Armando Ferreira (1893-1968) e a cultura

Armando Ferreira foi alguém com uma carreira curiosa. Com o curso do Instituto Superior Técnico, ele empregou-se na APT (Anglo-Portuguese Telephone), mais conhecida como Companhia dos Telefones, com actividade nas áreas metropolitanas de Lisboa e Porto, e uma das antecessoras da Portugal Telecom. Na APT, ele foi responsável pela publicação de folhetos de relações públicas e promoção de serviços e por campanhas de comunicação de que resultariam cartazes assinados por nomes como Carlos Botelho, de 1930, reproduzido a seguir.

Logo após a conclusão do curso universitário, entrou para o jornal A Capital, onde chegou a chefe de redacção. A crítica literária, teatral e de espectáculos foi um meio onde se expressou abundantemente, naquele jornal mas também no Notícias Ilustrado, no Jornal do Comércio e no Diário Popular, aqui durante 21 anos (os recortes de notícias abaixo inseridos pertencem ao Diário Popular, de 3 e 4 de Dezembro de 1968). Alguns trabalhos humorísticos dele seriam Lisboa sem Camisa, O Casamento de Fifi Antunes, O Baile dos Bastinhos, O Galão de Alcântara, Amor de Perdigão, A Família Piranga e A Baratinha Loira. No seu obituário, nas peças noticiosas aqui impressas, indica-se que os textos dele alcançariam tiragens elevadas para o nosso mercado durante a década de 1940. A colaboração de Armando Ferreira estendeu-se ainda pelos júris dos concurso de peças de teatro patrocinado pelo SNI. Foi sócio fundador da Sociedade de Autores e Compositores Portugueses.

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Vão os Gato Fedorento desaparecer?

O texto vem hoje no Diário de Notícias, assinado por Carla Bernardino. Ricardo Araújo Pereira, José Diogo Quintela, Tiago Dores e Miguel Góis formam o quarteto humorístico Gato Fedorento. Embora não haja separação oficial, não se sabe o que o grupo fará no futuro, disse Digo Quintela, empresário de Padaria Portuguesa. Mas Ricardo Araújo Pereira vai regressar sozinho à TVI na altura das eleições legislativas para o final deste ano, embora não seja em programa semelhante ao Esmiuçar os Sufrágios (SIC, Setembro de 2009), que atingiu uma média de 1,3 milhões de espectadores por sessão. No terreno da publicidade, o grupo terá chegado ao fim, pois Ricardo Araújo Pereira está sozinho na campanha da Meo.

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Música no Coração

O Diário Popular, de 2 de Setembro de 1968, publicava este anúncio sobre o filme Música no Coração, então em 58ª e última semana em exibição no cinema Tivoli, em Lisboa. 700 mil espectadores tinham já passado pela sala.

Não sei se houve algum filme com maior extensão em termos de tempo de exibição contínua. Certamente hoje não seria possível, até porque os gostos mudaram e existem diversas plataformas para ver filmes.

Na mesma semana, os milionários Schlumberger e Patiño davam festas espectaculares, onde estariam muitas figuras da aristocracia mundial, estrelas de cinema americano e gente do jet-set de então, divididos entre o Estoril e Azeitão, com crónicas de página inteira escritas por Vera Lagoa e Nuno Rocha (este disfarçado de engenheiro com a responsabilidade da electricidade, aproveitando os momentos disponíveis para fazer fotografias com uma pequeníssima máquina). Salazar adoecia e era, pouco depois, a 26 de Setembro, substituído por Caetano na chefia do governo.

música no coração (DP, 2.9.1968)

A profissionalização de um blogue

Na aula de hoje, tivemos uma escritora profissional de blogues. Licenciada em ciências da comunicação e antiga jornalista especializada nas áreas da cultura, moda, beleza e consumo, começou a escrever o seu blogue nessas temáticas. Onze anos depois de o iniciar, tem mais de 50 milhões de visitas, 200 mil seguidores no Facebook e Instagram, parcerias rentáveis com marcas e um público alvo estimado de mulheres vivendo em Lisboa e Porto entre os 20 e os 45 anos. Já em 2008, uma editora convidara-a a escrever um livro em papel com os melhores textos publicados no blogue. A evolução do blogue levou-a a criar uma marca de produtos e a abrir uma loja com uma amiga e agora sócia.

