Ileana Sonnabend (1973), Sonia Rykiel (1986), Debbie Harry (cantora dos Blondie) (1980), Carolina Herrera (1979), Marella & Giovanni Agnelli (1972)?

VASSILY KANDINSKY


“As grandes pinturas que tomam gradualmente forma dentro do meu coração” são palavras de Vassily Kandinsky escritas numa carta à sua mulher Gabriele Münster em 1915 e que se referem aos trabalhos que planeava e expressam o seu pensamento íntimo face à pintura.

A exposição patente no Centre Pompidou (Paris) de 8 de Abril a 10 de Agosto resulta da apresentação de obras do pintor russo Vassily Kandinsky (1866-1944), pertencentes maioritariamente ao Centre Pompidou (Paris), ao Städtische Galerie im Lenbachhaus (Munique) e Solomon R. Guggenheim (Nova Iorque), num total de algumas centenas de pinturas de grande formato e que o pintor criou entre 1907 e 1942, complementadas com desenhos adquiridos recentemente pelo Musée National d’Art Moderne.

O centro da exposição é o ano de 1921, quando o pintor se exilou na Alemanha. Mas vêem-se igualmente obras iniciais, num estilo a que chamei de expressionismo icónico (influência da pintura de imagens em forma de ícones nas igrejas ortodoxas), pinturas feitas após a sua chegada a Munique em 1908, a Primeira Guerra Mundial, o regresso à Rússia revolucionária (onde tomou parte na intervenção de vanguarda do regime soviético), a sua chegada à escola da Bauhaus em Weimar (1922) e em Berlim (até ao encerramento em 1937), a sua residência em Paris. Do que vi, gostei particularmente das obras feitas no arco histórico de 1909 a 1913, onde há uma surpreendente viragem de estilo e que, a meu ver, tornam Kandinski um dos pintores mais importantes do século XX e fazem da exposição no Centre Pompidou uma das mais importantes a nível europeu este ano.

Kandinsky estudou direito e economia na Universidade de Moscovo, defendendo tese de doutoramento em 1895. No ano seguinte, com 30 anos, viajou para Munique para aprender pintura. Deixou a carreira académica e encontrou Gabriele Münster, com quem passou a viver. O casal viajou pela Europa, nomeadamente por Amsterdão, Viena e Roma. Também esteve na Tunísia. Em 1906, foi a vez de visitar Paris; longe dele estaria a ideia de ali morar e viver os anos finais da sua vida.

O período de 1896-1907 foi de incursões em “desenhos pintados” e pequenas paisagens resultado das viagens que fez. Em 1908, regressava a Munique, onde começou um período de grande intensidade – o período que acima assinalei como o que mais me impressionou. É o período do Blaue Reiter, com Franz Marc, onde abandona lentamente a figuração. A exposição mostra, sem dramatismo mas com uma enorme alegria, essa transição. Em 1911, surge a primeira pintura abstracta, Bild mit Kreis (Pintura com um Círculo), composição de massas coloridas de diferentes densidades. O começo da Guerra em 1914 levou Kandinsky a regressar à Rússia. A um período de euforia sucede um tempo de crise. Sem estúdio e materiais, ele volta-se para o desenho e a aguarela.

Após a Revolução de Outubro de 1917, Kandinsky pinta de novo. Em 1921, viaja para a Alemanha, com a sua terceira mulher, Nina, e aí permanece até 1933. Como escrevi acima, aceita colaborar com a Bauhaus de Walter Gropius, onde se deixa influenciar pelas inclinações racionalistas da escola e pelo trabalho de Paul Klee, que conhece e com quem partilha a ideia da arte aberta para o espiritual. A ascensão do nazismo leva-o, após indecisões, a rumar até Paris (Neully-sur-Seine). Esta mudança reveste-se de um novo período de desânimo: os nazis consideraram degenerada a sua arte. Os seus trabalhos foram retirados dos museus: Guggenheim negociaria a compra de vários destes trabalhos, transportados para Nova Iorque.

[texto a partir do desdobrável que acompanha a exposição, que, anteriormente, esteve patente em Munique. Após a saída de Paris, Kandinsky será mostrado em Nova Iorque, a partir de 18 de Setembro. O catálogo da exposição contém a reprodução das obras expostas e textos de, nomeadamente, Annegret Hoberg, Riccardo Marchi, Vivian Endicott Barnett, Angelika Wiessbach, Matthias Haldemann, Tracy Bashkoff e Christian Derouet]