A Festa, uma banda desenhada

Julgo ter sido em 1988 que Henrique Leorne fez as vinhetas da banda desenhada A Festa, a partir de um texto meu. Descobri nos meus papéis esta colaboração – na altura, trabalhávamos na indústria das telecomunicações – e resolvi reproduzi-las aqui, numa homenagem ao autor dos desenhos. A Festa era um concurso do melhor mascarado no Carnaval – e que até envolve a televisão.

Realce: a importância do telefone na comunicação humana. O objetivo era fazer uma impressão tipo livro de banda desenhada. Mas nunca foi publicado nem sequer mostrado a alguém. Creio que nem o autor dos desenhos ficou com uma cópia.

A realização da festa é comunicada a muita gente de profissões diferentes: empregada de escritório, basquetebolista, professora do ensino secundário, mecânico. Todos recebem bem a notícia e vão preparar as suas roupas e máscaras. O telefone é sempre fixo. De notar o telefone que liga ao futebolista, com um longo cabo desde a ficha, algo que não era habitual nas instalações telefónicas de então mas que se viam em filmes americanos, quando as conversas eram longas (e românticas).

Numa imagem, Henrique Leorne propôs-me mudar o texto. Onde eu tinha escrito bebidas como vinho e cerveja, ele optou por bebidas não alcoólicas (ver o meu texto no final da mensagem). Era um tempo em que se discutia publicamente a questão, do mesmo modo que o tabaco. Ainda me lembro de ver locutores-jornalistas na televisão apresentarem o telejornal enquanto fumavam. Hoje, é impossível.

Noutra vinheta, observa-se o movimento urbano (transportes públicos e particulares, transporte de bens) e indicação da discoteca da festa. Em fundo, que eu apreciei muito quando Henrique Leorne me mostrou o conjunto dos desenhos, uma cidade de prédios elevados e muitas luzes, a indiciar uma pujante vida urbana. Curiosa, porque datada num tempo, a vinheta do cliente ir à loja de computadores reservar uma mesa para a festa. Hoje, far-se-ia online (em linha). Na mesa ao fundo, um empregado da loja escreve num papel; hoje, usaria um tablet ou telemóvel inteligente.

Já agora, nem um só telemóvel ao dispor dos utentes do metro ou autocarro. O desenhador não podia prever a explosão de aparelhos de comunicação móvel. A primeira empresa em Portugal, a TMN surgiu em 1991 e os primeiros telemóveis eram muito grandes (implantavam-se nas malas dos automóveis) e muito caros.

Uma das imagens tem anacronismos. Se a empresa de telefones pretendia que o consumo (ligações telefónicas) fosse fluído, a ideia aqui é a do “entupimento” (linhas todas ocupadas). A imagem da central manual com telefonistas quase tinha desaparecido com a implantação de centrais digitais. O desenho da telefonista, de perfil, retoma uma imagem de Henrique Leorne feito noutra ocasião da sua colaboração.

Quando o cliente comenta ir para a festa, a telefonista, ainda vista de perfil, lamenta não poder ir. As horas do seu turno de trabalho coincidiam com as da festa. Na vinheta seguinte, onde se recupera o enquadramento de desenho anterior da banda desenhada, vê-se uma carrinha com panos publicitários a anunciar a festa. Ao fundo, no passeio, de forma estilizada, tipos de figuras: o punk (de cabelos eriçados), o janota (de chapéu alto) e a senhora da sociedade (com estola).

Como comentário final, houve sempre uma ligação (ou tentação) das telecomunicações aos media. A televisão é cobiçada pelas telecomunicações em termos de conteúdos e transporte de mensagens. A PT teve no seu portfólio de empresas jornais e uma rádio. Nos anos mais recentes, procurou comprar um canal de televisão generalista.

Observação: faz hoje 15 anos que comecei a escrever nas redes sociais (caso da Blogger.com).

O Pai

A interpretação de João Perry é soberba. Não posso dizer que é a melhor personagem por si interpretada, porque não conheço toda a sua carreira, mas esta está muito bem feita. O Pai é um homem entre 70 e 80 anos, velho e com Alzheimer. Nos diálogos com a filha (Ana Guiomar), percebem-se os momentos de perda de memória e de espaço. A encenação (João Lourenço) ajuda, apoiada na luz (Alberto Carvalho e João Lourenço); as duas criam dimensões dramáticas, de desespero, insegurança, mergulho no abismo, de alucinação e incompreensão dos outros face à realidade do sujeito. O vídeo (Luís Soares) mostra imagens de um menino e de um velho (Perry), numa espécie de retorno.

A filha quer ajudar o pai, mas o dia-a-dia torna-se difícil. O universo mental do pai afasta-se da realidade física. Ele vai esquecendo os locais, confunde relações, vê rostos diferentes. Com a enfermeira que cuida dele, estabelece uma relação de recusa, o que leva a filha a equacionar levá-lo para um lar. O motivo mais próximo é a perda do relógio, em que se acusa a enfermeira de roubo. Mas o relógio está apenas dentro do micro-ondas, local onde costuma guardar alguns dos seus bens. O pai – André – não quer sair da sua casa, quando já habita a da filha. Não se apercebeu da mudança embora percecione móveis diferentes ou ausentes.

Para ser mais realista, a encenação coloca duas atrizes no papel de filha e dois atores no papel de genro e altera a cenografia da casa onde ele está. Em jogo, um processo interno de relacionamento com os outros. A peça mostra a lenta desagregação do corpo do indivíduo. Ele fora engenheiro, agora, perante a nova enfermeira, indica ter sido artistas de variedades. E canta e seduz – mas o brilho do momento apaga-se e ele volta a confundir a realidade, como se fosse um luz a perder-se. Ao escrevê-la, Florian Zeller (1979) recorda a avó cuja demência começou quando ele tinha 15 anos. De uma peça de Ionesco tirou a ideia com que acaba a peça. O Pai, já muito enfraquecido, pede à filha que lhe cante uma cantiga de embalar.

Mesmo no final, quando já está num lar de velhos, ele pretende que a mãe o leve embora daquele sítio – a luz do palco vai-se reduzindo e o ator fica num ponto e numa centelha até desaparecer. O silêncio na sala ficou mais denso e a reação dos espectadores demorada até às palmas.

Do programa, refiro a leitura de dois textos. O primeiro, de Cícero, aponta quatro causas que indicam a infelicidade da velhice: o indivíduo aparta-se dos negócios, o corpo fica debilitado, decresce o número de prazeres a usufruir, está-se perto da morte. Como o indivíduo não é imortal, o que viveu muito tempo deve recordar o que fez honrada e corretamente. O segundo texto pertence a Atul Gawande. O avó dele, indiano, viveu até aos cem anos, admirado pelos mais novos, exercendo a sabedoria e o respeito devido aos mais velhos. Melhor, viveu integrado na família até morrer. Esta, numerosa, tinha sempre elementos que o podiam ajudar. O pai de Gawande foi viver e trabalhar para os Estados Unidos. Aqui, o velho já não vive na família, reduzida a células pequenas. O velho vai passar os últimos anos num lar e aí morrer, com algum conforto material mas sozinho. O Pai da peça de Florian Zeller já está nesta categoria.

Teatro Aberto, com João Perry, Ana Guiomar, Paulo Oom, Sara Cipriano, Patrícia André (Laura) e João Vicente (Pedro).

