Arquivo da categoria: Pintura

EDWARD HOPPER


Edward Hopper (1882-1967) estará em exposição no Art Institute of Chicago (EUA), de 16 de Fevereiro a 10 de Maio. É pena ficar tão longe!

Retiro da revista Magazine Artes deste mês:

  • Mestre do intimismo, pintor realista, a solidão e a introspecção são dados fundamentais da sua pintura, que ao mesmo tempo repercute em muito o ser e a essência do american life style.


[imagem retirada do sítio Art Institute of Chicago, óleo sobre tela Nighthawks, de 1942]

PINTURA EM RUI JORDÃO

Rui Manuel Jordão foi jogador de futebol, tendo passado pela selecção nacional e por clubes como o Benfica ou o Sporting. Era conhecido por Jordão – quem não se lembra da elegância dos seus passes? Agora, ele assume a faceta de artista plástico, expondo no Museu do Vinho Bairrada (Anadia) as suas “figuras com tinta”.

Nascido em Benguela (Angola), mas com nacionalidade portuguesa, da sua biografia fica a saber-se que concluiu, em 1970, os estudos na Escola Industrial e Comercial Venâncio Deslandes. Mais perto de nós, nos anos lectivos de 1997 a 2001, conclui Pintura e Desenho, Introdução à Historia da Arte, História da Arte do séc. XX, Temas de Estética e Teorias da Arte Contemporânea, na Sociedade Nacional de Belas-Artes, em Lisboa. Frequentou também o Curso de Modelagem, ministrado pelo escultor Sebastião Quintino, e o atelier livre de pintura, com o pintor Jaime Silva. É fundador do grupo Metamorfosis.

Para além da pintura de Rui Jordão, o museu apresenta mais duas exposições: “travo a barro e pedra”, esculturas de José Plácido, e pintura do mestre Cândido Teles (1939-1999), patentes até 9 de Março (os meus agradecimentos a Pedro Dias, da Direcção do Museu do Vinho Bairrada).

MARTA MOURA

Marta Moura expõe na Sala do Veado, no Museu Nacional de História Natural (Rua da Escola Politécnica, 58, em Lisboa), a partir do dia 6.


Escreve a autora (de que se vê um detalhe de O insustentável peso da imagem, acrílico sobre tela):

  • O advento da fotografia desencadeou uma das maiores revoluções na criação de imagens, dando origem à passagem do processo manual para o processo mecânico. As transformações da sua produção e reprodução, bem como as possibilidades no domínio digital, potenciaram uma aceleração gradual e uma massificação em níveis nunca antes alcançados. Devido à sua aparente proximidade com a realidade, a imagem fotográfica veio estabelecer uma ligação sedutora entre referente e observador. Esta relação, sustentadora de um ciclo vicioso, ininterrupto e exponencial na dependência do consumo e produção visual, promove e determina as relações das sociedades contemporâneas, conduzindo-as para uma cultura da imagem. Com o tempo, as fronteiras e limites entre verdade e ficção confundem-se. E, com a intensificação da potência da imagem e dos excessos da mediatização, surge também um efeito da banalização, precipitando a experiência humana para uma espécie de dormência do sentir e do pensar.

Para saber mais, procurar em Galeria Luís Serpa.

PINTURA


O QUE UNE AS EXPOSIÇÕES DE PAULA REGO, DÜRER + CRANACH E A PINTURA ESPANHOLA DO SÉCULO XIX, ACTUALMENTE EM DESTAQUE EM MADRID? O QUE AS SEPARA?

A pintura espanhola é incitada pelo tempo, pelo poder político, pela estética, a representar os momentos mais importantes da história do país, os seus momentos de glória. Diz o pequeno catálogo: “cuja qualidade formal [das 95 pinturas e 12 esculturas] é equiparável ao de outras destacadas escolas europeias do seu tempo”. Há uma relação directa com o Museu do Prado, fundado em 1819 e agora com uma ala nova, precisamente onde está patente a exposição desde a semana passada, com entrada gratuita nos primeiros dias.

