Ana (Cleia Almeida) é casada com João, apenas nomeado na narrativa, mas vive uma paixão com Jaime (Tomás Alves) há dez anos. Também presente-ausente é o filho dela, JP. Ao fim desse tempo, fazem um balanço das dificuldades em viver daquele modo. Contas para pagar, uma vida dupla, salários baixos, presença permanente de uma sociedade agressiva (tróica, tickets restaurante em vez de subsídio de alimentação, poluição e qualidade de vida). Manuel (Eurico Lopes) é uma espécie de contraponto, próximo do casal mas também quase o narrador.

Talvez as gerações mais novas compreendam a relação, talvez os mais velhos encontrem a história muito frágil, no sentido que damos a uma peça de cristal. Aliás, podia concluir-se que ela não é bem uma história mas um olhar poético sobre o amor e as relações no interior de um casal moderno numa geografia lisboeta bem precisa. A personagem feminina está mais bem desenvolvida, apresenta uma perspetiva do amor mais moderna e desinibida, enquanto os homens surgem mais defensivos. Será que Ana e Jaime vão continuar? Ou será a peça uma construção feminista?

A peça é de Marta Figueiredo, engenheira civil a trabalhar na Infraestruturas de Portugal, concorrente e vencedora do Grande Prémio de Teatro Português SPAutores / Teatro Aberto 2015. Ela tem dois filhos pequenos, nasceu na Meda, estudou em Lisboa e vive no Porto. Dramaturgia e encenação de Levi Martins e Maria Mascarenhas, figurinos de Dino Alves, cenário e desenho de luz de Adelino Lourenço, música original e sonoplastia de André Reis e vídeo de Eduardo Breda.

A interpretação de João Perry é soberba. Não posso dizer que é a melhor personagem por si interpretada, porque não conheço toda a sua carreira, mas esta está muito bem feita. O Pai é um homem entre 70 e 80 anos, velho e com Alzheimer. Nos diálogos com a filha (Ana Guiomar), percebem-se os momentos de perda de memória e de espaço. A encenação (João Lourenço) ajuda, apoiada na luz (Alberto Carvalho e João Lourenço); as duas criam dimensões dramáticas, de desespero, insegurança, mergulho no abismo, de alucinação e incompreensão dos outros face à realidade do sujeito. O vídeo (Luís Soares) mostra imagens de um menino e de um velho (Perry), numa espécie de retorno.

A filha quer ajudar o pai, mas o dia-a-dia torna-se difícil. O universo mental do pai afasta-se da realidade física. Ele vai esquecendo os locais, confunde relações, vê rostos diferentes. Com a enfermeira que cuida dele, estabelece uma relação de recusa, o que leva a filha a equacionar levá-lo para um lar. O motivo mais próximo é a perda do relógio, em que se acusa a enfermeira de roubo. Mas o relógio está apenas dentro do micro-ondas, local onde costuma guardar alguns dos seus bens. O pai – André – não quer sair da sua casa, quando já habita a da filha. Não se apercebeu da mudança embora percecione móveis diferentes ou ausentes.

Para ser mais realista, a encenação coloca duas atrizes no papel de filha e dois atores no papel de genro e altera a cenografia da casa onde ele está. Em jogo, um processo interno de relacionamento com os outros. A peça mostra a lenta desagregação do corpo do indivíduo. Ele fora engenheiro, agora, perante a nova enfermeira, indica ter sido artistas de variedades. E canta e seduz – mas o brilho do momento apaga-se e ele volta a confundir a realidade, como se fosse um luz a perder-se. Ao escrevê-la, Florian Zeller (1979) recorda a avó cuja demência começou quando ele tinha 15 anos. De uma peça de Ionesco tirou a ideia com que acaba a peça. O Pai, já muito enfraquecido, pede à filha que lhe cante uma cantiga de embalar.

Mesmo no final, quando já está num lar de velhos, ele pretende que a mãe o leve embora daquele sítio – a luz do palco vai-se reduzindo e o ator fica num ponto e numa centelha até desaparecer. O silêncio na sala ficou mais denso e a reação dos espectadores demorada até às palmas.

Do programa, refiro a leitura de dois textos. O primeiro, de Cícero, aponta quatro causas que indicam a infelicidade da velhice: o indivíduo aparta-se dos negócios, o corpo fica debilitado, decresce o número de prazeres a usufruir, está-se perto da morte. Como o indivíduo não é imortal, o que viveu muito tempo deve recordar o que fez honrada e corretamente. O segundo texto pertence a Atul Gawande. O avó dele, indiano, viveu até aos cem anos, admirado pelos mais novos, exercendo a sabedoria e o respeito devido aos mais velhos. Melhor, viveu integrado na família até morrer. Esta, numerosa, tinha sempre elementos que o podiam ajudar. O pai de Gawande foi viver e trabalhar para os Estados Unidos. Aqui, o velho já não vive na família, reduzida a células pequenas. O velho vai passar os últimos anos num lar e aí morrer, com algum conforto material mas sozinho. O Pai da peça de Florian Zeller já está nesta categoria.

Teatro Aberto, com João Perry, Ana Guiomar, Paulo Oom, Sara Cipriano, Patrícia André (Laura) e João Vicente (Pedro).

A peça foi escrita por Mia Couto e José Eduardo Agualusa para os 45 anos de atividade da Comuna Teatro. Um homem, angolano, chamado Charles Poitier Bentinho (Miguel Sermão), foi apanhado a sair da Síria, onde teve contactos com o estado islâmico Isis. Chegado a Lisboa é preso e interrogado por polícias nacionais e uma americana – inspetor Laranjeira (Virgílio Castelo), agente Lara (Ana Lúcia Palminha) e agente Maggie (Rita Cruz).

Rapidamente, para o espectador, percebe-se que Charles Poitier Bentinho não é terrorista. Mas sim um homem que vive num universo onírico e não ocidental, uma espécie de feiticeiro que conversa com os pássaros e afasta os demónios de cada indivíduo, querendo resolver os seus problemas, além de um grande coração para as mulheres. Mas cada personagem tem um papel a desempenhar e os polícias têm que apresentar serviço e descobrir o que levou o feiticeiro africano a passar muito tempo na Síria. Ele seria levado pelos olhos do tamanho de um oceano de uma mulher e perseguiu-a até ao Oriente (ele não viu mais nada porque a mulher vestia uma burca).