Museu de Música Mecânica, de novo

No Museu de Música Mecânica (Pinhal Novo, Palmela), aprendi hoje que, antes da gravação de discos, houve gravação em cilindros. O equipamento era usado nomeadamente em escritórios em que as secretárias deixavam mensagens ao patrão sobre o expediente e restantes atividades comerciais da empresa. O que melhora a minha compreensão do registo sonoro. Na rádio, é dito que o registo inicial foi em disco. Será que as primeiras estações de rádio gravaram música em cilindros?

Na fotografia, uma das primeiras juke boxes, marca Regina, de seis cilindros (Estados Unidos, 1912). Colocada num sítio público, funcionava com uma moeda, com seis melodias cujos títulos se expunham na parte superior do aparelho.

No vídeo, o colecionador dr. Luís Cangueiro em três momentos da visita guiada: 1) fonógrafo de Edison, 2) Frank Sinatra numa canção de Natal, 3) canção Auld Lang Syne, melodia popular tradicional, conhecida em países ingleses e cantada para comemorar o começo do ano novo. Robert Burns em 1788 adaptou-a com um poema seu, conhecida como The Song that Nobody Knows, porque ninguém se lembra desse poema, que começa assim: Should auld acquaintance be forgot / and never brought to mind? / Should auld acquaintance be forgot/ and days of auld lang syne? / For auld lang syne, my dear, / for auld lang syne, / we’ll take a cup of kindness yet, / for auld lang syne.

Vinil ultrapassou pela primeira vez a música digital no Reino Unido

Assim começa o artigo de Joana Amaral Cardoso no Público que dá conta do regresso nostálgico do formato analógico do disco. O vinil, caso do álbum lançado em 1948, em tempos o formato dominante, escreve a jornalista, volta a estar presente de uma forma que a cassete, ela também sujeita de um ressurgimento setorial, inveja. Há muito pouco tempo, o descarregamento digital parecia ser o futuro sem qualquer outro formato por perto, o que torna a realidade mais complexa e quase estranha.

Os dados da expansão do vinil são da Entertainment Retailers Association (ERA) britânica: gastaram-se 2,8 milhões de euros em discos de vinil e 2,4 milhões em formatos digitais. Desde 2008, o crescimento do vinil no mercado foi constante após o final do século XX e da quase extinção. Contudo, no geral, o vinil representa apenas 2% do mercado musical. Possivelmente, o crescimento do vinil esteja associado a vendas de Natal e aos locais de venda dos discos, que se alargam das lojas de discos a lojas de vestuário, de decoração e supermercados, mesmo que estes locais não tenham outros suportes disponíveis. E também a ideia de colecionar não é despicienda. No mesmo texto, há uma referência a sondagem da BBC no início de 2016, em que 48% dos inquiridos admitiam não pôr a tocar o disco em vinil que compravam e que 7% nem sequer eram proprietários de um gira-discos. Um lado positivo do ressurgimento do vinil é o impacto no bolso dos artistas, muito dependentes das atuações ao vivo para fazer dinheiro.

Hugo Ribeiro e a Valentim de Carvalho

Sigo de muito perto a notícia publicada no Diário de Notícias sobre Hugo Ribeiro (1925-2016), que começou a trabalhar na firma de discos Valentim de Carvalho na década de 1940, então no Chiado (Lisboa).

A partir de 1951, gravou a voz de Amália Rodrigues e a guitarra de Carlos Paredes – o que significa que ninguém soube registá-las tão bem, segundo o editor discográfico David Ferreira, que trabalhou com ele. Hugo Ribeiro viveu um “tempo em que grandes artistas torciam o nariz à ideia de gravar. Obrigou-se a dar-lhes o som verdadeiro”, disse o mesmo David Ferreira, que ainda contou que “em 1961, esperou que Alfredo Marceneiro acabasse a sua ronda pelas casas de fado para conseguir finalmente registar um LP do fadista que já tinha mais de 70 anos. E, mesmo assim, ou ele ou o [editor] Rui Valentim de Carvalho ainda tiveram de se lembrar dum expediente para Marceneiro, que ao chegar ao estúdio queria cancelar o projeto, gravar sem o «ambiente» das casas de fado: vendaram-lhe os olhos”.

Hugo Ribeiro gravou durante cerca de 40 anos, quase todos os grandes do seu tempo: Amália Rodrigues, Alfredo Marceneiro, Hermínia Silva, Carlos Paredes, Max, Maria Teresa de Noronha, Lucília do Carmo, Carlos Ramos, Fernando Farinha, António dos Santos, Celeste Rodrigues, Fernanda Maria, João Ferreira-Rosa, Maria da Fé, Teresa Silva Carvalho, Vicente da Câmara, Tristão da Silva, Alberto Ribeiro, Milú, João Villaret, Trio Odemira, Eugénia Lima, Júlia Barroso, Maria Clara, Maria de Lourdes Resende, Maria de Fátima Bravo, Rui de Mascarenhas, António Calvário, Conjunto Académico João Paulo, Luiz Goes, Simone de Oliveira, Tony de Matos, Duo Ouro Negro, Thilo’s Combo, José Afonso, Sheiks, Marco Paulo, Carlos do Carmo, Frei Hermano, José Cid, Paco Bandeira, António Mourão, Beatriz da Conceição, Jorge Palma, Rão Kyao, Opus Ensemble, Tantra, UHF, GNR, Trovante, Carlos Paião e Vitorino.

Após inauguração dos estúdios da Valentim de Carvalho, em 1963, Paço d’ Arcos, o técnico de som passou a ter outras condições de trabalho e o estúdio atraiu intérpretes estrangeiros como Cliff Richard, Joan Manuel Serrat ou Julio Iglesias. As últimas gravações de estúdio de Carlos Paredes foram também as últimas que fez (década de 1990).

Terrorista elegante

A peça foi escrita por Mia Couto e José Eduardo Agualusa para os 45 anos de atividade da Comuna Teatro. Um homem, angolano, chamado Charles Poitier Bentinho (Miguel Sermão), foi apanhado a sair da Síria, onde teve contactos com o estado islâmico Isis. Chegado a Lisboa é preso e interrogado por polícias nacionais e uma americana – inspetor Laranjeira (Virgílio Castelo), agente Lara (Ana Lúcia Palminha) e agente Maggie (Rita Cruz).

Rapidamente, para o espectador, percebe-se que Charles Poitier Bentinho não é terrorista. Mas sim um homem que vive num universo onírico e não ocidental, uma espécie de feiticeiro que conversa com os pássaros e afasta os demónios de cada indivíduo, querendo resolver os seus problemas, além de um grande coração para as mulheres. Mas cada personagem tem um papel a desempenhar e os polícias têm que apresentar serviço e descobrir o que levou o feiticeiro africano a passar muito tempo na Síria. Ele seria levado pelos olhos do tamanho de um oceano de uma mulher e perseguiu-a até ao Oriente (ele não viu mais nada porque a mulher vestia uma burca).

Gostei especialmente das palavras (falas) de Charles Poitier Bentinho, porque desmonta o mundo racional e lógico em que nos costumamos mover, o que é uma nota positiva para os escritores da peça. Além de divertido na sua inocência, deteta-se uma outra forma de pensar – uma lógica não cartesiana. O título do seu livro Minas e Armadilhas não é o que pensam os polícias mas apenas um manual de cortesia para com o sexo oposto. Convencido que a aparência no vestir é o primeiro passo para uma conquista ou solução, e após ouvir desabafos ou confidências dos polícias, ele muda de papel e passa de bandido a conselheiro, indicando-lhes os remédios para afastar os problemas.