Os pintores seguiram Goya (com três obras patentes), fonte inicial de inspiração, com enormes telas apenas possíveis de instalar em paredes de museu, com cores muito vivas, de um grande verismo. Frederico de Madrazo, Eduardo Rosales, José Moreno Carbonero, Mariano Fortuny e Joaquín Sorolla são alguns dos principais nomes. Destaco o quadro de Francisco Pradilla, Cortejo del bautizo del príncipe don Juan, hijo de los Reyes Católicos, por las calles de Sevilla, obra de 1910 (já no século XX, mas integrando a exposição). A cena é pública – isto é, um acto privado da realeza tornado público. Com o colorido da multidão – no palanque (aristocracia local), nas varandas, na guarda de honra, no povo na rua. Falta apenas o som das pessoas e da música, conquanto as cores sugiram polifonias [imagem retirada da Wikipedia].


A pintura e gravura de Dürer e Cranach estão num outro plano, a da fixação da imagem reproduzida (a gravura), com cenas da vida de Cristo e do cristianismo, numa afirmação do protestantismo de Lutero [lembra o filme em projecção nestes dias, Elizabeth, de Shekhar Kapur, com Cate Blanchett, Geoffrey Rush e Clive Owen, em que uma Isabel I, protestante, defronta Filipe II, católico]. Dürer torna-se importante por apoiar essa afirmação religiosa, por a fixar no texto e, especialmente, na imagem. A exposição na Fundación Caja Madrid é mais significativa que a do Museo Thyssen-Bornemisza, dada a quantidade de pequenas gravuras que ilustravam livros, uma das escassas formas de ilustrar os leitores. Quanto tempo demoraria a leitura de uma das pequenas imagens, consideradas piedosas? A cultura erudita alicerçava-se aí, mas não sei o impacto nas classes mais populares. A geometria e a representação das novas formas de fazer a guerra (em que as armaduras de aço são determinantes) aparecem nas gravuras como dois outros campos explorados. Ao esforço científico junta-se o da actividade da primeira indústria cultural: a reprodução mecânica da imagem. Há, pois, um duplo significado – a religião, a arte mecânica.

Já o mundo representado por Paula Rego é um distinto mundo interior. Não é místico mas psicológico e melancólico, de descrição de traumas pessoais (e colectivos), como assinalei ontem. O fundo (enquadramento) é nascente na época de Dürer + Cranach e importante na pintura espanhola do século XIX mas não tem o mesmo sentido em Paula Rego. Aqui, cada elemento para além da(s) imagem(ns) central(ais) é do domínio do simbólico. A representação de um animal em Dürer ou Cranach e na pintura espanhola faz parte da história, da cena, da paisagem; em Rego lê-se como complemento, oposição ou simples sinal como se fosse uma assinatura.

Para além destes objectos (textos enquanto totalidades, enquanto exposições), independentes e autónomos entre si, há a junção num tempo, o da exposição ao público. Logo, para o visitante que passe nos vários locais, há um cruzar de linguagens, cada uma delas apegada a um tempo histórico e sociológico.

Em Paula Rego, não existe o domínio do belo e do harmonioso como na pintura espanhola ou o rigor matemático dos gravadores alemães, mas o elogio do feio, do horror. É certo que a morte (cenas em Dürer sobre Cristo e os cristãos, Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga, de Antonio Gisbert, 1887-1888) aparece estetizada: a morte é simultaneamente feia e bela, tormentosa e horrível mas igualmente equilibrada.

A produção identificada nestas exposições reflecte a qualidade da cultura europeia – alemã, espanhola, portuguesa (inglesa) – ao longo dos séculos. Se o século XVI mostra a expansão política, económica, cultural e científica e o século XIX espanhol é, na pintura, a (re)afirmação de uma cultura e de um país, a obra de Paula Rego assume os medos, as fobias modernas, o psicologismo do privado. As cenas públicas da pintura espanhola – quase cenas universais à escala do seu país – tornam-se privadas, íntimas, quase de pesadelo individual na pintora portuguesa. Melhor: o público (séculos XVIII-XIX), de afirmação dos Estados, transmuta-se em privado (do retrato em Dürer e na pintura espanhola) mas atinge o paroxismo em Rego. O privado é o único domínio nesta pintora. Com os seus animais, monstros e mulheres feias. O universo masculino das outras exposições muda-se aqui para o feminino.