Gostei especialmente das palavras (falas) de Charles Poitier Bentinho, porque desmonta o mundo racional e lógico em que nos costumamos mover, o que é uma nota positiva para os escritores da peça. Além de divertido na sua inocência, deteta-se uma outra forma de pensar – uma lógica não cartesiana. O título do seu livro Minas e Armadilhas não é o que pensam os polícias mas apenas um manual de cortesia para com o sexo oposto. Convencido que a aparência no vestir é o primeiro passo para uma conquista ou solução, e após ouvir desabafos ou confidências dos polícias, ele muda de papel e passa de bandido a conselheiro, indicando-lhes os remédios para afastar os problemas.

No final, como cada personagem cumpre um papel, o de Charles Poitier Bentinho é o de ser expatriado para os Estados Unidos, para a prisão de Guantánamo. Contudo, ele exerce uma grande influência nos seus carcereiros, com os comportamentos dos polícias a mudarem: o inspetor passou a vestir-se no alfaiate de Bentinho e voltou a sair com Lara, ao passo que a americana Maggie ficou com uma imagem distinta (e humana) de África.

Charles Poitier Bentinho é um contador de histórias. Afinal, a atividade central do seu intérprete, Miguel Sermão. Por isso, o papel está tão bem construído. Versão cénica e encenação de João Mota.

Gosto de teatro mas não sou crítico de teatro. Logo, não sei escrever um texto sobre o que vi enquanto espectador com o aparato conceptual próprio do crítico. O que debilita a leitura ou interpretação. Mas sei que gosto de compreender a história que vejo e as opções tomadas na representação. Concluo pela existência de camadas de interpretação: o autor, o encenador, os atores, o espectador.

Por isso, convidei o autor da peça Ao Vivo e em Direto em representação no Teatro Aberto, Raul Malaquias Marques, a explicar a história e os fios narrativos, em aula de estudos de jornalismo. Ele esclareceu algumas questões que eu formulara a mim mesmo quando vi a peça.

A peça, vencedora do Grande Prémio de Teatro SPA/Teatro Aberto 2014, tem seis personagens (Homem, Diretor, Mulher, Filha, Jornalista, Inspetor) e vozes (jornalistas dos diretos) e dois homens de óculos escuros. Primeira inquietação: não há nomes nas personagens, perguntou uma aluna. O autor disse querer universalizar a situação, que se podia passar em qualquer parte do mundo. Aliás, no frontispício da peça (chamemos-lhe assim), Raul Malaquias Marques escreveu: “A ação decorre na atualidade, num pais igual a outros”. Sem sinais de identificação identitária, torna-se mais fácil desterritoralizar a ação.

Ao Vivo e em Direto significa quatro pilares da realidade diária: a comunicação social (o diretor de informação e o jornalista que prepara um programa de entrevistas), o poder político (o homem, que foi ministro, presidente de empresas estratégicas, agora arrependido da evolução de um processo político, pois as suas práticas não seriam as mais sérias), a justiça (o poder do tribunal, a força das fontes e dos grupos de pressão) e a família. O julgamento que se seguira ao processo não fornecera um apuramento de provas, pelo que não houve culpados. Mas um jornalista morrera (fora assassinado, esclarece o Homem quando é entrevistado, agora que se arrependeu e ganhou coragem para o dizer publicamente).

O encontro do diretor de informação e do Homem, num local ermo da cidade, tem o lado de intriga policial e que também remete para o mundo da relação entre jornalistas e fontes noticiosas, quando estas têm interesse de promover a divulgação de uma ação. No caso, é a recuperação de uma situação que fora escândalo, embora o caso tivesse prescrito pelos anos de intervalo entre o acontecimento e a atualidade. Enquanto o Homem preparava a entrevista, a peça regista três momentos específicos. Um é a discussão entre diretor de informação e jornalista, onde se revela a concorrência interna de um meio de comunicação: o primeiro pedira discrição na procura de informação para apoio à entrevista; um velho político telefona ao diretor a tentar impedir a entrevista. Isso revela que rapidamente houve circulação de informação e revelação do que se pretendia ser discreto. O diretor acusa o jornalista de fuga de informação. Outro é a curiosidade da mulher do antigo político, quando o vê a manusear alguns velhos dossiês. Ela, em momento oportuno, lê os dossiês e fica assombrada com a informação, fazendo fotocópias. O terceiro é quando o Homem diz que, a acompanhar as revelações, vai depositar a informação em boas mãos.

Raul Malaquias Marques realça a ambiguidade da trama narrativa. Não se sabe em que boas mãos foi depositado o dossiê nem se sabe o que a mulher fez com as fotocópias. O que a peça revela é que o Homem, feita a declaração, se suicida, dando um tiro de pistola em si mesmo – ao vivo e em direto. Isto tem duas consequências: a audiência do canal subiu muito, levando a administração a elogiar o diretor de informação; este vê-se obrigado a falar na televisão a pedir desculpa pelo acidente grave. Embora o texto seja omisso, o diretor de informação saberia do desfecho, tal o desespero do Homem. Por isso, o autor acha que a sua personagem é oportunista, o contrário do perfil ideal de jornalista que se ensina nas minhas aulas. Além disso, a ideia de denúncia, como aparece na peça, não é própria do jornalista. Este observa o poder e as máscaras com que ele se apresenta e questiona e escrutina. A comunicação social, para o autor, é a-poder. O poder vem da prática. A peça é, assim, sobre a relação entre os media e o poder. Mas não é sobre o espetáculo mediático, espaço em que se encontram hoje os media.

Peça ambígua, história sombria, conclui o autor. Alguns elementos ficam por explicar. Por exemplo, não se sabe o que a mulher fez quando o político se suicidou. Ela teve coragem de continuar a denúncia iniciada pelo marido? Se ela não conhecia muito bem as rotinas do marido porque se quis encontrar com o diretor de informação no mesmo local afastado da cidade? Perguntou o professor na aula: qual o comportamento da filha? Dado ela ter vivido uma adolescência traumatizante por causa do julgamento do pai, porque aparece numa posição tão libidinosa? Não deveria ter uma postura mais fechada? E qual a profissão da mulher? Talvez doméstica mas com estudos, foi respondido. E quando escreveu o autor a peça? Foi influenciado por algum processo que se veiculou nos media dos últimos anos?

Raul Malaquias Marques foi jornalista em Rádio Clube de Moçambique, regressando a Portugal em 1977 para trabalhar na agência noticiosa ANOP, depois Lusa, onde escreveu maioritariamente sobre política internacional e cultura. A peça reflete o seu conhecimento dos media, mas não necessariamente da televisão, como fez questão de indicar. Rapidamente, durante a aula, o autor refletiu sobre ética e responsabilidade dos media na atualidade e sobre a relação entre a notícia de agência noticiosa e os media que dão as notícias ao público. E voltou a frisar a importância da análise do poder pelos media.