Para a convidada na aula, as empresas descobriram os blogues como veículos de maior propagação que os meios de comunicação mais tradicionais. A escrita em blogues é mais directa que esses outros meios. O estilo da sua escrita oscila entre o humor e a ironia, com um lado de cronista social. No começo, escreveu também sobre colegas, ainda numa fase de anonimato. Depois, quando o seu primeiro livro saiu, ela publicitou o nome e, apesar de perder alguma originalidade inicial, continuou a crescer em número de visitantes e comentários, granjeando mais popularidade.

As perguntas da turma foram estimulantes. Porque não criou uma revista em papel, que papéis desempenha, onde trabalha, como trabalha, como se relaciona com as marcas e os leitores, é isenta ou parcial, o sucesso foi preparado ou foi acontecendo por acaso, vê-se a escrever no blogue até à reforma, como articula texto e imagem (fixa e em movimento), como separa a informação que lhe chega à caixa de correio.

Agora, o trabalho da turma vai ser enquadrar a actividade desta autora de blogue e livros com a de criadora de negócios numa área emergente das indústrias culturais e criativas.

Ucrânia em Lisboa

Hoje, começou a semana da Ucrânia na freguesia de Arroios (Lisboa). À missa celebrada por um padre ucraniano e um português, dentro do ritual bizantino, seguiu-se a apresentação do Coro Católico Ucraniano, dirigido pela Maestrina Ivanna Stasiv, com temas adaptados das obras do grande poeta ucraniano Taras Shevchenko (1814-1861). O vídeo mostra um desses temas.

Na semana agora iniciada, há exposições, música, dança, cinema, poesia, teatro e gastronomia. Destaque para o documentário Stronger than Arms, no dia 24 de Março, às 18:30, no auditório do liceu Camões. Em Portugal, vivem atualmente cerca de 40 mil ucranianos, dos quais dez mil na Grande Lisboa.

Calçada de Santana (Lisboa)

Luís de Camões faleceu em 10 de Junho de 1580 nesta casa da Calçada de Santana, no número 139. Amália Rodrigues nasceu na rua Martim Vaz, paralela aquela, no número 84-86, a 23 de Julho de 1920. O mais importante poeta e a mais importante fadista do país, ambos a descansar agora no Panteão Nacional. Tão perto viveram, tão perto estão.

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Organizações não governamentais e media segundo Sónia Lamy

Em 2007, cruzámo-nos no mestrado dela enquanto arguente da sua dissertação (A presença da AMI nas notícias. O contributo da ONG no discurso sobre Direitos Humanos) (ler aqui). Agora (2015), foi a vez da prova de doutoramento (As fontes não governamentais nos media. As ONG enquanto fontes de informação).

Em 2007, entre outras coisas, disse: “Trata-se de um capítulo bem construído e aquele em que aprendi mais [capítulo 1 – os direitos humanos e a sociedade]. Foca, nomeadamente, a consciência histórica dos conceitos relacionados a direitos humanos. […] Em Portugal, o sucesso de uma ONG é, simultaneamente: 1) resultado de organizações pequenas mas maleáveis e colocadas no terreno, desburocratizadas e não ligadas a fortes poderes identificados, 2) apoio do Estado (subsídios, participação em comissões, encomenda de estudos). Por outro lado, torna-se essencial uma classificação de ONG e a sua variada origem; por exemplo, a partir de movimentos sociais, grupos de pressão ou resultado de lóbingue. Uma ONG, ao formar-se, tem um ideal, uma causa. Qualquer causa é política. Há que distinguir causa política, no sentido nobre do envolvimento numa causa, e apoio a um campo partidário ou de grupo. [Depois], as ONG em geral sabem da importância do papel dos media e treinam e refinam a metodologia de abordagem aos media. Creio que a AMI [tema do seu trabalho] aprendeu nesse sentido. Qualquer pequena queixa de menor acompanhamento por parte dos media é, certamente, compreendida pela AMI (em especial a área de comunicação)”.