Se quisermos ver de outro ângulo: o retrato do homem é do domínio público, o da mulher é privado. Onde as dores são silenciadas ou partilhadas num espaço pequeno, como ontem escrevi.

Observação 1: a pintura de José de Madrazo (La muerte de Viriato, jefe de los lusitanos, 1807) conta a história do assassinato de Viriato, chefe dos lusitanos. Na explicação, como se pode ler abaixo, trata-se de um episódio na história de Espanha. Nos manuais de história portuguesa, Viriato é ensinado como antepassado dos portugueses. Não haverá forma de se estabelecer genealogias através de história comparada?


Observação 2: a segurança na nova ala do Museu do Prado parece a entrada num aeroporto à espera de um ataque terrorista. Malas, relógios, cintos e outros pertences do visitante passam pelo mesmo sistema de segura
nça de raios X que num aeroporto. Os seguranças podem apalpar um visitante “suspeito”. E obrigar a tirar sapatos com uma placa metálica (medo de bomba?). O prazer de fruir um museu começa a desvanecer-se. Pior que esta segurança só mesmo o museu judaico em Berlim, com polícias de forte porte atlético.

PAULA REGO


Não sou propriamente aquilo a que se chama um fã (fiel) de Paula Rego, mas vale a pena escrever sobre a sua exposição actual em Madrid.

Há, na pintura inicial da artista (1953 em diante), uma figuração que lembra os murais mexicanos e as formas grotescas mas cheias de colorido neorealista (se posso usar essa designação). O pai de Paula Rego patrocinou uma exposição da jovem nascida em 1935 quando ela atingia 21 anos de idade. Eram dois quadros que representavam uma festa popular (Night) e homens no trabalho (Day). Homens, mulheres, pares, com alguma confiança no futuro a ler-se na expressão desses rostos. Mas data igualmente de 1954 um quadro intitulado Life painting, onde uma mulher está representada na sua nudeza e fealdade, talvez pelo envelhecimento do corpo e muitas vicissitudes ao longo da vida. Reside aqui, neste quadro, a forma de muitas outras obras da pintora já madura em idade, conhecimentos e experiências estéticas.


No dobrar da década de 1950, é nítida a influência de pintores como Jean Dubuffet: algum figuracionismo, crescente abstractização, cenas da vida familiar, cromatismos múltiplos. São anos de felicidade pessoal. Paula Rego casa com Vic Willing, que conhecera na escola inglesa de artes que ambos frequentavam, e nasciam os três filhos de ambos. 1961 marcaria, por outro lado, uma relação com a Fundação Gulbenkian, que lhe deu uma bolsa de estudo durante dois anos.

Apesar de continuar a pintar há um período menos expressivo, que passa entre a década de 1960 e a seguinte. O crescimento dos filhos prende a sua atenção; o marido fica doente com esclerose múltipla. Mas ela regressa com novos temas nos anos de 1980, com uma antropomorfização de espécies animais. Cães, macacos (caso de Monkeys drawing each other, 1981), coelhos, leões, lagartas, borboletas – memórias da sua infância em Portugal, nomeadamente da casa na Ericeira. O convívio destes variados tipos de animais é, num outro sentido, a prova da relação de sentimentos e de atitudes. Alguns acrílicos tomam o dispositivo da banda desenhada por empréstimo, continuando a expressão de sentimentos atrás indentificada. As cores são mínimas, o que conta são as formas e a história.

Em meados da década de 1980, há uma alteração profunda nos temas da pintora. A sua filha Caroline confidencia que Paula Rego andava sempre a queixar-se, perguntando o que haveria de pintar a seguir. Vic, o marido, seria uma fonte de inspiração. Os animais passam a ter a companhia de pessoas, caso de raparigas. Funcionava, de novo, a memória juvenil. São rostos a tenderem para o feio: escuros, de traços grossos, com um laçarote na cabeça. As histórias têm algo de mágico: Girl shaving a dog (1986), Girl lifting up her skirt to a dog (1986), da série Dogs – ampliando a relação entre pessoas e animais até um domínio do íntimo e da experimentação de adolescentes.