Intérpretes: Ana Lopes, Dina Félix da Costa, Emanuel Rodrigues, Francisco Pestana, Maria Emília Correia, Paulo Pires, Rui Mendes, Tiago Costa e Vítor d’Andrade. Encenação e dramaturgia de Fernando Heitor, cenário de Eurico Lopes, figurinos de Dino Alves e desenho de luz e vídeo de José Álvaro Correia (fotografia fornecida pelo Teatro Aberto).

Li na notícia: “Senhoras e senhores, meninas e meninos, o espectáculo está prestes a começar”. Comecei a apurar a leitura: “Júlia Pinheiro e José Pedro Vasconcelos são os anfitriões do programa, coadjuvados por Vítor Hugo Cardinalli que terá também a seu cargo a direção do circo”. Também li a notícia: “Trupe Circo média”. Não, estas não eram as notícias que eu queria ler.

E procurei melhor, pois queria saber mais das histórias de Viriato, Irene, Lina, Lucy, Rúben, Eva Celina e Cassandra. Cheguei à página do Teatro Bocage e não vi senão o cartaz. Propus-me então reconstituir o percurso e a história, embora com o meu pouco engenho.

O Teatro Bocage comemorou ontem dez anos de existência. Ele fica na rua Manuel Soares Guedes, 13 A, à Rua Damasceno Monteiro, em Lisboa. Entre as suas atividades, desenvolve um curso destinado a quem se quer divertir com “improvisações, jogos e dinâmicas de grupo, relaxamento e construção de personagens” e construção de “um espetáculo de raiz, criando o próprio texto, a cenografia, os figurinos, os adereços, o desenho de luz e a música”, trabalhando “a contracena, a relação espaço-actor, a voz e o corpo, sempre num ambiente descontraído, propício à libertação da criatividade”, segundo a informação disponível nesse sítio. Durante o dia, os artistas trabalham em escritórios, em fábricas, em escolas, no próprio teatro, e encontram-se às terças-feiras à noite para a preparação de uma peça. O resultado dessa atividade começou a ser visto ontem.

Palhaços, focas amestradas, a mulher que entra numa caixa e desaparece por magia, as cantigas, o patrão do circo (cuja mulher, trapezista, fugiu com o domador de cavalos) a resolver sempre problemas como o corte de eletricidade, a madama (a que deita cartas para adivinhar o futuro), o jovem que faz cartazes e anúncios do circo e se engana sistematicamente mas acha ter força para dirigir o circo, a mulher barbuda com um forte sotaque açoriano e que intriga o resto da tribo circense. A peça não devia ter estreado ontem mas, por engano de Rúben, o público apareceu. E, logo à entrada da sala, alguns dos intérpretes gritam entre si, querem mandar o público embora, apenas fazer o ensaio geral. Por isso, as focas ainda não tinham sido disponibilizadas, elas que estavam no aquário Vasco da Gama.

Os papéis foram desempenhados por Carmo Franco, Fátima Bartolomeu, Filipa Roldão, Inês Santos A., José Pereira, Miguel Santos e Sara Maia. Encenadora: Maria João Miguel, mestre em Encenação pela Escola Superior de Teatro e Cinema. Diretor do teatro: Carlos Cardadeiro (na fotografia, o agradecimento do diretor, encenadora e atores, no final da representação).

O Teatro do Bocage é um teatro de bairro, orienta-se para públicos específicos, nomeadamente o infantil, com peças a apresentar conforme o desejo de espetadores coletivos como escolas. Tem, por isso, uma grande proximidade à freguesia de Arroios e aos seus habitantes. A peça em representação, durante apenas três dias, revela essa dinâmica de relação popular e de grande entusiasmo e adesão.

Obrigado pelo tempo e dedicação que deram aos espectadores.

Fiquei a pensar na expressão de Jorge Silva Melo, o encenador de Jardim Zoológico de Vidro, de Tennessee Williams, no Teatro da Politécnica, pelos Artistas Unidos: “Derrotados, sim, abandonados, sem hipótese, deixados para trás, com a electricidade cortada e contas por pagar, vencidos: mas estes são os invencíveis, esses sonhadores que Tennessee Williams cantou”.

Da trilogia encenada por Jorge Silva Melo das obras de Tennessee Williams (Thomas Lanier Williams III, 1911-1983) – Gata em Telhado de Zinco Quente, Doce Pássaro da Juventude, Jardim Zoológico de Vidro -, esta parece mais intimista, talvez porque a sala que recebe a peça permite que o espectador esteja mais perto dos atores e entenda melhor o que dizem e o modo como o expressam. Mas há o mesmo universo das outras peças que decorrem no Missouri, com fazendeiros, homens de sucesso e de fracasso, embora a trama se urda no seio de uma só família, com a entrada de um forasteiro no final da peça.

Aqui, na cidade de S. Louis, o fracasso parece momentaneamente compensado pelo sonho: arranjar um pretendente para a filha que coxeia, incentivar o filho a ter um melhor emprego. Mas aquela, Laura (Vânia Rodrigues), tímida, refugia-se na coleção de peças de vidro representando animais e aquele, Tom (João Pedro Mamede), frequenta o cinema em busca de aventuras que a vida de empregado num armazém de calçado não tem. A única voz realista é a do jovem Jim O’Connor (José Mata), convidado para jantar e, possivelmente, apaixonar-se e casar com a rapariga daquele lar que parou no tempo em que o marido e pai se foi embora sem nunca mais dar sinal, a não ser um postal sem endereço. E tudo se esclarece quando a empresa de eletricidade desliga o fornecimento, por falta de pagamento.

Publicada em 1945, a peça seria o primeiro grande êxito do dramaturgo na Broadway. Tom reflete a personalidade do autor. O seu pai, vendedor de sapatos viajante, alcoólico e viciado em jogos de aposta, aparece na peça como empregado dos telefones de longa distância até um dia desaparecer. Para fugir ao mundo caseiro insuportável, Williams ter-se-ia refugiado no seu quarto pintado de branco e com miniaturas de animais de vidro. Talvez Laura se assemelhe à sua irmã, Rose, com sintomas de esquizofrenia desde jovem e submetida a uma lobotomia. A história da peça decorre na década de 1930, quando os Estados Unidos viviam os problemas da grande depressão financeira e os indivíduos por mais que lutassem quase sempre perdiam, desempregados, deserdados, escorraçados, arredados de tudo por uma estranha força do destino – o capitalismo.

Compreendo a frase de Jorge Silva Melo, quando fala de vencidos que são sonhadores invencíveis: a mãe Amanda (Isabel Muñoz Cardoso) tem uma grande persistência em enfrentar os problemas e inventa soluções para eles. Infelizmente, ela está desfasada da realidade e os resultados não são adequados.