No final, como cada personagem cumpre um papel, o de Charles Poitier Bentinho é o de ser expatriado para os Estados Unidos, para a prisão de Guantánamo. Contudo, ele exerce uma grande influência nos seus carcereiros, com os comportamentos dos polícias a mudarem: o inspetor passou a vestir-se no alfaiate de Bentinho e voltou a sair com Lara, ao passo que a americana Maggie ficou com uma imagem distinta (e humana) de África.

Charles Poitier Bentinho é um contador de histórias. Afinal, a atividade central do seu intérprete, Miguel Sermão. Por isso, o papel está tão bem construído. Versão cénica e encenação de João Mota.

O silêncio e os intelectuais

Reconheço que não dei o devido valor ao livro de Tito Cardoso e Cunha, Silêncio e Comunicação. Ensaio sobre uma Retórica do Não-Dito, saído em 2006. Comecei a lê-lo e, mergulhado em aulas, leituras e obrigações burocráticas – passara a coordenador científico da área da Comunicação da Universidade Católica -, deixei-o sob outros volumes à espera de tempo. Agora, lembrei-o, ao ouvi-lo na conferência organizada por Mário Mesquita, Os Intelectuais na Democracia, com Maria Inácia Rezola, Tito Cardoso e Cunha e Luís Filipe Castro Mendes.

Os temas de Tito Cardoso e Cunha, de que guardo boa memória de aulas suas no mestrado da Universidade Nova de Lisboa, pela atualidade e humor fino na análise da contemporaneidade, mantêm-se atuais face ao livro. Escrevia ele sobre a dicotomia entre o silêncio – expresso, por exemplo, na leitura reflexiva de um livro – e a sobreabundância de informação no audiovisual tornada ruído, entendido como medida da perda de sentido. De uma forma mais específica, o autor compara o recolhimento silencioso que a (suposta) observação religiosa permite com o materialismo da modernidade e da industrialização. E, um pouco mais à frente, refere Platão, no Górgias, que opunha a retórica, arte que opera pela palavra, à pintura, cuja imagem se nos mostra silenciosa. Tudo isto está, conclui, ultrapassado pelas tecnologias multimedia. E cita M. Picard (The World of Silence, 1952) sobre a rádio, “máquina que produz ruído verbal absoluto. O conteúdo já pouco importa; a produção do ruído é a principal preocupação”.

Na sua comunicação, Cardoso e Cunha entende que a democracia precisa do uso da palavra e do discurso. Enfatiza: a presença do intelectual faz-se pelo uso da palavra. E suporta-se em George Steiner (The Retreat from the Word). O retraimento da intervenção pública do intelectual torna-se evidente no tempo da televisão, ritmada pelo soundbite, meio eletrónico apto para a retórica patética e para excitar as comoções. Hoje, há falta de tempo. Pierre Bordieu (Sobre a Televisão) concluía que a televisão não é favorável à expressão do pensamento. Na urgência não há tempo a perder. Ora, a democracia tem como regra a circulação livre da palavra, ao passo que a não democracia é da ordem da silêncio e da censura. Cardoso e Cunha falaria ainda da distinção entre o intelectual – cuja linguagem tem dificuldade de chegar a sua intervenção e compreensão não redutíveis à linguagem comum – e especialista – aquele que fala para pares especialistas. Ou técnico do saber prático, como diria Sartre.

Escritores esquecidos

Recordar os Esquecidos, tema que João Morales propõe uma vez por mês na livraria Almedina (Saldanha, Lisboa). Desta vez, os escritores escolhidos para a tertúlia foram Nuno Camarneiro e Nuno Costa Santos. Eles falaram sobre Georges Perec, Jorge Listopad, Augusto Monterroso, Giovanni Papini, Aquilino Ribeiro, Rui Knopfli, Sá de Miranda, Emanuel Félix e José Martins Garcia. Geografias, percursos, géneros, biografias, poesias, inclinações políticas ou religiosas, costumes e épocas foram algumas ideias sobre os autores, que para os dois escritores e moderador precisam de ser reabilitados, republicando e falando deles. Uma hora e meia de agradável conversa.

Museu de Música Mecânica

O Museu de Música Mecânica excedeu as minhas expectativas. Situado em Pinhal Novo (Palmela), em edifício construído para o efeito (em forma de caixa de música), alberga cerca de 600 peças de música mecânica, coleção que Luís Cangueiro começou em 1987, quando comprou uma máquina de música mecânica num centro comercial de Almada por 30 mil escudos (quase 470 euros a preços atuais). Luís Cangueiro foi professor do ensino secundário e dedica-se à publicidade e ao hipismo.

De um pequeno texto do colecionador, retiro: “Destes instrumentos poderiam ouvir-se as mais belas melodias, rodando simplesmente uma manivela, dando corda a uma mola, acionando pesos, movimentando pedais, articulando foles”. De uma notícia do Público, de há quatro anos, sobre a coleção então ainda à espera de sítio definitivo, retiro a seguinte parcela: “E que sistemas [de produção de sons] são esses? Os cilindros de madeira, por exemplo, eram movidos rodando uma manivela e activavam várias peças, tais como um Gem Roller Organ de 1887 para se ouvir 39 segundos de Auld Lang Syne, uma conhecida canção tradicional inglesa de Ano Novo, ou um piano bastringue que toca sozinho a valsa Douce Risette. Os cilindros de metal são usados nas caixinhas de música. A Edellweiss (peça do final do século XIX) usa um disco de metal para ressoar 63 segundos de um excerto de La Fille de Madame Argot, uma ópera cómica criada por Charles Lecocq em 1872. Já o Coelophone Orquestre, uma peça francesa de 1884, prefere uma simples banda de cartão. E o gigantesco Seybold, que junta um piano, um acordeão e um tambor numa mesma peça, é capaz de animar uma sala com Mimi d”Amour usando um frágil rolo de papel”.

Num olhar mais preciso, noto similitudes em tecnologias: entre aparelhos de música mecânica e telefones, na transição do século XIX para o XX; no cartão perfurado de aparelhos de música mecânica a lembrar os computadores das décadas de 1950 a 1970.

 

 

Descobri um texto – que coloco a seguir, escrito por Teresa Margarida Cangueiro (e colegas) em abril de 2013 aqui – sobre o que se esperava do museu, agora tornado realidade (inaugurado em outubro de 2016):

“A música é algo intrínseca ao ser humano. A sociedade contemporânea tem uma relação diária com gira-discos, leitores de cassetes, ipods, iphones”, afirma Luís Cangueiro, “A história é a memória da humanidade, e será através das sonoridades que estes instrumentos nos transmitem que as gerações vindouras poderão recriar e reviver uma época já longínqua”. A prática colecionista de Luís Cangueiro remonta a muitas décadas atrás.

Em 2000, a coleção de instrumentos de música mecânica já contava com cerca de três centenas de peças. Como consequência, o proprietário deste importante espólio decidiu que se justificava
a construção de um espaço próprio, de forma a poder preservar e expor estas peças de forma condigna. Tratar-se-ia de um espaço museológico privado, de acesso restrito a familiares e amigos. O interesse em aumentar a área de construção de um pequeno espaço, destinado a utilização privada, seria transformar a edificação já quase concluída num projeto de museu que pudesse ser considerado de relevante interesse cultural. “A iniciativa da construção deste museu tem como objetivo contribuir para a divulgação da música mecânica, muito pouco conhecida em Portugal, ao contrário do que acontece com outros países da Europa”, acrescenta Luís Cangueiro. As previsões para a conclusão das obras de construção do museu apontam para o próximo ano.