Os anos finais dessa década e os anos seguintes mostram a pintura esplendorosa que marca a fama de Paula Rego: mulheres cujo atributo de beleza não é o canónico mas o rude, o disforme e com pele encarquilahda até, em cenas domésticas, com violência, violação, quase esventramento, drama, morte (o tema da capa do catálogo da exposição do museu Rainha Sofia não tem título, datado de 1998-1999). É um universo feminino, onde os problemas são resolvidos como se se vivesse num gineceu, de regras fortes, em que o choro e o silêncio entre pares resolve e purifica. As mulheres aparecem isoladas ou em pequenos grupos, algumas delas olhando directamente para o espectador. Não há homens, seres estranhos neste tempo de pintura de Paula Rego. Por vezes, animais em formato reduzido animam os cantos das telas, sem uma razão contextual mas simbólica.

Curiosamente, há séries de Paula Rego que, sem descurarem um gosto pela secura e ausência pela harmonia, são de um significado impressionante, como a série Dancing Ostriches: as bailarinas são de baixa estatura e com corpos fortes ou quase musculados, ensaiando os passos de dança em sofás ou camas – isto é, sem esforço físico como no bailado clássico – mas acabam como conjuntos definitivamente graciosos. O que quer dizer: a beleza é, no fim de contas, aquilo que quisermos ver ou sentir (ou o contrário).

Outra obra que me despertou a atenção é The dance (1988), onde casais dançam à luz da lua, junto ao mar. Vêem-se igualmente duas mulheres com uma criança e uma mulher sozinha. Há movimento, cor, expressão.

Base: catálogo Paula Rego, texto de John McEwen, editado em inglês pela Phaidon inicialmente em 1992, e que acompanha a exposição actualmente presente no Museu Rainha Sofia, em Madrid.

RAFAEL BORDALO PINHEIRO


Rafael Bordalo Pinheiro. O Português Tal e Qual, de José-Augusto França, é um livro sobre a vida e obra daquele desenhador, caricaturista, ceramista, jornalista e pensador (1846-1905). Serve ainda para percebermos a história política e social de Portugal (e mais especialmente Lisboa) do final do século XIX. Tem mais de 70 páginas de trabalhos – reflexões em desenho –, feitas com o humor mordaz de Bordalo Pinheiro, num total de 350 páginas.

[informações fornecidas pelo editor, Livros Horizonte]

PAULO VARIZ PREPARA INSTALAÇÃO-ENSAIO


Nascido em Londres e vivendo em Portugal, Paulo Eurico Variz é quadro superior do ministério das Finanças, ensina economia na Universidade Católica e expõe desde 1989. Agora, prepara uma instalação-ensaio, com pintura e desenhos, no átrio do ministério das Finanças, de 3 a 30 de Outubro.

De obras suas anteriores, destaco as seguintes:


Diz o autor: “Quanto à iniciativa de Outubro deste ano, a ideia é fazer a minha homenagem aos cubistas, e também a Rohmer… o cinema dele tem um rico código de cores, de coreografias, de planos morais que se intersectam, de posturas corporais e de mudanças de luz que me despertam muito interesse… acompanho a obra dele há uns bons anos e de repente apeteceu-me destacar alguns aspectos plásticos da obra dele, ou aspectos que, não tendo originalmente essa expressão, sejam susceptíveis de assim serem representados”.

PINTURAS CANTADAS: ARTE E PERFORMANCE DAS MULHERES DE NAYA


Pinturas cantadas: arte e performance das mulheres de Naya é a exposição a inaugurar no dia 5 de Julho, pelas 18:30, no Museu Nacional de Etnologia.


Retiro da apresentação do catálogo, a seguinte indicação de Joaquim Pais de Brito, o director do museu:

As exposições nascem muitas vezes por acaso. Assim foi com as Pinturas cantadas que este catálogo dá a conhecer. No seu começo está o encontro com Lina Fruzzetti e Ákos Östör que, numa visita a Portugal em Maio de 2006 para apresentar o filme com o mesmo nome, traziam com eles algumas das pinturas feitas pelas mulheres de Naya, aldeia do Estado de Bengala por eles estudada ao longo de muitos anos.