Tradução de José Miguel Silva, cenografia e figurinos de Rita Lopes Alves, luz de Pedro Domingos, coordenação técnica de João Chicó, produção de João Meireles e assistência de encenação de António Simão. Fotografia de Jorge Gonçalves.

Vi Doce Pássaro da Juventude no Teatro Nacional de S. João (Porto) e Gata em Telhado de Zinco Quente no Teatro Municipal de São Luiz. Jorge Silva Melo quis homenagear os atores com quem vem trabalhando nos quase vinte anos dos Artistas Unidos: Maria João Luís, Catarina Wallenstein, Rúben Gomes, Américo Silva, Isabel Muñoz Cardoso, Vânia Rodrigues, Nuno Pardal, Tiago Matias, João Vaz.

Daí, nasceu a ideia de revisitar Tennessee Williams (a terceira peça está programada para 2017: Noite da Iguana) e fazer percorrer as peças pelo país. Assim, Gata em Telhado de Zinco Quente estreou em Viseu. São peças cujo longo primeiro ato trata da relação entre homem e mulher numa situação de transgressão ou a indiciá-la: o gigolo (Chance Wayne, por Rúben Gomes) e a atriz decadente Alexandra del Lago, por Maria João Luís), com uma dependência monetária e emocional numa, a homossexualidade escondida no casal ainda jovem (Brick Pollit, por Rúben Gomes, e Maggie, por Catarina Wallenstein). Mas também triângulos amorosos, com Heavenly. O mais interessante é descobrir que estas histórias se desenrolam numa América de finais da década de 1940 e inícios da seguinte, com códigos morais ainda muito rigorosos.

As mulheres são violentadas mas adquirem poder – pela coragem, persistência ou simples deixar correr o tempo -, mas os homens parecem sair sempre a perder. Tennessee Williams atribui alguma equivalência nos estatuto dos homens nas duas peças: Chance é uma espécie de personagem negra por oposição a Brick, nos dois há uma adolescência feliz mas perdida definitivamente: a doença de Chance transmitida a Heavenly em Doce Pássaro da Juventude, a amizade aparentemente não sexual de Brick pelo já falecido Skipper. Mas Chance pode também ser encarado como criminoso degenerado, designação próxima de homossexual. Há ainda o papel do pai autoritário, certamente bebido na experiência familiar do dramaturgo: o pai Heavenly quer vingar a doença venérea, o pai Pollit diferencia violentamente os dois filhos, punindo aquele que aparenta ser o mais próximo do ideal de prosperidade.

Ontem, vi (e gostei de) o ensaio da peça (monólogo) Fernando (que) Pessoas?, texto de Fátima Franco, encenação de Maria João Miguel e interpretação de Gonçalo Cabral para o Teatro Bocage. Os textos do poeta e os heterónimos, mas também a paixão por Ophelia (assim mesmo com ph), os tiques e os pequenos vícios, num trabalho intenso do ator a ocupar sozinho todo o palco, buscando vozes, ritmos e atmosferas. No início, Pessoa levanta-se, como se acordasse do seu túmulo, e voltasse lentamente ao mundo, num desdobramento de personagens, recolhendo do chão cheio de cascas de árvore os adereços: óculos, chapéu, caderno de apontamentos e chávena de café.

A estrear no dia 20 de fevereiro, pelas 16:00. Saber mais em Teatro Bocage.

É o título da peça em cena no Clube Estefânia (Espaço Escola de Mulheres Oficina de Teatro, Lisboa), em produção da Buzico, com texto e encenação de João Ascenso, cenografia de Francisco Peres  e figurinos de João Ascenso e Ruy Malheiro. Prefiro a encenação à história: Mónica (Raquel Rocha Vieira) perdeu o marido, Henrique (Pedro Barroso); este gostara anteriormente de Luísa (Isabel Guerreiro); Jorge (Ricardo Lérias) era amigo de ambas e confessara um dia que gostava de Henrique. Não era um triângulo, mas um quadrado. Amigas desde a infância, na adolescência e como jovens adultas Mónica e Luísa brincavam a trocar namorados e a classificá-los, como se fossem coisas ou joguetes nas suas mãos. Depois, Henrique apareceu, começou a gostar de Luísa mas apaixonou-se por Mónica, com quem casou. No dia do acidente que o vitimou, ele telefonara a Luísa e levava no casaco uma velha fotografia com ela. Rompera com Luísa e queria voltá-la a ver muito. Isto é revelado ao longo da história.

Na história, a viúva Mónica aparece doente e encerrada em casa há um ano, sem capacidade de fazer sequer um lanche, com o apoio desvelado de Jorge. Quando chega Luísa, desfaz-se o desequilíbrio – ela considera Mónica de boa saúde e Jorge obstinado e vítima. Chama-lhe porteira com algum carinho mas desata logo a reprovar o seu comportamento. Henrique, morto e amado/odiado passeia-se pelo palco como um fantasma, narra partes da história para a compreendermos melhor. Cada personagem fala com os espectadores, a narrar a sua perspetiva e segredos, com a luz (de Paulo Santos) focada nas suas palavras, deixando as outras personagens no escuro e em suspenso. Luísa vem também até à janela, a realçar a sua posição. No fundo, os três amigos são viúvos e suspensos nas suas memórias, que procuram levá-las até à eternidade. Jorge, aparentemente o elemento mais frágil, seria o guardador dessa memória. Quando todos compreendem que a situação se torna insustentável, pelas contradições que encontram e pelos segredos contados finalmente, voltam à antiga amizade e à vida. A janela aberta por Luísa com a ajuda de Jorge é a imagem mais bem conseguida disso.

João Ascenso, que terá imaginado como se pode perder alguém que se ama, olhou agora, quando preparou a encenação, o texto com estranheza. Porém, encontrou sentido nessa travessia.

Retiro da página do Facebook de Isabel Guerreiro as suas impressões sobre os colegas de representação: “Ricardo Lérias, meu mestre na vida, orientador de tanta coisa. Protector. Amigo. Companheiro. E agora voltamos juntos a palco. Da primeira vez que o fizemos sentimos a faísca. Agora fazemos faísca… «porteira»! Pedro Barroso, tu nem tens noção da enormidade que és como actor. E do quanto me tens dado. Pequenas trocas de olhar, muito rápidas porque não podemos mais, têm sido o bastante. Obrigada! João podes escrever uma coisa que eu possa olhar para o Pedro de frente e usar esta enormidade dele? Obrigada! Raquel, não é fácil de repente subir a um palco e uma desconhecida ser a tua melhor amiga que te traiu mas que tu amas perdidamente na mesma. Mas foi. E porquê? Porque tu estás ao meu lado e fazes a Mónica. Não receies. A tua entrega diária mostra bem o que és. Todos os teus mimos são um bálsamo. Vamos fazer isto de mãos dadas”.