A coleção prima pelas diversas tipologias que se distribuem pelos mais variados instrumentos. Estes têm como objetivo tentar compreender a importância e o lugar que a música ocupava na sociedade da época da segunda metade do Séc. XIX até aos anos 30 do Séc. XX. O acervo divide-se nas duas grandes áreas da música mecânica: os instrumentos de música mecânica e os fonógrafos e gramofones. A primeira forma de instrumento musical mecânico foi a caixa de música de cilindro, tornando possível ouvir-se música em casa sem ter que aprender a tocar um instrumento. Dentro desta parte da coleção é possível encontrar as diversas tipologias dos instrumentos de música mecânica: caixa de música de disco metálico, caixa de música de cilindro metálico, o autómato, o instrumento de cilindro de madeira, o instrumento de suporte perfurado e diversos objetos ligados a estes instrumentos.

A segunda área da música mecânica é dedicada aos fonógrafos e gramofones. Estes aparelhos tornaram possível gravar e reproduzir no momento seguinte a voz humana pela primeira vez. Estes têm a capacidade de nos transmitir a sua sonoridade por intermédio de cilindros que imortalizam as canções dos artistas do passado.

O primeiro fonógrafo foi apresentado por Thomas Edison em 1877. Esta máquina era constituída por um cilindro posto em movimento por uma manivela e recoberto por uma folha de estanho muito fina. “Num dos lados havia um estilete preso a um diafragma para gravar o som, e no outro uma agulha presa a um outro diafragma para o reproduzir. Edison pôs lentamente em movimento o cilindro e recitou um poema infantil Mary Had a Little Lamb, ouvindo-se a sua voz a reproduzir estes versos”, explica o colecionador, “Assim, tinha acabado de nascer a primeira máquina falante, o Tin Foil Phonograph, a primeira invenção com a capacidade de registar a voz humana”. O surgimento do fonógrafo levou o público a desinteressar-se pelos instrumentos de música mecânica.

Posteriormente foi a vez do gramofone se impor em relação ao fonógrafo. O Gramofone foi inventado por Berliner em 1887. O gramofone substituiu claramente o fonógrafo como instrumento de reprodução, sendo considerado como o grande precursor dos gira-discos elétricos que chegaram até aos nossos dias.
Nesta coleção estão incluídos diversos modelos de fonógrafos e gramofones: gramofones de viagem, gramofones de criança, grafonolas, objetos relacionados com esta área como brinquedos musicais, agulhas, etc. e as formas de comunicação utilizadas na promoção destes aparelhos. O aparecimento da telefonia fez com que os gramofones perdessem gradualmente a sua influência. Durante décadas as máquinas falantes que constituem esta colecção eram os únicos meios para divulgar a música. Perante o som destas caixas falantes no plano acústico, estas são restauradas permitindo a audição destas sonoridades que nos transportam para o plano sentimental ao despertar uma profunda nostalgia através da recriação do fascínio que provocou nas gerações
passadas.

A coleção começou como um passatempo, tornando-se no primeiro museu dedicado à música mecânica. Neste espaço é impossível resistir à audição dos sons mágicos e nostálgico, produzidos e reproduzidos por estas máquinas falantes. É através da memória auditiva dos visitantes que ficará parte da essência da sociedade desta época. Este museu será o palco de um concerto do passado. “Ver, ouvir e sentir” é a mensagem que se deixa a todos os visitantes que se aventurem nesta viagem musical. A difusão desta arte permitiu o universo de uma linguagem musical, sem barreiras linguísticas.

O Museu de Música Mecânica, para além das salas de exposição, tem um auditório, uma sala de exposições temporárias (atualmente com uma coleção de fotografias de Luís Cangueiro), um centro de documentação, uma cafetaria e um espaço de venda de artigos relacionados com o museu.

Andor violeta


Andor violeta foi uma expressão que sempre achei, em simultâneo, fascinante e estranha. Significa apenas “põe-te a andar” ou “sai da minha frente, não me aborreças”. Há outras expressões ou palavras igualmente curiosas como sertã (frigideira), “estar com o toco” (estar aborrecido) ou morcão (tonto ou estúpido). E ainda cruzeta (cabide), ferrar o jeco (fazer uma dívida), trolha (pedreiro) ou carago (caramba).

Estas e outras palavras fazem parte das entradas do livro lançado ontem no café Progresso (Porto), Dicionário do Calão do Porto, de João Carlos Brito (Porto, 1966). Licenciado em Línguas, Literaturas e Culturas Modernas, exerce a profissão de professor-bibliotecário na Escola Secundária de Gondomar. Em 2010, publicara Heróis à Moda do Porto, a que se seguiu em 2014 Lugares e Palavras do Porto. Agora é a vez do dicionário.

O autor é favorável aos regionalismos. Aquando da saída do livro anterior, ele defendia as marcas linguísticas regionais, as quais tendem a esbater-se devido à televisão. No lançamento do livro de ontem, foi um pouco mais longe e falou de centralismo de Lisboa. Mas elogiou marcas de identidade linguística dos madeirenses e açorianos, com vocábulos levados do Alentejo para aquelas paragens. Creio que, a par dos regionalismos da região portuense, deve haver um estudo das marcas linguísticas alentejanas.

Museu ferroviário de Quioto

O museu ferroviário de Quioto (Kyoto Railway Museum) abriu no final de abril deste ano. É uma nova atração da cidade, pela quantidade e qualidade de material exposto, como as locomotivas de carvão e os modernos comboios que operam na linha de alta velocidade Shinkansen (新幹線). A joia da coroa é uma enorme sala-anfiteatro cheia de linhas e comboios em miniatura a andar, o que causa muita alegria a crianças e adultos. Entrada 1200 ienes (cerca de dez euros).

50 Anos de Rádio em Angola

50 Anos de Rádio em Angola, de José Maria Pinto de Almeida, é um livro de memórias de gente que fez rádio naquele país, do arranque das estações em cada cidade (Rádios Clubes) até 1975 (em alguns casos até depois). Não é uma história da rádio mas uma história das pessoas que fizeram a rádio. Não é um livro de um autor mas de muitos locutores, técnicos e homens de cultura que nasceram em Angola ou adotaram aquele país como o seu. Ao ler o livro, verifico que a rádio em Angola teve tão ou maior importância que em Portugal – pela dimensão, pela originalidade, pelas influências (Portugal, Brasil, culturas locais).

rádio em angola

É um livro de cultura maioritariamente branca, pensei num primeiro momento. Mas o que este retrata nos 50 anos de rádio naquele país foi o que foi feito, logo não existe razão para a crítica. E, depois, cria espaço para os esforços de promoção da música angolana, branca e negra. Se aparece o Duo Ouro Negro, há atenção para N’gola Ritmos, Elias Dia Kimuezo, Liceu Vieira Dias (Muxima), Lurdes Van-Dúnem.