Abrir aqueles rolos foi para nós uma revelação e um encantamento. São pinturas em folhas de papel justapostas, coladas em tecido, muitas vezes reaproveitadas de outros usos, que as torna mais flexíveis e resistentes à sua continuada manipulação. Ali se encontram representados os mais variados temas, uns retomados da tradição oral, onde divindades e personagens de toda a índole são protagonistas de histórias inúmeras vezes repetidas, outros abordam assuntos da mais próxima actualidade. Pode tratar-se da narração de acontecimentos de grande ressonância mediática e planetária, como o ataque ao World Trade Center de Nova Iorque em 11 de Setembro de 2001, ou o tsunami de Dezembro de 2005. Mas podem também ter o alcance de uma campanha informativa e cívica, como ocorre com a luta contra a Sida ou contra a discriminação de género, que no infanticídio de bebés do sexo feminino encontra uma das suas mais radicais e violentas manifestações.

São rolos pintados, mas que nos dão a perceber “estilos pessoais, variações de linguagem e a profusa diversidade dos temas”, continua o mesmo responsável do museu.

Da Cantiga da pintura Tsunami, de Snehalata Chitrakar, extrai-se o seguinte texto:

Ó, mãe do mar, Mãe do Ganges, porque ceifaste tantas vidas. Ó, irmão, a água do mar veio com toda a fúria, com árvores e folhas a flutuar. Morreram tantos homens! O meu coração chora por eles.
Mães foram privadas dos filhos, filhos perderam as mães, mulheres ficaram sem marido. Que dor! Ó, misericordioso Dayal do meu coração, como chora o meu coração! O céu chora, o vento grita, a mãe infeliz chora os filhos perdidos.
É difícil entender o teu jogo Lila, como fazes uns chorar e outros sorrir.
O exército apareceu quando soube da notícia. Salvaram as pessoas, derramando lágrimas.
Sri Lanka, Tailândia, Andaman – pessoas de doze países tiveram mortes prematuras.

Lina Fruzzetti e Ákos Östör estarão em Portugal entre os dias 3 e 5 de Julho.

ÚLTIMOS DIAS DA EXPOSIÇÃO DE COLUMBANO


Hoje, dia 24, pelas 18:30, visita guiada por Carlos Vidal. A visita e discussão é à volta do quadro Convite à valsa (1880). Artista e professor na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, Carlos Vidal (Lisboa, 1964) participa em exposições desde 1991. Publicou oito livros sobre arte e colabora regularmente com as revistas Lapiz e Exit, Madrid; recentemente, colaborou em Over Here (New Museum / The MIT Press). Foi, nomeadamente, co-autor no livro organizado por Carlos Leone Rumo ao cibermundo? (Celta, Oeiras, 2000), de que eu fui igualmente co-autor. Carlos Vidal realizou várias conferências : Universidade Paris I / Sorbonne, Museo Nacional Reina Sofia ; ARCO, Madrid ; Museu de Arte Contemporânea / Serralves, Porto ; Fundació Pilar i Joan Miró, Barcelona.

Amanhã, sexta-feira, a exposição estará aberta até às 22:00. Domingo, último dia da exposição, a entrada é gratuita até às 14:00.

Itinerância: no final de Junho, a exposição estará patente na Câmara Municipal de Bruxelas, com o título Columbano, Un Réaliste Portugais (1880-1900).

COLUMBANO BORDALO PINHEIRO


A pintura de Columbano nunca me atraiu particularmente. Aliás, só recentemente aprendi a olhar a pintura naturalista da segunda metade do século XIX. O meu coração está com o expressionismo e as correntes subsequentes até 1970, sem esquecer o prévio cubismo e os trabalhos de Amadeo Souza-Cardoso. A minha alegria está quando visito a exposição permanente do Museu do Chiado (pintura do século XX) ou as três últimas salas de pintura do Museu Soares dos Reis (Porto) (igualmente pintura do século XX).

Nem as cores de Columbano despertam a minha atenção. São obras escuras, de nem sempre fácil apreensão. Os retratos, alinhados num dos lados da sala, são tristes, representam apenas homens (personalidades célebres na época, como Antero de Quental, Oliveira Martins, Guerra Junqueiro, Fialho de Almeida, Henrique Lopes de Mendonça), com rostos quase iguais (barbas, olhares mortiços, escassa beleza masculina). De mulheres, vêem-se as da sua irmão mais velha e pouco mais.