Ontem, disse: “A tese está bem dividida em sete capítulos, indo dos temas em geral (jornalismo e ONG) para o seu cruzamento e temas em particular. Saliento o que escreve na p. 3 sobre a compreensão do processo de produção das notícias e o modo com se constrói a agenda e se reflecte a realidade. Igual impressão positiva sobre a análise das notícias com vozes não-governamentais tais como ambiente, exclusão social e violação de direitos humanos (p. 152). Destaco igualmente o número de entrevistas feitas (17), como indica na p. 139, valor apreciável. A caracterização que decorre nas pp. 139-145 é clara e sucinta, que saúdo. Gosto ainda das regras para a comunicação das ONG e para a maior pluralidade nas notícias no final do texto”.

Da esquerda para a direita: Francisco Rui Cádima, Cristina Ponte, Rogério Santos, Carla Cerqueira, Sónia Lamy, António Granado e Vasco Ribeiro (fotografia: Pedro Pereira Neto).

Música moderna em 1968

O concurso de música moderna teve momentos de apuro. No dia 19 de Abril de 1968, promovido pelo CITU, no cinema Império, em Lisboa, agora transformado em sala de confissão religiosa, deviam apresentar-se quatro bandas. Faltaram duas. Das outras, os membros de uma vestiam smoking preto e ostentavam grandes cabeleiras, com “aplausos habituais, os gritos da praxe, os saltos no ar”, e os da outra “casacas orientais (vermelhas e amarelas, com muitas fantasias), cantavam e tocavam os últimos ritmos ié-ié, mais à la page” (Diário Popular, 20 de Abril de 1968). O júri, constituído por locutores e gente ligada ao mundo dos espectáculos, classificou as bandas, mas a assistência não gostou. A segunda parte do espectáculo já não se realizaria. A banda Psycho ganhou o concurso a 17 de Maio de 1968, com direito a fotografia no Diário Popular (18 de Maio de 1968).

Nesse ano, Salazar teve um AVC, longo abalo no Estado Novo e cujo regime entraria num longo estertor. Nos Estados Unidos, o pastor Martin Luther King e o senador democrata Robert Kennedy eram assassinados, a França vivia uma revolução social e cultural, que ficou com a designação de Maio de 68, a guerra no Vietname chegava a um ponto sem retorno para as tropas americanas e a Checoslováquia era invadida pelos tanques russos, acabando a primavera de Praga. Com uma frequência assustadora, o Diário Popular publicava fotografias de soldados portugueses mortos nas guerras coloniais (Moçambique, Guiné). Em Lisboa, a juventude alienava-se com o festival ié-ié.

Apresentação do livro sobre protocolo empresarial

Isabel Amaral, especialista em questões de imagem, comunicação e protocolo, presidente da Associação Portuguesa de Estudos de Protocolo (APOREP) (à esquerda), apresentou hoje o livro de Cristina Fernandes (à direita), com o título Manual de Protocolo Empresarial, uma edição da Universidade Católica Editora. A diretora da editora, Anabela Antunes (ao centro), apresentou Isabel Amaral e a autora.

Curto apontamento sobre a escrita de um guião

Hoje, na aula de Indústrias Culturais e Criativas, esteve um produtor de conteúdos televisivos, em especial telenovelas. Ele falou sobre escrita para televisão e guiões. Um guião não é um processo literário mas visual, uma história contada em imagens, diálogos e descrição de uma estrutura dramática dentro de um contexto. O autor do guião já se transformou, nos Estados Unidos, em alguém de importância crescente na indústria cultural da televisão, enquanto na Europa ainda se fala do estatuto do realizador.