Da leitura das páginas do livro de José Maria Pinto de Almeida, revejo alguns dos nomes mais importantes na rádio portuguesa, a começar pelo pioneiros Fernando Curado Ribeiro e Joana Campina, idos para Nova Lisboa (Huambo). Mas também Fernando Alves, Emídio Rangel, Carlos Cruz, Carlos Brandão Lucas, Alexandre Caratão, Sebastião Coelho, Paulo Cardoso, Alice Cruz, Maria Dinah, Adelino Gonçalves, Jaime de Saint-Maurice, Celestino Leston Bandeira, Jorge Pêgo, António Macedo, António Taklim, Jorge Perestrelo, Rui Romano, Júlio Coutinho Antunes, Humberto Mergulhão e Natália Bispo. E muitos outros, que nunca ouvira os nomes.

Há estações que registo como sendo das mais importantes, como Rádio Clube de Huíla, Rádio Clube de Huambo, Rádio Ecclesia, Rádio Clube de Angola, Emissora Oficial de Angola. E programas como Luanda (de 1962 a 1975). José Maria Pinto de Almeida, o autor do livro, foi também o grande animador do programa (pp. 46-49). No arranque do programa, ele é apresentado como um rapazinho desconhecido que dançava twist, o ritmo da moda, no cinema Restauração, operadorzeco que substituía o operador Armando Rebordão Correia na abertura da estação às sete da manhã, já a mostrar uma tendência para a sonoplastia. Quem o conhece dele diz que foi o maior sonorizador da rádio angolana e, com isso, também ganhou muita fama e proveito. O livro agora editado é o velho sonho dele – um balanço de carreiras fabulosas e ricas de locutores, sonoplastas e escritores. Onde descobri, por exemplo, que Leston Bandeira foi locutor de desporto para os lados longínquos do Moxico (estou certo do sítio?).

Ao ler o livro é que compreendi a saudade dos que deixaram Angola: os cheiros, a savana, a Mutamba e o Bairro Operário de Luanda, os embondeiros e os animais, a poesia e as artes. Em que a rádio, lê-se no livro, foi um elemento muito importante. Nestes dias de leitura do livro, fiquei apaixonado por Angola e encantado pela cultura feita pelos homens da rádio em Angola.

Leitura: José Maria Pinto de Almeida (2016). 50 Anos de Rádio em Angola. Casal de Cambra: Caleidoscópio. 247 páginas, 34,98 euros.

Observação: ao longo do texto, a maior parte das palavras não estão separadas, o que causa bastantes problemas de leitura.

Consumos de media

Foi ontem de manhã que a ERC, a Universidade Católica e a GfK apresentaram o estudo As Novas Dinâmicas do Consumo Audiovisual em Portugal, mais assente na televisão que nos restantes media audiovisuais. Conforme alguém da assistência resumia na parte de debate, desapareceram alguns mitos da atual conceção dos media: a internet atinge 60% da população, a televisão é o meio audiovisual de maior consumo de informação e entretenimento, o consumo é fundamentalmente linear (o consumo posterior ou time-shift tem uma expressão de 12%).

O cenário do auditório em que decorreu a apresentação dos resultados estava bonito – parecia a sala de estar onde consumimos habitualmente a televisão, a preparar a apologia deste meio de comunicação. Os resultados foram apresentados por Nelson Ribeiro e Catarina Burnay, investigadores da Universidade Católica, e Joelma Garcia e Natacha Cabral, especialistas e responsáveis da GfK.

Retenho-me no sumário executivo do documento apresentado (total de 66 páginas, e que pode ser lido aqui). O sumário executivo divide-se em duas partes (consumo de media; consumo de conteúdos audiovisuais). Enfatizo a segunda parte do sumário executivo: equipamentos/aparelhos, consumo por tipos de conteúdos, consumo em direto versus em diferido, multi-ecrãs, rotinas de consumo de televisão indoor, outdoor e em linha e subscrição de conteúdos em linha. Foco ainda mais em pormenor no consumo por tipos de conteúdos: informação (89,5%), telenovelas, filmes e séries (56,3%), entretenimento (50,3%), documentários (47,2%), desporto (44,6%) música e desenhos animados (perto de 30%). O trabalho de campo, realizado pela Intercampus, foi feito entre 3 de outubro e 30 de novembro de 2015, num processo de random-route para seleção do lar e teve uma amostra inicial de 1018 entrevistas.

A conferência terminou com a participação de Nuno Artur Silva (RTP) e José Eduardo Moniz (especialista de televisão e antigo diretor-geral da TVI)

[vídeos com parcelas das intervenções de Catarina Burnay e Joelma Garcia]

O mundo novo dos media

Há minutos, na minha caixa do Facebook, Ricardo Tomé (“a sentir-se determinado”) escrevia: “Estamos há quase 2 anos na liderança ininterrupta do segmento, no digital”. E completava: “Lamento, mas não vamos querer ficar por aqui”. Dois anos é o tempo que medeia a sua saída da RTP por troca com a TVI. Ele era responsável pela área multimédia da RTP, tendo estado à frente de RTP Play e da plataforma second screen 5i. Trabalhou na estação pública durante dez anos.

Por sua vez, chegava-me uma notícia, também pelo Facebook, sobre quatro locutores que descobriam a nova “cidade da rádio” (Renascença): as vozes das rádios ou “inquilinos da novíssima casa da rádio”: José Coimbra (RFM), Renato Duarte (Renascença), Filipa Galrão (Mega Hits) e Aurélio Carlos Moreira (Rádio Sim).

E leio ainda que Bruno Nogueira vai de férias para as Manhãs da Rádio Comercial e leva a Joana Azevedo consigo, juntando-se à equipa das Manhãs da Comercial: Pedro Ribeiro, Vasco Palmeirim, Nuno Markl, César Mourão e José Avillez. Ontem, já tinha lido que Vanda Miranda deixava o programa e trocava de estação (M80).

A comunicação passa cada vez mais pelas redes sociais e os media até agora clássicos estão rendidos. Além de textos, colocam fotografias e vídeos.

 

Radio-Toulouse e Radio-Andorre no livro de Sylvain Athiel

O livro de Sylvain Athiel é de 2008: Conquérants des Ondes! L’Incroyable Aventure de Radio-Toulouse et Radio-Andorre. Na contracapa, o autor fala de rádios periféricas mas, no fim de contas, da liberdade das ondas (ou da guerra das ondas, se quisermos ver de outro prisma), numa luta quase permanente entre propriedade privada e estatal. Radio-Toulouse e Radio-Andorre foram mitos, em que o slogan da última – Aqui Radio Andorra – testemunha essa força.

O livro de Athiel leva o leitor até à Toulouse da década de 1920, onde apresenta os pioneiros da rádio que, devido ao seu talento e a métodos (políticos, económicos) que se podem contestar, fundaram um dos impérios mediáticos mais ambiciosos do século XX, pelo menos na Europa. Os fundadores foram Léon Kierzkowski (1877-1959), na imagem à esquerda, e Jacques Trémoulet (1896-1971), o primeiro comerciante de equipamentos e peças eletrónicas, e o segundo jornalista. Ambos tiveram a ideia de montar uma estação de rádio em Toulouse que retransmitisse a programação de uma estação de Paris, até se tornarem independente e criarem uma estação autónoma, num tempo em que o Estado não queria abrir a mão das estações de rádio à atividade privada.