Reconheço que estou a exagerar e a desprezar a obra de Columbano, sem qualquer justificação. Primeiro, o retrato de Matilde Adelaide Pinto da Silva mostra-nos uma grande finura de traços, uma compreensão dos sentimentos da retratada. Depois, basta olhar para O sarau (1880) para contrariar a opinião expressa nas linhas anteriores. Ao centro-esquerda da tela, está um piano com uma jovem a interpretar. De pé, um homem mais velho canta, ou declama, ou dirige musicalmente uma parte da assistência. Em cada um dos cantos da cena, mulheres e homens, escutam. Em primeiro plano, parece haver um gato; em fundo, observam-se algumas decorações (relógio, vaso, candeeiro), que veríamos também nas fotografias de finais do século.

É uma cena de serão familiar. Observam-se duas gerações distintas, sendo o sarau uma actividade cultural e de educação e integração social. Há um rigor nas roupas: o senhor à direita usa um fraque, o menino ao centro veste elegantemente uns calções deixando sobressair umas meias vermelhas. O longo cabelo louro e a posição das pernas denuncia a sua chegada junto do grupo dos cantores. As senhoras, de cabelo puxado atrás, seguem o movimento do rapazinho. À esquerda, estão os intelectuais: talvez pintores, artistas, poetas, filósofos.

As cores representadas são quentes, em oposição a outros quadros do pintor. E esta obra parece anunciar uma tira de banda desenhada: poder-se-iam contar várias histórias olhando o modo como os grupos se encaixam.

Reformulo, assim, a opinião incorrecta acima escrita neste postal. A sua obra, que na exposição percorre os anos de 1874 a 1900, possui a dimensão apropriada para caber numa mostra temporária no Museu do Chiado, e parte de um importante espólio daquele museu. Depois, remete para uma época precisa, de grandes mudanças sociais, políticas e culturais (o ultimato dos anos 1880 é uma marca na história nacional e os retratos representam alguns dos principais dirigentes políticos e intelectuais que tomaram parte nas manifestações dessa época). Em terceiro lugar, o percurso de Columbano passa por trazer novidades para o panorama português, após passagens pela cultura e arte de Paris, então a capital do mundo: apesar de naturalista, há um ar fresco nos temas e no preenchimento dos espaços da tela.

Noto particularmente as cenas da burguesia, de que o quadro descrito acima é o expoente. A arte e a música eram expressões de riqueza intelectual, quando a burguesia controlava desde há muito o poder económico e político. Mas o quadro reflecte ainda o lado intimista de muita da produção de Columbano: as histórias individuais, aqui dentro da família, são resultado de interacções estabelecidas entre aqueles e esta. A natureza pintada não era tanto a natureza de lá fora, mas a vivida no interior do lar, do conforto e da alegria dos pequenos gestos em casa.

Exposição de Columbano Bordalo Pinheiro patente no Museu do Chiado, organizada por Pedro Lapa, director do próprio museu.

TINTORETTO


EXPOSIÇÃO DE TINTORETTO NO MUSEU DO PRADO (MADRID)

Trata-se, a meu ver, de um dos grandes acontecimentos culturais actuais na capital espanhola. Jacopo Tintoretto (1518 ou 1519/1594) disputou a liderança no panorama visual da Veneza do século XVI com Ticiano e Veronese. A exposição patente no consagrado Museu do Prado é a primeira mostra monográfica desde 1937 – há setenta anos já! – quando Tintoretto foi apresentado na sua Veneza (Palazzo Pesaro). Claro que há dificuldades em apresentar Tintoretto, pois muitos dos seus trabalhos residem em igrejas e palácios, onde foram produzidos para esse efeito (logo, inamovíveis). Algumas das suas mais belas obras são largas composições com temas religiosos e da mitologia grega, como se observa na exposição e no magnífico catálogo que acompanha a mostra.

No museu madrileno há 49 pinturas, divididas em quatro secções: 1) começos, até 1546; 2) anos decisivos, 1547-1555; 3) principal ciclo pictórico, 1556-1575; 4) anos finais, 1576-1594.