Foi um apelo emocionado no final da representação de Bocage nos Lábios de uma Mulher, texto e encenação de Florbela Oliveira, cuja carreira de apresentações terminou hoje no Teatro Bocage, aqui em Lisboa. Já com 35 encenações na sua carreira, a atriz e encenadora apresentou os jovens membros em cena. A peça, que combina o teatro musical com a obra e o perfil pessoal do poeta Bocage, segue com fidelidade a sua vida e obra literária, com poemas e textos do poeta, e a história criada pela encenadora.

Na representação, destaco Andreia Trindade, pela sua juventude e força com que desempenha a personagem masculina do poeta. As atrizes destacam-se no elenco, como Margarida Serra e Rute Moreira. Mas também Sandro Morgado como compositor e direção musical e David Silva na coreografia. Sala quase cheia com público maioritariamente jovem.

David Lindsay-Abaire nasceu num bairro operário em Boston sul em 1969. Conseguiu uma bolsa de estudos do Boy and Girls Club e iria estudar para a Milton Academy e, depois, as universidades nova-iorquinas de Sarah Lawrence e Julliard. No final da década de 1990 começou a trabalhar como autor dramático e ganhou um Pulitzer para o Teatro (2007).

A peça Boas Pessoas pode ser a obra mais autobiográfica do autor. Daniel (Pedro Laginha) sairia do bairro operário de Boston Sul e estudaria medicina. Depois voltou à cidade mas instalou-se numa zona rica. David Lindsay-Abaire também parece viver uma espécie de emigrante ou estrangeiro – não sendo de Boston ou de Nova Iorque ou de outra cidade onde viva.

Voltar a Boston para ver o bairro e as transformações entretanto ocorridas reflete-se no modo como o autor arquiteta a sua história, em que Margarida (Maria João Abreu), amiga de infância e namorada (dois meses), procura Daniel para pedir emprego. Ela tinha uma filha já adulta, nascida prematura e ainda dependente da mãe. Isso levava Margarida a chegar consecutivamente atrasada ao emprego, até ser despedida através do encarregado Sérgio (Luís Lucas Lopes) da loja de “Tudo a um Euro”. A história junta ainda duas personagens que pertencem ao círculo próximo de Margarida: Júlia ou Ju (numa voz portentosa de Sílvia Filipe), amiga íntima, e Dulce (Irene Cruz), senhoria e também confidente da primeira. Só pelas cenas passadas no bingo entre as três mulheres, a que se junta Sérgio, a peça merece ser vista. Há ainda uma longa cena em casa de Daniel, com a mulher deste, Catarina (Leonor Seixas), com a presença de Margarida, convidada para um festa entretanto anulada. Destaco ainda a encenação (Marta Dias), o cenário (Catarina Barros) e os figurinos (Dino Alves), além dos sete coelhos, pela coreografia e pelo desempenho na mudança de cenários.

David Lindsay-Abaire julgava que a sua peça teria um curto período de tempo e que se apagaria rapidamente. Mas a crise financeira relevou as desigualdades sociais e económicas e criou grandes níveis de desemprego nos Estados Unidos, como se verifica também em Portugal, o que mantém uma grande atualidade. Na peça, Daniel não valoriza o fator sorte mas considera que o que lhe aconteceu foi resultado do seu esforço, o que não aconteceu com Margarida. Aqui, faço um novo paralelo entre autor e personagem: só há pouco tempo é que David Lindsay-Abaire descobriu que a bolsa se destinava a premiar um atleta, coisa que ele não era – o que ilustra o fator sorte. Claro que a isto devemos juntar a perseverança dele.

A peça tem momentos sérios, pois trata de problemas sérios, mas a forma como se apresentam os diálogos, o tom irónico colocado em muitas das situações, levam a que a mensagem seja recebida pelo espectador de modo agradável. Afinal, Boas Pessoas leva-nos para o que as pessoas são mas também para os seus discursos. Uma coisa é o que o indivíduo é, outra é o que ele julga ser e o como os outros o veem.

Adenda (em 18 de janeiro de 2016): Sobre a atriz principal e a encenadora, ler aqui artigo do Diário de Notícias.

José Carlos Abrantes, no passado mês de julho, surpreendeu com a sua participação na peça A Ronda de Arthur Schnitzler, no Teatro de Turim. Eram dez diálogos onde as personagens vivem encontros e várias formas de se relacionar com o outro, tudo isto vivido a diferentes tempos, num espaço comum. Com encenação de Patrícia Lucas e produção Teatro Turim (Lurdes Silva) e interpretação de Bárbara Água, Elisabete Jarró, Luís Correia Rafael, José Carlos Abrantes e Sara Braz Ferreira e luz de Henrique Moreira. Por razões pessoais, não pude ver. Por isso, fui ao encontro de José Carlos Abrantes e entabulámos uma conversa agradável em esplanada do Jardim das Conchas numa manhã deste mês de setembro. Além da peça, falámos de outros tópicos, mas o vídeo versa apenas sobre essa experiência no teatro.

José Carlos Abrantes exerceu as funções de Provedor do Telespectador da RTP entre 2 maio de 2011 e 30 de abril de 2013. Nesse período fez cerca de 80 programas Voz do Cidadão, exibidos em todos os canais da RTP. Foi também Provedor dos Leitores do Diário de Notícias entre fim de abril de 2004 e junho de 2007.
Foi professor de Teoria e História da Imagem na Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra(1994-2001) e na Escola Superior de Comunicação Social de Lisboa. Em Coimbra leccionou também Comunicação Audiovisual. Foi membro da direção do Instituto Jornalísticos.
Foi também professor na Universidade Aberta, na Universidade do Algarve , no Instituto Politécnico de Castelo Branco e deu aulas na Universidade Católica de Louvain, no quadro do Programa Erasmus. Tem organizado eventos culturais e mediáticos em parceria com a Livraria Almedina, o Teatro S, Luís, o Instituto Franco Português e algumas Universidades (Universidade de Coimbra, Universidade Nova, Universidade Católica., entre outras).