Nem sempre os processos usados pelos dois sócios foram os de maior lisura. A uma primeira associação, eles manipularam a sua direção e tornaram-se os únicos proprietários. A luta contra os PTT (os CTT franceses) foi violenta, numa altura em que os correios tinham a força de um ministério (como em Portugal), a quem chamavam os petetistas (seriam os cetetistas franceses, se a palavra existisse aqui).

Mas foram inovadores e empreendedores. Saliento o uso do speaker (locutor) Jean Roy, que trabalhou sempre na Radio-Toulouse (365 dias por ano) entre 1925 e 1944. O uso do gira-discos, a relação entre música e palavra, a defesa da região de Toulouse face ao poder centralista de Paris, a passagem de artistas e da cultura no auditório de Radio-Toulouse, a perspicácia da instalação de uma estação no principado de Andorra como porta de acesso (ou defesa) face à ponderável permanente atitude de nacionalização da rádio por parte do Estado. Saliento um facto: quando um Zeppelin voou da Alemanha para os Estados Unidos, a Radio-Toulouse estabeleceu uma ligação com uma estação alemã e o balão voador, uma experiência de interligação de sucesso num mundo em rápido progresso tecnológico.

Entre Kierzkowski e Trémoulet, este último foi o estratega e o criador do império mediático. O problema de ambos foi a II Guerra Mundial. Acusados de retransmitir a programação do lado do governo instalado em Vichy, foram acusados de colaboracionistas com o nazismo. O processo político seguinte foi nefasto para os dois sócios: ficaram sem os seus bens e Trémoulet foi condenado à morte. Mas este escapou dado estar a residir na Suiça. Depois, mercê de testemunhas abonatórias ao seu comportamento, a condenação foi retirada. Mas ficou a marca e a desconfiança. Radio-Toulouse foi fechada em 1944, com a concorrência estatal na cidade a controlar a rádio. Uma das acusações era o uso noturno da estação para a transmissão de mensagens codificadas para os serviços secretos alemães, a horas em que a estação não emitia programação.

Trémoulet, dados os seus conhecimentos, refez o império mediático, ao comprar uma rádio em Tânger, depois cedida quando Marrocos nacionalizou os bens estrangeiros. E Trémoulet fez uma parceria com Ramón Serrano Suñer (1901-2003), conhecido por cunhadíssimo (cunhado de Carmen Polo, mulher do ditador Francisco Franco), promotor do envio da Divisão Azul, unidade militar integrada na Wehrmacht que lutou contra a União Soviética, e responsável pela deportação de republicanos espanhóis para campos de concentração alemães. A Rádio Intercontinental, em Madrid, resultou dessa parceria. Mais tarde, em Portugal, os dois instalariam uma estação a transmitir para o leste europeu. Isso faz parte de uma investigação minha em curso.

O texto de Sylvain Athiel não é um monótono livro de História mas lê-se como um romance, com discurso direto, e uma espécie de trama policial. A vida de Trémoulet dava, por si, um romance ou filme, com um capítulo dedicado a Portugal (este ainda não feito). Athiel é diretor na empresa A2PRL e vice-presidente na empresa Pyrénées FM, La Radio des Vallées e vive em Toulouse.

Mais recursos de leitura: Radio-Toulouse.

Ao Vivo e em Direto no Teatro Aberto

Raul Malaquias MarquesGosto de teatro mas não sou crítico de teatro. Logo, não sei escrever um texto sobre o que vi enquanto espectador com o aparato conceptual próprio do crítico. O que debilita a leitura ou interpretação. Mas sei que gosto de compreender a história que vejo e as opções tomadas na representação. Concluo pela existência de camadas de interpretação: o autor, o encenador, os atores, o espectador.

Por isso, convidei o autor da peça Ao Vivo e em Direto em representação no Teatro Aberto, Raul Malaquias Marques, a explicar a história e os fios narrativos, em aula de estudos de jornalismo. Ele esclareceu algumas questões que eu formulara a mim mesmo quando vi a peça.

A peça, vencedora do Grande Prémio de Teatro SPA/Teatro Aberto 2014, tem seis personagens (Homem, Diretor, Mulher, Filha, Jornalista, Inspetor) e vozes (jornalistas dos diretos) e dois homens de óculos escuros. Primeira inquietação: não há nomes nas personagens, perguntou uma aluna. O autor disse querer universalizar a situação, que se podia passar em qualquer parte do mundo. Aliás, no frontispício da peça (chamemos-lhe assim), Raul Malaquias Marques escreveu: “A ação decorre na atualidade, num pais igual a outros”. Sem sinais de identificação identitária, torna-se mais fácil desterritoralizar a ação.

Ao Vivo e em Direto significa quatro pilares da realidade diária: a comunicação social (o diretor de informação e o jornalista que prepara um programa de entrevistas), o poder político (o homem, que foi ministro, presidente de empresas estratégicas, agora arrependido da evolução de um processo político, pois as suas práticas não seriam as mais sérias), a justiça (o poder do tribunal, a força das fontes e dos grupos de pressão) e a família. O julgamento que se seguira ao processo não fornecera um apuramento de provas, pelo que não houve culpados. Mas um jornalista morrera (fora assassinado, esclarece o Homem quando é entrevistado, agora que se arrependeu e ganhou coragem para o dizer publicamente).

O encontro do diretor de informação e do Homem, num local ermo da cidade, tem o lado de intriga policial e que também remete para o mundo da relação entre jornalistas e fontes noticiosas, quando estas têm interesse de promover a divulgação de uma ação. No caso, é a recuperação de uma situação que fora escândalo, embora o caso tivesse prescrito pelos anos de intervalo entre o acontecimento e a atualidade. Enquanto o Homem preparava a entrevista, a peça regista três momentos específicos. Um é a discussão entre diretor de informação e jornalista, onde se revela a concorrência interna de um meio de comunicação: o primeiro pedira discrição na procura de informação para apoio à entrevista; um velho político telefona ao diretor a tentar impedir a entrevista. Isso revela que rapidamente houve circulação de informação e revelação do que se pretendia ser discreto. O diretor acusa o jornalista de fuga de informação. Outro é a curiosidade da mulher do antigo político, quando o vê a manusear alguns velhos dossiês. Ela, em momento oportuno, lê os dossiês e fica assombrada com a informação, fazendo fotocópias. O terceiro é quando o Homem diz que, a acompanhar as revelações, vai depositar a informação em boas mãos.

Raul Malaquias Marques realça a ambiguidade da trama narrativa. Não se sabe em que boas mãos foi depositado o dossiê nem se sabe o que a mulher fez com as fotocópias. O que a peça revela é que o Homem, feita a declaração, se suicida, dando um tiro de pistola em si mesmo – ao vivo e em direto. Isto tem duas consequências: a audiência do canal subiu muito, levando a administração a elogiar o diretor de informação; este vê-se obrigado a falar na televisão a pedir desculpa pelo acidente grave. Embora o texto seja omisso, o diretor de informação saberia do desfecho, tal o desespero do Homem. Por isso, o autor acha que a sua personagem é oportunista, o contrário do perfil ideal de jornalista que se ensina nas minhas aulas. Além disso, a ideia de denúncia, como aparece na peça, não é própria do jornalista. Este observa o poder e as máscaras com que ele se apresenta e questiona e escrutina. A comunicação social, para o autor, é a-poder. O poder vem da prática. A peça é, assim, sobre a relação entre os media e o poder. Mas não é sobre o espetáculo mediático, espaço em que se encontram hoje os media.