Tintoretto não foi um artista precoce. Além disso, as suas primeiras obras foram simultaneamente ambiciosas e imperfeitas. Outra crítica ao pintor veneziano foi a rapidez com que efectuava as obras, resultando que alguns dos que lhe encomendavam trabalhos recomendassem para ser mais lento. Uma crítica final seria que Tintoretto criou uma escola, com diversos trabalhos realizados pelos seus colaboradores, embora a ele atribuídos.

O salto qualitativo processa-se em 1545. E, mau grado, os comentários e as hostilidades – a principal residente em Ticiano, outro dos principais pintores da época -, o certo é que a obra vista no Prado é de um fascínio total. Não vista, por estar na Scuola Grande di San Rocco, em Veneza, a decoração feita por si (1564-1588) surge-nos como um esquema pictórico unificado num espaço público de grande dimensão, com cenas da vida de Cristo. Tintoretto é o pintor religioso mais prolífico na Veneza do século XVI, assinala Frederick Ilchman no catálogo da exposição de Madrid (p. 63). Em mais de 50 anos de trabalho, pintou para dezenas de igrejas e confrarias venezianas. Já visto na actual exposição, há cenas de batalhas e temas não religiosos (retratos, cenas da mitologia grega, alegorias).

Jacopo Comins, aliás Robusti, aliás Tintoretto, remete-nos para a palavra tintoretto. Explica Miguel Falomir no catálogo da exposição: tintoretto salienta a importância do desenho (disegno), entendido como instrumento de aprendizagem, experimentação e composição (p. 21). E escreve Robert Echols, no mesmo catálogo, que o ponto de focagem de Tintoretto é o funcionamento do corpo – em movimento, como energia. As figuras do pintor veneziano agem, alcançam, dobram-se, giram, raramente repousam (p. 28). A concepção da forma humana do pintor está determinada pela escultura, acrescenta o mesmo crítico. A cor adequa-se ao claro-escuro.

Exposição patente até 13 de Maio, aconselho a quem for visitá-la a comprar bilhetes online. Pode apanhar-se uma fila de duas horas de espera, como aconteceu ao blogueiro!

Frida Kahlo

Estou a ouvir na Antena 2 António Mega Ferreira referir o êxito da exposição de Kahlo, que acabou ontem e obteve a maior audiência de público no Centro Cultural de Belém (CCB) em treze anos. E, comparativamente à mostrada na Tate Modern, teve também muito sucesso. Parabéns ao CCB – mas Frida ajudou. Eu também verifiquei o impacto público da exposição em Santiago de Compostela.

Frida Kahlo em Lisboa

Na sua coluna de hoje na Visão, João Mário Grilo levanta dois tópicos curiosos. Por um lado, ele questiona se Kahlo é uma grande pintora (que descarta por considerar sem interesse especial). Por outro lado, destaca a pequena dimensão do quadro A coluna partida (1944) (40 por 30 cm), o qual surge como elemento de identificação da sua obra, nomeadamente no catálogo de capa mole.

Por uma sorte que julgo será quase impossível voltar a acontecer-me, vi a exposição de Frida Kahlo em Londres e em Santiago de Compostela, conforme aqui já aludi. A exposição na Tate Modern era maior, a de Lisboa segue a de Compostela. Muitas das telas maiores não se viram na Galiza como aqui em Lisboa. O catálogo de capa dura é igual nas duas cidades ibéricas, mas adaptado à língua de cada país. Quanto a iluminação, a vista na capital inglesa foi, de longe, a de maior visibilidade; aqui, no CCB, o elevado pé direito da sala não foi compensado por uma iluminação mais perto dos quadros. Em termos de espaço, o usado em Londres era maior, ao passo que o de Santiago de Compostela foi prejudicado pela dimensão mais pequena das salas em dois andares distintos. A disposição está mais harmoniosa no CCB que na Caixa Galícia, com as diferentes etapas cronológicas da vida da pintora bem identificadas, conforme o esquema (retirado do catálogo de capa mole).

Mas a presença de público é constante que caracteriza a exposição nas três cidades europeias: uma presença e atenção elevadas de públicos jovens (o que não vi, por exemplo, na recente exposição do fundo de arte moderna de Joe Berardo, no mesmo CCB).