Foi sócio fundador da Associação Portuguesa de Comunicação (Sopcom) e do Centro de Investigação Media e Jornalismo (CIMJ), tendo feita parte da direção deste último. Trabalhou com a imprensa escrita, a rádio e a televisão. Alimentou vários blogues (um deles dedicado às imagens, As Imagens e Nós) e está presente no Facebook e no Twitter. Publicações mais recentes
Em escrita: Os Poderes das Imagens, a aparecer em 2016
Abrantes, J.C., Nós, os Leitores, Lisboa, Edições 70, 2008
Abrantes, J.C. e Daniel Dayan (Orgs), Televisão: Das audiências aos públicos, Livros Horizonte/CIMJ, 2006
Abrantes, J.C. (Org.), Ecrãs em mudança, Lisboa, Livros Horizonte/CIMJ, 2006
Abrantes, J.C (Org), A construção do Olhar (Coord), Livros Horizonte/CIMJ, 2005
Abrantes, J.C., 1001 Razões para Gostar de Portugal, Lisboa, Texto Editores, 2005.
Foi director da colecção “A Construção do Olhar”, das Edições 70, que publicou livros de Monique Sicard, Serge Tisseron, Daniel Dayan, Ema Sofia Leitão e Rogério Santos.

Há um jogo inicial de palavras, trocando a ordem de duas letras: corpos e porcos. Ambos são objeto de prazer – os corpos feitos para amar, os porcos para comer. Mas a peça de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) é muito mais complexa do que isso, o que provoca o riso, por vezes, e a preocupação, noutras. Pocilga, já tornado filme pelo autor, conta a história de Julian, um rapaz que oculta a sua linha sexual, afastando-se da rapariga que o ama e não compreende o seu comportamento, escondendo-se junto aos porcos. Estes acabam por comer aquele, sem que os camponeses, habitantes para além da horta, tenham tido tempo para socorrer o rapaz. O pai deste era um homem com poder, um industrial com aspirações políticas, com um adversário igualmente poderoso e também industrial, que procura esmagá-lo com a sua capacidade intelectual e económica. Este último tinha um passado nazi e pode ser denunciado. Ida, a rapariga que se apaixonara por Julian, participaria numa manifestação alemã pela paz em Berlim e acabaria a casar-se com um reformista.

Subtil é o jogo conversacional de Julian com o filósofo Espinosa na pocilga. Em fundo, a situação política alemã da época, onde se conciliavam o passado nazi e a burguesia no poder, (o texto foi escrito em 1966). Pergunta Julian se o recém-chegado à pocilga é o novo médico, ao que o interpelado responde ser Espinosa, o que causa muito espanto no jovem.

John Romão foi tradutor e encenador da peça, com música de José Álvaro Correia e figurinos de Carolina Queirós Machado. Na interpretação, destaco Ana Bustorff, João Lagarto, Albano Jerónimo e Mariana Tengner Barros.

A portuguesa Cucha Carvalheiro, que nasceu em 1948 e dirigiu o Teatro da Trindade (2009-2013), o moçambicano Alberto Magassela, que nasceu em 1966, e o angolano Daniel Martinho são os atores que entram na peça Mar me Quer, a partir de um conto do moçambicano Mia Couto, nascido em 1955, que este e a moçambicana Natália Luiza, nascida em 1960 e co-directora artística do Teatro Meridional, adaptaram.

As personagens são Mulata Luarmina e Zeca Perpétuo, já velhos e a viverem junto à praia, amigos porque vizinhos e sozinhos ao mesmo tempo, procurando estabelecer laços mais fortes para ficarem um com o outro, e Avô Celestiano, a sabedoria do tempo, já falecido mas que aparece nos sonhos de Zeca e o orienta a conquistar o coração daquela mulher. Se não o conseguir, o prémio é a morte.

75 minutos oníricos, como diria Natália Luiza enquanto aconselhava a desligar os telemóveis, antes da entrada na sala. A representação retomava a estreia da peça em 2001 no Teatro Taborda, em Lisboa. Catorze anos depois, os artistas e a encenadora estavam mais velhos mas mais conscientes da precariedade da vida e das suas situações. Em vez de usarem uma peça buscando o discurso social e político, mais apto para estes tempos difíceis, o Teatro Meridional, aqui em Lisboa, levou os espectadores a um espaço sonhável.

Valeu a pena. Eu sai do teatro calmo e a refletir no tema principal e nas ideias em torno desse desejo de harmonia entre duas pessoas já velhas mas sozinhas. Os segredos que existiam entre os dois foram-se esbatendo. Ele, que tinha medo das gaivotas porque empurrara a mulher para o precipício, ela porque fora a mulher que desaparecera no mar, com todos a julgarem que morrera. Assim, a morte e os seus agentes humanos estão presentes em toda a história. A passagem na vida parece uma experiência de dias e noites com relatos, amizades, histórias e sortilégios, sem que o tempo, como os ocidentais pensam, se encontre. O espaço cénico e figurinos de Marta Carreiras e a música de Rodrigo Leão contribuem para o deslumbramento desenhado pela fala dessas personagens às vezes irrealistas às vezes poéticas mas sempre compreensíveis e com uma alegria sadia mas comedida. Ainda outras vezes o uso das palavras diverte, porque cria trocadilhos e imagens mentais ricas.

Diz Mia Couto sobre este conto, aconselhado para o oitavo ano: “Um dia o padre Nunes me falou de Luarmina, seus brumosos passados. O pai era um grego, um desses pescadores que arrumou rede em costas de Moçambique, do lado de lá da baía de S. Vicente. Já se antigamentara há muito. A mãe morreu pouco tempo depois. Dizem que de desgosto. Não devido da viuvez, mas por causa da beleza da filha. Ao que parece, Luarmina endoidava os homens graúdos que abutreavam em redor da casa. A senhora maldizia a perfeição de sua filha. Diz-se que, enlouquecida, certa noite intentou de golpear o rosto de Luarmina. Só para a esfeiar e, assim, afastar os candidatos. Depois da morte da mãe, enviaram Luarmina para o lado de cá, para ela se amoldar na Missão, entregue a reza e crucifixo. Havia que arrumar a moça por fora, engomá-la por dentro. E foi assim que ela se dedicou a linhas, agulhas e dedais. Até se transferir para sua atual moradia, nos arredores de minha existência” (Leya). Ou ainda como escreve o autor: “Mas é pena eu e a vizinha não nos simetricarmos. Por que ambos somos semiviúvos: nunca tivemos companheiro, mas esse parceiro, mesmo assim, desapareceu” (primeiro capítulo do conto).

De Neil LaBute (nascido em Detroit, em 1963), já vira Há Muitas Razões para uma Pessoa Querer Ser Bonita (2008), no Teatro Aberto (2013). Agora, como exercício final do segundo ano do curso profissional de atores da escola ACT, 19 jovens atores e atrizes interpretam Socos (1994). O número de personagens é bem menor, mas a representação no Teatro Comuna (Lisboa) permite que cada personagem seja interpretado por dois ou mais elementos da escola.