Peça ambígua, história sombria, conclui o autor. Alguns elementos ficam por explicar. Por exemplo, não se sabe o que a mulher fez quando o político se suicidou. Ela teve coragem de continuar a denúncia iniciada pelo marido? Se ela não conhecia muito bem as rotinas do marido porque se quis encontrar com o diretor de informação no mesmo local afastado da cidade? Perguntou o professor na aula: qual o comportamento da filha? Dado ela ter vivido uma adolescência traumatizante por causa do julgamento do pai, porque aparece numa posição tão libidinosa? Não deveria ter uma postura mais fechada? E qual a profissão da mulher? Talvez doméstica mas com estudos, foi respondido. E quando escreveu o autor a peça? Foi influenciado por algum processo que se veiculou nos media dos últimos anos?

Raul Malaquias Marques foi jornalista em Rádio Clube de Moçambique, regressando a Portugal em 1977 para trabalhar na agência noticiosa ANOP, depois Lusa, onde escreveu maioritariamente sobre política internacional e cultura. A peça reflete o seu conhecimento dos media, mas não necessariamente da televisão, como fez questão de indicar. Rapidamente, durante a aula, o autor refletiu sobre ética e responsabilidade dos media na atualidade e sobre a relação entre a notícia de agência noticiosa e os media que dão as notícias ao público. E voltou a frisar a importância da análise do poder pelos media.

Intérpretes: Ana Lopes, Dina Félix da Costa, Emanuel Rodrigues, Francisco Pestana, Maria Emília Correia, Paulo Pires, Rui Mendes, Tiago Costa e Vítor d’Andrade. Encenação e dramaturgia de Fernando Heitor, cenário de Eurico Lopes, figurinos de Dino Alves e desenho de luz e vídeo de José Álvaro Correia (fotografia fornecida pelo Teatro Aberto).

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A história da rádio segundo Álvaro de Andrade (7)

Em 1970, numa coleção de artigos no Diário Popular, Álvaro de Andrade escreveu sobre as memórias do tempo em que era colaborador da Emissora Nacional, logo nos seus primeiros anos de atividade. O texto de hoje saiu em 15 de setembro de 1970 e versou sobre um cortejo regional folclórico. Já o Estado Novo dominava politicamente o país e António Ferro ensaiava as suas estratégias de arte e cultura popular a culminarem nas comemorações dos centenários de 1940.

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Em 1938, ainda Henrique Galvão estava à frente da Emissora Nacional de Radiodifusão, a estação organizou o Grande Cortejo Regional do Campo Grande. Álvaro de Andrade contou três mil homens e mulheres, do Minho ao Algarve, representando os vinhedos, os pomares, as amendoeiras, o jaspe.

O desfile durou cerca de duas horas. Duas notas, a primeira para escrever o seguinte: à época, o Campo Grande ficava no extremo da cidade e era local de feiras e corridas de automóveis. Penso que, algum tempo depois, o Benfica funcionava num estádio de tábuas, antes de se mudar para as Amoreiras e se fixar na Luz, espaço depois ocupado pelo Sporting. Segunda nota: o desfile de quilómetro e meio de extensão lembra a atual marcha de Santo António, pela avenida da Liberdade abaixo.

Carros alegóricos, etnografia, orfeões e bandas de música faziam parte da reconstituição histórica, um dos objetivos do desfile, dividido em doze grupos. O jornalista destacou a representação da Estremadura, e de Lisboa, os pescadores da Nazaré, com um barco puxado a bois, e os campinos do Ribatejo. Álvaro de Andrade seria o organizador do grupo do Minho.

Circo Média

circo médiaLi na notícia: “Senhoras e senhores, meninas e meninos, o espectáculo está prestes a começar”. Comecei a apurar a leitura: “Júlia Pinheiro e José Pedro Vasconcelos são os anfitriões do programa, coadjuvados por Vítor Hugo Cardinalli que terá também a seu cargo a direção do circo”. Também li a notícia: “Trupe Circo média”. Não, estas não eram as notícias que eu queria ler.

E procurei melhor, pois queria saber mais das histórias de Viriato, Irene, Lina, Lucy, Rúben, Eva Celina e Cassandra. Cheguei à página do Teatro Bocage e não vi senão o cartaz. Propus-me então reconstituir o percurso e a história, embora com o meu pouco engenho.

O Teatro Bocage comemorou ontem dez anos de existência. Ele fica na rua Manuel Soares Guedes, 13 A, à Rua Damasceno Monteiro, em Lisboa. Entre as suas atividades, desenvolve um curso destinado a quem se quer divertir com “improvisações, jogos e dinâmicas de grupo, relaxamento e construção de personagens” e construção de “um espetáculo de raiz, criando o próprio texto, a cenografia, os figurinos, os adereços, o desenho de luz e a música”, trabalhando “a contracena, a relação espaço-actor, a voz e o corpo, sempre num ambiente descontraído, propício à libertação da criatividade”, segundo a informação disponível nesse sítio. Durante o dia, os artistas trabalham em escritórios, em fábricas, em escolas, no próprio teatro, e encontram-se às terças-feiras à noite para a preparação de uma peça. O resultado dessa atividade começou a ser visto ontem.

Palhaços, focas amestradas, a mulher que entra numa caixa e desaparece por magia, as cantigas, o patrão do circo (cuja mulher, trapezista, fugiu com o domador de cavalos) a resolver sempre problemas como o corte de eletricidade, a madama (a que deita cartas para adivinhar o futuro), o jovem que faz cartazes e anúncios do circo e se engana sistematicamente mas acha ter força para dirigir o circo, a mulher barbuda com um forte sotaque açoriano e que intriga o resto da tribo circense. A peça não devia ter estreado ontem mas, por engano de Rúben, o público apareceu. E, logo à entrada da sala, alguns dos intérpretes gritam entre si, querem mandar o público embora, apenas fazer o ensaio geral. Por isso, as focas ainda não tinham sido disponibilizadas, elas que estavam no aquário Vasco da Gama.

Os papéis foram desempenhados por Carmo Franco, Fátima Bartolomeu, Filipa Roldão, Inês Santos A., José Pereira, Miguel Santos e Sara Maia. Encenadora: Maria João Miguel, mestre em Encenação pela Escola Superior de Teatro e Cinema. Diretor do teatro: Carlos Cardadeiro (na fotografia, o agradecimento do diretor, encenadora e atores, no final da representação).

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O Teatro do Bocage é um teatro de bairro, orienta-se para públicos específicos, nomeadamente o infantil, com peças a apresentar conforme o desejo de espetadores coletivos como escolas. Tem, por isso, uma grande proximidade à freguesia de Arroios e aos seus habitantes. A peça em representação, durante apenas três dias, revela essa dinâmica de relação popular e de grande entusiasmo e adesão.

Obrigado pelo tempo e dedicação que deram aos espectadores.

A revolução para José Miguel Sardica

JMSTerminar a Revolução. A Política Portuguesa de Napoleão a Salazar é o novo livro de José Miguel Sardica, hoje lançado na livraria Bertrand no Picoas Plaza, em Lisboa. A apresentação coube ao professor Manuel Braga da Cruz.

Na contracapa, o autor explica o objetivo do livro – explorar um dos eixos fundamentais da realidade portuguesa ao longo de mais de um século (XIX e XX), o da revolução. O livro é composto de três partes, com uma introdução (o problema da revolução na contemporaneidade europeia e nacional), a(s) revolução(ões) e as dinâmicas e as raízes do revolucionarismo português.