Nas indústrias culturais, existe um triângulo: autor, público, crítica. Com frequência, despreza-se o público. mas também se olha a televisão como mau produto cultural, incluindo a novela. O reconhecimento pela novela portuguesa, a nível de prémios internacionais, como o Grammy, indica que tem qualidade enquanto artefacto. Uma novela conta uma história, que pode ser iniciática, de catarse, e que lembra mitos e elementos da relação humana desde sempre. Assim, um guião significa uma história dentro de um contexto, enquanto organização linear de incidentes, episódios e eventos relacionados, com associação de conflitos internos e externos e escolhas. O desenho clássico de um guião que a indústria audiovisual desenvolveu é composto por tempo linear, um protagonista rapidamente identificado, uma realidade coerente, um final fechado e causalidade.

Como conclusão, não se deve esquecer que escrever um guião significa conhecer a audiência e que a arte da escrita reside na capacidade de provocar pensamento e sentimentos nos espectadores.

Estuário do Sado

dilar espada

Do barco abandonado, recupero mentalmente os seus remos, dois poderosos braços que percorriam o rio e eram a base de sustentação do pescador na busca de peixe ou marisco.

Associei o barco à história de um homem velho, com 81 anos, nascido em Portalegre e que sempre trabalhou na construção civil. Ele esteve em Caminha, trabalhou na altura de um terramoto em ilhas dos Açores, vivia em Queluz e calcorreava Lisboa. Ali, na rua de Entrecampos, ele lembrava-se do tempo em que ainda não havia os prédios actuais mas moradias (burguesas, acrescento eu), e rebanhos de carneiros que pastavam no Campo Grande. Nos últimos cinco anos, vive com uma filha em Madrid. Ele viera a Lisboa tratar de um assunto na Segurança Social. Sem ter dormido durante a viagem, voltaria a casa no mesmo dia.

Lembrei-me dele, porque, ainda rijo mentalmente, trazia duas muletas de apoio ao andar. O equivalente aos remos do barco Dilar Espada.

O Fim das Possibilidades

possibilidadesJean-Pierre Sarrazac, que foi reescrevendo a peça com o título O Fim das Possibilidades desde 2014, estreou-a hoje, no Porto, a nível mundial. De início, Deus (Ivo Alexandre) e Satã ou o Adversário (Fernando Mora Ramos) discutem os problemas da humanidade. O desemprego, os sem papéis (imigrantes clandestinos) e os sem abrigo – os novos “danados da terra” – têm aumentado de número, baixando a esperança entre os homens, a que sobrevém o suicídio. Satã, qual funcionário superior de Deus numa empresa corporativa, propõe uma alternativa, semelhante à da publicidade de habitações e férias de sonho.

A personagem principal da peça é JB (Paulo Calatré) – que pode ser o Job bíblico ou João Baptista, aquele que anuncia o Messias, ou a marca de uísque com o mesmo nome. JB não é um indivíduo mas a multidão que sofre os problemas modernos do desemprego, da desqualificação tecnológica, da reciclado ou do descartável, perde o lar, a família e os filhos já não acreditam no pai. Os sem rosto podem também ser irmãos ou irmãs de JB e contam as suas histórias e embarcam para um mundo subterrâneo e sem luz (onde se desce mas nunca se volta a subir à superfície), espécie de nova transumância humana. Os sem rosto lembram o velho coro da tragédia grega, implicitamente associada à atual condição política de contestação do governo grego de Tsipras.

JB, um vencido com orgulho de vencedor, inicia o seu percurso miserável quando tem um pesadelo durante a noite e acorda a mulher Gladys (Joana Carvalho). Depois, começa a embriagar-se enquanto conta ao seu amigo Mamadou (Alberto Magassela) que tem um chefe Pitbull que o exaspera com dificuldades diárias. Mamadou, trabalhador africano sem papéis, acaba por ser denunciado porque protegeu uma larápia (Maria Quintelas) que roubou para dar comida ao filho. JB decidiu suicidar-se e entra no inferno clamando contra Satã. Este, que fizera um acordo com Deus para evitar o desespero final, o suicídio, sentiu-se derrotado, o que confessa a Deus, pessoal ou através de telemóvel de última geração. Deus diria: “Deixar que Job se tenha enforcado não é apenas uma falta, é um crime, um falhanço”. JB versus Satão ou o Adversário é, nas palavras do autor Sarrazac, uma tensão permanente entre o mais mítico e o mais quotidiano. JB anteciparia o fim das possibilidades, isto é, actuara de modo não previstos pelo demiurgo.