São três histórias principais, monólogos na multidão a que se juntam monólogos rapidamente representados no começo do intervalo e fora do palco. As histórias não são narradas sequencialmente mas cruzadas, indo do mais simples e menos dramático para o mais complexo e obscuro. Como se lê no texto fornecido aos espectadores, as histórias iniciam “acontecimentos aparentemente comuns da vida quotidiana, e acabam por surpreender ao revelar, com crescente intensidade dramática, o lado obscuro da alma humana, os segredos escondidos atrás das fachadas e as trágicas consequências dos pequenos acasos”. Ou como anteontem me dizia, quase pelas mesmas palavras, Pedro Lopes no final da sua dissertação de mestrado sobre melodrama.

A primeira história é a de um casal de namorados que fala dos acontecimentos de um fim de semana passado em Nova Iorque. O assassinato de um indivíduo por causa das suas tendências sexuais interliga-se. A segunda história é a de um homem de negócios. A empresa em que trabalhava começou a despedir pessoas. Em casa, num momento em que a mulher e a sogra tinham saído para compras, ele adormece no sofá. Quando acorda, a sua filha bebé está morta. Ele não conseguiu explicar o sucedido. A terceira história é a de uma rapariga de 13 anos seduzida pelo professor. A criança nascida só conhece o pai com 14 anos. Esta é, para mim, a história mais violenta, revelando um mundo cruel e sem esperança. Por instantes, estive para sair da sala no intervalo e não regressar.

A peça de LaBute é constantemente percorrida pela palavra grega adakia (ou pela ausência de lembrança), o equilíbrio aristotélico entre extremos. Melhor: a injustiça das situações humanas, porque os indivíduos são seres mortais.

Sofia de Portugal, atriz conhecida pelo trabalho quer em teatro quer na televisão e professora da escola ACT, assina a encenação. Às histórias, ela acrescenta uma grande criatividade, com recursos materiais (como os copos na mesa, as cenas em cima da mesa ou quase debaixo da mesa, as danças de tango) como imateriais (a estátua em alguns momentos, a câmara lenta noutros, apelando à memória de outras indústrias criativas). A sua condução de artistas pareceu-me muito boa, pois o nível de desenvoltura (voz, gestos, ocupação de espaço) não é igual em todos. Mas o todo – a ideia de festa lentamente desfeita, passando dos risos e da descontração para a tristeza e choro após o assassinato do homem no Central Park – foi sendo bem edificada. A cena final das velas, ofuscada a anterior quase orgia de bebida e tabaco, trouxe um grande dramatismo. Para mim, deste modo, acabou bem a representação. Acrescento o grande entusiasmo e envolvimento dos 19 jovens artistas, expresso nos gritos de alegria quando se retiraram do palco.

Tradução do texto por João Lourenço e Vera San Payo de Lemos

[imagem retirada da página do Facebook a promover a peça].

Luísa Cruz desempenha muito bem o papel de Regina Giddens na peça As Raposas, de Lillian Hellman. Não é um registo autobiográfico da escritora, apesar dela ter observado uma realidade semelhante na sua infância, a dos jogos de poder dentro da família. Cada elemento vangloriava-se de ser mais rico e hábil nos negócios que os outros familiares, tema usado com frequência nas reuniões familiares mais ou menos regulares à volta da mesa. A Regina da peça representada no Teatro Aberto é paciente, tenaz e dura para com os irmãos e o marido. Ela sabe esperar o seu momento de ataque, aliás secundada por um dos irmãos, Benjamin Hilton (Virgílio Castelo), que, no final, reconhece que perdeu mas há mais situações no futuro. O mundo, a seus olhos, é construído por ganhos e perdas, processo dinâmico a que os mais fortes e ágeis estão atentos.

O cenário fixo, desenhado por António Casimiro e João Lourenço , decompõe-se em três espaços. A sala, onde decorre a maioria dos diálogos, o fundo, de entrada para a casa e onde se observa o verde da paisagem, a escada, onde o desenlace se dá: Henrique Giddens, regressado a casa após vários meses numa clínica, morre de ataque cardíaco no momento em que procurava um remédio. A mulher, Regina, mantém-se fria sentada no sofá à espera que ele morra. Em jogo estavam 30 milhões de euros em ações, roubados pelo sobrinho Leonardo (Pedro Caeiro) e que Henrique não queria que fossem para Regina. Roubo, traição, perfídia e interesses individuais face ao coletivo são tópicos fundamentais da peça.

Das outras personagens, retive a de Betty Hilton (Gracinda Nave), a mulher-boneca e que foi a oportunidade para Oscar Hilton (Marco Delgado) aceder à riqueza e aristocracia à moda americana. Hábil a tocar piano, ela confessa não saber fazer nada na vida e passa os dias a beber para esquecer a perdida Quinta dos Leões e o tempo dos seus pais, que procuravam ser mais honestos entre si e respeitosos da condição dos seus trabalhadores. O negócio, agora em desenvolvimento, com a entrada de um financeiro para expandir linhas de produtos, William Marshall (Eurico Lopes), permitia um leve sonho dela regressar a esse tempo de inocência. Mas os restantes elementos da família logo se encarregaram de eliminar essa possibilidade.

A peça teve adaptação ao cinema em 1941, com realização de William Wyler e Bette Davies no papel de Regina, e à ópera em 1947, com o título Regina e música de Marc Blitzsein. Em Portugal, a peça, com o título As Pequenas Raposas, foi estreada em 1966, com Eunice Muñoz, Maria Lalande, Rogério Paulo, Henriqueta Maia e João Perry, entre outros. Então, Perry fazia de Leonardo, o filho de Oscar que roubou as ações de Henrique; agora, faz o papel do mais velho.

Por instantes, a partir das diferentes posições de cada membro da família representada, lembrei-me da história do banqueiro Ricardo Salgado, da família deste e do Banco Espírito Santo.

O velho estava à espera da morte. Talvez dentro de uma ou duas semanas, no próximo mês (“Em breve estarei morto finalmente apesar de tudo”). Já não veria passar as festas, como a Assunção. É um longo solilóquio de um homem marginal, sem abrigo, ao mesmo tempo que uma espécie de filósofo. A longa vida servira para isso – para olhar a realidade e dar um retrato. Incluindo uma discussão científica.