Leitura complementar: revista “6ª” (Diário de Notícias), de sexta-feira passada.

FÁTIMA MENDONÇA

Tinha visto, no blogue Seta Despedida (de Alexandra Barreto), a indicação de uma exposição de Fátima Mendonça (“Assim… assim… assim… para gostares de mim”). Por isso, decidi pôr o computador em “Suspender”, colocar um casaco e apenas atravessar os perigosos semáforos na saída da Av. João XXI para a Praça do Campo Pequeno (ou também chamada Marquês de Marialva) e entrar na Culturgest.

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fm2.jpgDo pequeno catálogo (há um maior), com texto de de Ruth Rosengarten, li: “Este é um lar de incansável actividade feminina, onde (o que é típico do mundo pictórico da artista) se fazem bolos e massas. Encomenda de bolos de dedinhos de morango, pronta, pode ler-se”. Mas há uma óbvia crítica a um universo conotadamente feminino, caso do quarto forrado do chão ao tecto com uma mistura (certamente saborosa) de chocolate e baunilha no bolo mármore, para te receber e te agradar. Aqui já há uma evidente sedução.

Na realidade, fiquei logo com uma fome incrível. Solução: correr à pastelaria Namur e comprar um bolo para comer daqui a um bocado. Claro que os bolos de Fátima Mendonça são incomparavelmente melhores, ou, diria, mais agradáveis, pelo colorido e propostas visuais.fm3.jpg

Fátima Mendonça nasceu em Lisboa (1964) e licenciou-se em pintura pela Escola Superior de Belas Artes de Lisboa (1990). Alguns títulos de exposições: “Gosto da minha casinha” (1999), “Eu tenho medo: lá, lá, lá, lá, lá…” (2001), “Para te fazer não tem nada que saber” (2002) e “Fátifashion – vestidos de lã e bolo” (2003).

Frida Kahlo em Santiago de Compostela

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Depois de ter visto a sua pintura em Londres, o reencontro foi uma boa surpresa.

Em Santiago de Compostela, numa colaboração entre a Fundación Caixa Galicia e o Museu Dolores Olmedo (México), a exposição prolonga-se até 20 de Janeiro de 2006. Não é espectacular como a da Tate Modern – e sobre a qual escrevi no passado dia 14 de Agosto -, mas permite um olhar mais íntimo, apoiado por um belo livro cujo título é o nome da pintora mexicana e comissariado por Josefina Garcia H. De realce a exposição no rés-do-chão do edifício onde se mostra Kahlo, uma recordação da cultura (religiosa e etnográfica) do país da pintora, como as imagens seguintes mostram.

Frida Kahlo em Londres

Frida Kahlo (1907-1954) morreu há 51 anos, deixando cerca de 200 imagens, as principais das quais agora numa excelente exposição na Tate Modern (Londres). Ainda não se sabe tudo dela, mas o suficiente para nos deixarmos impressionar por uma mulher que desafiou as fronteiras, sendo ela própria oriunda de uma mescla de raças e vivendo num mundo pós-colonial.

Nascida no México, tendo sido casada com Diego Rivera (mais velho 20 anos que ela), conviveu com a revolução mexicana (e pintado Pancho Villa) e Leon Trotsky. Embora pintora autodidacta, ela tinha um elevado conhecimento da história da arte e foi incentivada por Rivera. No seu trabalho, são visíveis influências das vanguardas europeias, como cubismo, futurismo e a Neue Sachlichkeit. Mas também pintou dentro da tradição católica dos ex-votos. Sem querer ser injusto com o que se pode ver, as obras que mais me impressionaram foram As duas Fridas (1939), Autoretrato com um macaco (1938) – que ilustra a capa do catálogo -, Natureza morta com papagaio e bandeira (1951) e Moisés (1945).

Aberta em Maio de 2000, a Tate Modern é já um local de grande importância em termos de indústrias criativas no contexto mundial. O seu director, Vicente Todolí, foi anteriormente director do Museu de Serralves (Porto). O catálogo custa £20 (cerca de €35) e tem 232 páginas. A não perder. Se não fossem os direitos de autor, copiava para aqui algumas das belíssimas imagens de Frida.