Em texto de Pedro Sobrado, os sem rosto que se apresentam diante de Satã são memórias distantes do Job bíblico: o que espera uma reparação, o que manifesta uma obsessão por buracos e lugares escuros, o que ecoa os lamentos da personagem bíblica, o impaciente, o que transporta a versão benigna do nazismo (serões recreativos, excursões, saídas em grupo, festas).

O Fim das Possibilidades – que resultou do esforço conjunto do Teatro Nacional de São João (Porto) e do Teatro da Rainha (Caldas da Rainha), com encenação partilhada por ambos os directores artísticos (Nuno Carinhas e Fernando Mora Ramos) – é a extensão da desesperança. O “fim das possibilidades” é, ainda para Sarrazac, a deportação dos mais desfavorecidos da América Latina, uma parábola e ainda um palimpsesto, com memórias de outras peças do autor, mas também do expressionismo, de Kafka, de Woyzeck ou de Strindberg. A cenografia e os figurinos, de Nuno Carinhas, dão uma dimensão mais profunda, a que se associam sons de fábrica e de delírio colectivo.

Depois do Porto, a peça será representada em Lisboa e Caldas da Rainha. Duas conversas sobre a peça estão marcadas: Porto no dia 21 de Março e Lisboa no dia 11 de Abril.

Mais elementos sobre as indústrias criativas

Hoje, a aula andou à volta da instituições, propriedade e empreendedorismo, a partir do texto de Davies e Sigthorsson (Introducing Creative Industries, 2013). Os autores partem de três tipos de estrutura organizacional: freelancers, PME e grandes empresas. Uma tendência empresarial resultado das transformações sociais e económicas da década de 1980 foi a desregulação, a desarticulação de empresas organizadas verticalmente, com subcontratação (outsourcing), e a abertura de mercados internacionais (globalização).

Os autores identificam outra tendência – o empreendedorismo – articulada com uma ecologia especial, composta de grandes empresas e um número maior de freelancers. Tal leva à discussão sobre prós e contras do trabalho flexível. Por um lado, há mais liberdade de participar em projectos que se gosta mais; por outro lado, a concorrência e a precariedade conduzem a um permanente desgaste psicológico do desemprego, a pagamentos mais baixos e a mais horas de trabalho.

Um outro elemento destacado no texto de Davies e Sigthorsson é o ligado aos locais de trabalho das indústrias criativas (do lar ao estúdio, à garagem e ao palco), com contactos face a face mais privilegiados que os contactos via internet, estruturas de trabalho (pequenas empresas e trabalhadores criativos independentes) e padrões de trabalho, no que eu também chamo cadeia de valor ou cadeia de produção (investigação da ideia e pré-produção, produção e pós-produção). Davies e Sigthorsson aconselham a que o trabalhador criativo trabalhe a sua trajectória da carreira e o seu portefólio. Finalmente, o texto traça perspectivas nacionais e internacionais do mercado das indústrias criativas.

A análise teórica completou a apresentação prática de ontem. A artista convidada, trabalhando áreas distintas como a fotografia, o vídeo, os cartazes de cinema e o teatro, defendeu duas ideias centrais: processo criativo (em que o tema vai evoluindo da concepção à realização final) e pensamento estratégico (do trabalho criativo compulsivo à criação do portefólio).

Yvone Kane

YvoneApós a morte da filha, Rita Moreira voltou ao país africano onde viveu a sua infância. Ela reencontraria a mãe, Sara, médica, que não abandonara o país após a sua independência. O raccord entre a morte da filha de Rita e o seu regresso a África é muito subtil, quase imperceptível, do mesmo modo que a sua motivação para a investigação do assassinato da antiga guerrilheira e activista política Yvone Kane não aparece bem esclarecida. Isto enquanto a mãe, a morrer de cancro, procura saber o que se passa com Jaime, o adolescente que ela adoptara e passava por um período não controlado de afirmação pessoal.