Agora, que esperava a morte, sentia a falta de um amigo para conversar. Ou da mulher, que nunca teve, e, por consequência, dos filhos e dos netos (“Nunca amei ninguém, acho eu, senão lembrava-me”). Podia comentar o que pensava de cada um e aguardar o jantar, num lugar reconhecido pelos outros. Por isso, falou do pai e da mãe, de memórias muito antigas.

Rapidamente nos apercebemos que as relações com eles não foram boas. O pai, que lhe chamava aborto, morreu cedo. À mãe, chamava-lhe Mad (o d servia para distinguir de má). A mãe chamava-lhe Dad, nome que não era o dele, mas talvez lhe lembrasse o seu pai (marido dela). Ela era muito nova quando ele nasceu, pelo que as idades de mãe e filho não eram muito distantes, em especial quando ele já estava a envelhecer. Ele visitava-a e comunicava com ela por código, em especial para obter dinheiro. Ela falava com a dentadura postiça, como se fossem castanholas.

Dele, fica-se a saber que andou na escola, onde aprendeu muito, incluindo geometria. Mas não se sabe se e onde trabalhou. Talvez tivesse sido sempre vagabundo. A sua vida de homem isolado levou-o a encontrar jogos e entretenimentos próprios, como o dos dezasseis seixos que ele armazenava nos seus quatro bolsos. Como chupar cada um deles sem saber que já o tinha chupado antes dos restantes?

Em jovem, gostava de andar na rua, recordando que deixava a mãe à janela. A parede era cinzenta, o friso da janela era verde e a mãe, à medida que se afastava de casa, era um ponto delgado branco a acenar com a mão. Ele detestava a cor branca. Até sonhava com animais de cor branca, o que aumentava a sua fúria. Naqueles tempos em que ele esperava morrer, uma tarefa muito lenta, ele queria ter menos fúrias e estar calmo. O que era difícil.

A apreciação que o velho faz de si não é agradável. Há um momento em que o velho se reconcilia com a vida, ao dizer que não se arrependia de nada do que fizera na vida.

Beckett não fez um retrato feliz da humanidade. E João Lagarto representou muito convincente no papel da personagem. Um sobretudo roto e cheio de pó, o cabelo despenteado, com tosse frequente, algumas imprecações de permeio, uma queda no chão mas o retomar da energia, os passos lentos, a voz por vezes forte e por vezes mais íntima e próxima dos espectadores.

Seria no novo Teatro do Bolhão (Porto), agora tornado centro por excelência da cultura da cidade, que João Lagarto representa Começar a Acabar, monólogo escrito por Samuel Beckett para o amigo Jack MacGowran. Na estreia, teriam sido convidados os mendigos de Dublin para assistir. João Lagarto, que estreou em 2006 no Teatro Nacional D. Maria II, que eu não assistira, voltou à peça.

À Espera de Godot e Ah, os Dias Felizes são as peças mais conhecidas do autor irlandês que viveu uma parte significativa da sua vida em Paris. Da atual peça, que começou por ser a agregação de textos fragmentárias de Beckett, pode ver-se um curto vídeo aqui.

A palavra transmissão está contaminada pela teoria matemática da comunicação de Shanon e Weaver, que procuraram resolver problemas de ruído e qualidade de som nas ligações telefónicas. A peça do grupo Visões Úteis (Ana Vitorino, Carlos Costa e João Martins), agora no Rivoli (Porto) tem pormenores interessantes, como o uso de alguns adereços. A personagem Carlos diz tratar-se ainda de um ensaio, em busca de melhorar as linhas da peça. As parcerias do projeto agora no palco revelam pormenores ricos, como a recolha de frases ditas por populares nos autocarros da cidade, efetuada por alunos de Sociologia da Universidade do Porto. A importância de refletir sobre a identidade nacional, tipo “não participamos, pois não podemos alterar nada”, porque “eles controlam tudo”, culpando esses “eles”, encolhendo sistematicamente os ombros e aceitando submissos a realidade social atual.

Para a companhia EOS Theatron, Troya Naos é “uma revisão contemporânea dessa epopeia vista pelos olhos de quem mais a sofreu, as esposas, as filhas, as mães. Uma montagem de dança e teatro que pretende ser um apelo da vida contra a ausência de razão e a loucura da destruição, da morte”. Na realidade, a peça articula de um modo singular a representação, a dança, a luz e a música, um espetáculo quase total. Os adereços teem uma importância vital na representação: a estrutura metálica é casa, prisão, navio, ponto alto onde se fala e escuta, porta de entrada e saída, escada; os panos servem para vestir, vela de navio, esconderijo, simples elemento estético a voar no espaço. O único reparo foi a colocação da voz de alguns dos atores, em palco que não tiveram tempo de conhecer e com representação em castelhano.

Dirigida por Maru Bernal, a peça de Eurípides agora exibida no Fundão contou com os atores Cesar Marañón (Ulisses), María Rodríguez (Briseida), Adrián Moreno (Heitor), Hugo Villegas (Aquiles), María Canel (Penélope), Carlota Díaz (Andrómaca), Sonia Rábago (Andrómaca), Ana Fernández (Climnestra) e Maru Bernal (Helena). A companhia tem sede em Cabezón de la Sal, na comunidade autónoma de Cantabria (Espanha).

Ver a apresentação da peça aqui.

O texto e a dramaturgia pertence a Zeferino Mota, a encenação é de João Paulo Costa. O piano tem Ernesto Coelho como seu executante e os atores são Ana Luísa Queirós, Beatriz Frutuoso, Miguel Lemos, Pedro Roquette, Rita Lagarto e Tiago Araújo. A Revolução. Dos que não Sabem Dizer Nós representa-se num redescoberto (e magnífico, ainda a cheirar a tinta nova) Palácio do Bolhão, mesmo perto do mercado com o mesmo nome (agora que se volta a falar na sua requalificação).

A peça fala das revoluções, numa época em que a política parece menos interessante. Texto entre recordações (da revolução francesa ao movimento anonymus, passando pelo maio de 1968 e pelo 25 de abril de 1974), música (como a de José Mário Branco e Victor Jara e a recolha de Fernando Lopes Graça) e music-hall. A peça fala dos descamisados, dos pobres, dos desempregados e dos (e)imigrantes. Por um momento, lembrei-me do primeiro-ministro britânico hoje na televisão a falar dos barcos de patrulha que o seu governo ia dispensar para patrulhamento do mar Mediterrâneo, a propósito dos naufrágios de barcos vindos da Líbia com gente fugida à guerra e que morre nesses abarrotados barcos.

Gostei bastante do desenho de luz (Cárin Geada) e dos figurinos (Lola Sousa). Peça alegre e ritmada mas a procurar despertar consciências. Sala cheia.