O vídeo seguinte mostra parte da apresentação pelo próprio autor. José Miguel Sardica é professor associado com agregação na Universidade Católica Portuguesa. O livro resulta da versão alargada da lição de síntese apresentada nas provas académicas de agregação em História.

Reportagem no ar de Tempo Zip

Naquele dia, Vera Lagoa foi generosa na prosa (Rádio & Televisão, 4 de abril de 1970). Ida no avião Caravelle (TAP), na inauguração do programa Tempo Zip, encontrou-se com Fialho Gouveia, José Nuno Martins, Joaquim Letria, Edite Soeiro, Mário Zambujal e Baptista-Bastos. Uma inauguração assim, num avião novo que partiu de Lisboa, andou pela península de Setúbal e regressou a Lisboa, nunca tinha acontecido. Depois, já nos estúdios da Rádio Renascença, ela cruzou-se com Manuel Freire, João Paulo Guerra (sem barba mas com um grande bigode), Raul Solnado, Torcato da Luz e Carlos Cruz.

Vera Lagoa tinha uma rubrica muito lida no Diário Popular, Bisbilhotices, e o texto em Rádio & Televisão, também do grupo do Banco Borges & Irmão, tinha ingredientes semelhantes. João Paulo Guerra sentia-se bem, por haver um bom entendimento na realização do programa e ele conhecia todos os colaboradores, de Michel Giacometti a Urbano Tavares Rodrigues (Rádio & Televisão, 25 de abril de 1970). Quatro anos depois, a repórter ali generosa e alguns dos seus colegas separar-se-iam politicamente – ela no semanário Sol, à direita, alguns deles defendendo a luta de classes, à esquerda.

O programa de rádio Tempo Zip, após o sucesso do programa televisivo Zip-Zip, ficou na história como um dos melhores de sempre e um marcador da rádio nova. Foi uma sessão que os protagonistas nunca esqueceriam, tanto mais que Fialho Gouveia e Carlos Cruz, além da televisão, tinham feito o programa PBX em Rádio Clube Português, em 1968, o primeiro marcador dessa rádio nova. Logo depois, a Rádio Renascença emitia 24 horas por dia, com o jovem José Manuel Nunes a assegurar a emissão de madrugada, em 1972 Carlos Cruz era nomeado responsável pelos noticiários e em setembro de 1972 João Paulo Guerra era despedido (ao mesmo tempo que Adelino Gomes) devido a um relato sobre o assassínio de atletas israelitas levado a cabo por um comando palestiniano nos Jogos Olímpicos de Munique.

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Jardim Zoológico de Vidro

Fiquei a pensar na expressão de Jorge Silva Melo, o encenador de Jardim Zoológico de Vidro, de Tennessee Williams, no Teatro da Politécnica, pelos Artistas Unidos: “Derrotados, sim, abandonados, sem hipótese, deixados para trás, com a electricidade cortada e contas por pagar, vencidos: mas estes são os invencíveis, esses sonhadores que Tennessee Williams cantou”.

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Da trilogia encenada por Jorge Silva Melo das obras de Tennessee Williams (Thomas Lanier Williams III, 1911-1983) – Gata em Telhado de Zinco Quente, Doce Pássaro da Juventude, Jardim Zoológico de Vidro -, esta parece mais intimista, talvez porque a sala que recebe a peça permite que o espectador esteja mais perto dos atores e entenda melhor o que dizem e o modo como o expressam. Mas há o mesmo universo das outras peças que decorrem no Missouri, com fazendeiros, homens de sucesso e de fracasso, embora a trama se urda no seio de uma só família, com a entrada de um forasteiro no final da peça.

Aqui, na cidade de S. Louis, o fracasso parece momentaneamente compensado pelo sonho: arranjar um pretendente para a filha que coxeia, incentivar o filho a ter um melhor emprego. Mas aquela, Laura (Vânia Rodrigues), tímida, refugia-se na coleção de peças de vidro representando animais e aquele, Tom (João Pedro Mamede), frequenta o cinema em busca de aventuras que a vida de empregado num armazém de calçado não tem. A única voz realista é a do jovem Jim O’Connor (José Mata), convidado para jantar e, possivelmente, apaixonar-se e casar com a rapariga daquele lar que parou no tempo em que o marido e pai se foi embora sem nunca mais dar sinal, a não ser um postal sem endereço. E tudo se esclarece quando a empresa de eletricidade desliga o fornecimento, por falta de pagamento.

Publicada em 1945, a peça seria o primeiro grande êxito do dramaturgo na Broadway. Tom reflete a personalidade do autor. O seu pai, vendedor de sapatos viajante, alcoólico e viciado em jogos de aposta, aparece na peça como empregado dos telefones de longa distância até um dia desaparecer. Para fugir ao mundo caseiro insuportável, Williams ter-se-ia refugiado no seu quarto pintado de branco e com miniaturas de animais de vidro. Talvez Laura se assemelhe à sua irmã, Rose, com sintomas de esquizofrenia desde jovem e submetida a uma lobotomia. A história da peça decorre na década de 1930, quando os Estados Unidos viviam os problemas da grande depressão financeira e os indivíduos por mais que lutassem quase sempre perdiam, desempregados, deserdados, escorraçados, arredados de tudo por uma estranha força do destino – o capitalismo.

Compreendo a frase de Jorge Silva Melo, quando fala de vencidos que são sonhadores invencíveis: a mãe Amanda (Isabel Muñoz Cardoso) tem uma grande persistência em enfrentar os problemas e inventa soluções para eles. Infelizmente, ela está desfasada da realidade e os resultados não são adequados.

Tradução de José Miguel Silva, cenografia e figurinos de Rita Lopes Alves, luz de Pedro Domingos, coordenação técnica de João Chicó, produção de João Meireles e assistência de encenação de António Simão. Fotografia de Jorge Gonçalves.

O sonho de Ricardo Isidro, o médico da coxinha do Tide

Ricardo Isidro e Lily Santos Frias foram os célebres protagonistas dos folhetins Tide, da Rádio Graça, que, depois, vieram a ser conhecidos pelos folhetins da Coxinha. Ele encarnava a personagem de um médico, ela a de uma deficiente (coxeava). Propôs-se operá-la e torná-la uma pessoa normal. Mas apaixonou-se por ela. Após a morte da esposa do médico, este ficou livre e casou com a antiga coxinha. O enredo lento da história, no tocante à agonia de Raquel, a má da radionovela, exasperou as ouvintes do programa das 14:30. O rápido casamento e o nascimento de uma criança fizeram chegar à estação roupas para bebé, numa confusão entre ficção e realidade. O detergente patrocinador dos folhetins cessou a sua ligação à rádio em 1961, mas ficou marcada na cultura popular radiofónica essa relação, nomeadamente com a Rádio Graça.

Profissionalmente a trabalhar num escritório, Ricardo Isidro reaparecia no mundo da rádio em 1968 e confessava-se: estava perto dos cinquenta anos de idade sem conseguir realizar o seu sonho de sempre: viver de e para o teatro (Plateia, 21 de janeiro de 1969).

Do blogue: reflexões e actualidade sobre indústrias culturais (imprensa, rádio, televisão, internet, cinema, videojogos, música, livros, centros comerciais) e criativas (museus, exposições, teatro, espectáculos).