Neste cruzamento de histórias, encontro uma mesma razão: explicar o fracasso das relações raciais na pós-independência colonial. Há sinais que nos levam a Moçambique, onde o filme foi parcialmente filmado, como os volantes dos automóveis à direita, mas a história da morte da antiga guerrilheira remete-nos para a vida de Sita Valles e Angola. Sita Valles era militante do Partido Comunista Português e foi presa na sequência de uma tentativa de golpe de Estado em Maio de 1977, sendo assassinada em agosto na prisão de Luanda.

Se o passado agora em revisão era violento, como mostram os edifícios em ruínas (missão onde Sara ainda trabalha, hotel no litoral onde Rita espera o contacto para saber mais informação sobre a morte de Yvone), o presente é igualmente violento. A relação racial ainda se ressente desse passado colonial, e de modo muito evidente.

No texto de promoção do filme escreve-se sobre cicatrizes da História e dos fantasmas da guerra, em que não é possível a redenção e o esquecimento. Eu prefiro destacar a qualidade da fotografia, os momentos de alguma ação com outros momentos em que o tempo parece parado, na inexorável fixação da vida e da incapacidade humana de contrariar os dias e as reações dos outros seres humanos.

Escrevi aqui não muito bem sobre outro filme de Margarida Cardoso com a mesma atriz Beatriz Batarda (A Costa dos Murmúrios, em 3 de Dezembro de 2004), onde se pode ler: “Para mim, há má condução de actores e actrizes. Beatriz Batarda parece que soletra as palavras, como se aprendesse a língua ou corrigisse a pronúncia. E a história até é interessante, o elenco bom, mas com um ritmo lento”. Mas este representa, na minha leitura, um filme bem mais maduro. Embora não exista igualmente esperança, no outro filme havia a futilidade e o vazio de uma mulher bonita levada para a guerra por ser casada com um oficial, agora há a procura de compreender o passado.

Realização de Margarida Cardoso (2014), elenco com Irene Ravache, Beatriz Batarda, Gonçalo Waddington, Mina Andala e Samuel Malumbe, fotografia de João Ribeiro, países filmados Portugal, Brasil e Moçambique.

Exposição Frenéticas no Pós-Guerra em Cascais

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O Museu da Presidência da República, em parceria com o Museu Nacional do Traje, apresenta a exposição Frenéticas no pós-guerra, mostra de acessórios de moda no feminino onde se retrata a década de 1920 em Portugal (Palácio da Cidadela de Cascais). No total, estão expostas mais de 100 peças e documentos originais.

“Na ânsia de viver frivolamente em liberdade, as mulheres saem, pela primeira vez, da esfera doméstica para aparecer em público, pisando firmemente terrenos que até então lhes eram interditos. Nas suas salomés coloridas, novos sapatos confortáveis e elegantes, mostrando o tornozelo e os joelhos, de vestidos curtos e de cintura descaída, maquilhadas e de cabelo curto à garçonne, experimentam a emoção de conduzir, praticar desporto, fumar e dançar ao som de uma jazz-band” (texto fornecido pela organização do evento).

O rapazinho que teve medo do transformer

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O circo adaptou-se. Já não monta a tenda e exibe leões ou outros animais selvagens mas mostra-se em salas multiusos dos concelhos do país. Uma apresentadora, com música de fundo, a ginasta, o palhaço e figuras do audiovisual como o Rato Mickey e a sua namorada Minnie, mais umas canções actuais da televisão que o público infantil conhece e canta, e correntes de fumo colorido, constituem um repertório que apela para as indústrias culturais e preenche um serão agradável. No espectáculo, houve ainda uma prova com crianças no palco, chamados a fazer umas habilidades simples, e outra prova com quatro pais. Estes, sentados em cadeiras e inclinados (quase deitados) sobre cada um deles, foram sentindo que o palhaço lhes tirava cadeira a cadeira. O equilíbrio foi ficando precário, até se estatelarem no chão, o que provocou um riso maior do que anteriores ocasiões.

Num dado momento, veio o Transformer, um robô gigante de ar ameaçador, movendo-se lentamente. Após a exibição, seguiu-se o intervalo, aproveitado para fazer fotografias ao lado do robô. Todas as crianças quiseram ficar ao lado do robô, que a organização do circo se serviu para cobrar algum dinheiro pelo momento. Mas o rapazinho da imagem, mesmo com a ajuda do pai, sentiu-se intimidado. Talvez ele compreendesse o que o monstro dizia em inglês, qualquer coisa como “eu vou destruir a raça humana”.

Indústrias culturais no Estado Novo: o caso da música ligeira

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Ontem, a aula de Indústrias Culturais e Criativas foi preenchida com um convidado que tem trabalhado a intersecção de indústrias culturais e Estado Novo: Pedro Russo Moreira. A sua tese de doutoramento, “Cantando espalharei por toda parte”: programação, produção musical e o “aportuguesamento” da “música ligeira” na Emissora Nacional de Radiodifusão (1934-1949), trabalhou as indústrias da música no Estado Novo (disco, edição de partituras e rádio). O autor defende ter havido durante o Estado Novo uma grande actividade das indústrias culturais ligadas à música e às artes performativas. Na sua apresentação, ele referiu a escuta doméstica da rádio, defendeu a perspectiva de a Emissora Nacional de Radiodifusão ser criada, entre outras razões, para satisfazer a comunidade de músicos e, no seu todo, a indústria da música.

Nessa época, ouvir rádio era a classe média e média alta urbana escutar concertos de música séria (clássica). Havia um índice elevado de desemprego entre os músicos, pois o disco, mais barato e sempre disponível a ser tocado, acabara com as orquestras de salão e de variedades que existiam no centro das grandes cidades. A entrada do maestro Pedro Freitas Branco, durante a primeira direcção da Emissora Nacional, a cargo de António Joyce, foi muito favorável à criação de orquestras. Apesar de haver discos, não havia música gravada suficiente para preencher as horas de emissão sem estar a repetir os mesmos sons. Salazar, na perspectiva de Pedro Russo Moreira, queria uma rádio para “dar música” ao povo, de modo literal. Mas as finanças da rádio pública começaram a ficar mal: Joyce era músico mas não contabilista. Joyce criara uma estrutura musical semelhante à BBC, contratando cerca de 90 músicos e organizando 11 orquestras. Isso levou a que fosse nomeado outro director da Emissora, Henrique Galvão, que ocupou o cargo entre 1935 e 1939. Ao projecto artístico da primeira direcção sucedeu um período em que funcionou um espírito reformador. O número de orquestras foi reduzido e, com isso, os custos baixaram. Com Galvão, o número de orquestras ficou em três. Os grandes objectivos de Henrique Galvão, que entraria muito depois em dissidência com Salazar, eram fazer a Emissora Nacional ouvir-se em todo o país e chegar ao império através das ondas médias. António Ferro sucederia no cargo entre 1941 e 1949, trabalhando um conceito de “aportuguesamento” da música ligeira, isto é, adaptando a estilos modernos, tipo jazz e swing, o repertório rural existente. Além disso, ele desenvolveu a ideia de política do espírito (a propaganda através das indústrias culturais e criativas) e a marca “não aborrecer, nunca aborrecer”, através da música ligeira. Até aí, a Emissora era conhecida como a “Maçadora Nacional”.

Um outro ponto desenvolvido na aula por Pedro Russo Moreira foi o da produção musical, com análise das orquestras fixas, compositores, vedetas de rádio, programas radiofónicos e cantores. Aí, havia uma divisão de trabalho decomposta em maestro e orquestras, compositores e cantores, modelo inspirado na BBC. O meu convidado ainda se referiu a quatro marcos essenciais na história da rádio pública de então, com a criação do Gabinete de Estudos Musicais (1942), concurso de artistas ligeiros (1943), Centro de Preparação de Artistas da Rádio (1947) e programa Serões para Trabalhadores. A parte mais saborosa da aula foi deixada para o fim, com a passagem de áudios de canções da época (irmãs Meireles [na imagem no cimo], irmãs Remartinez, Júlia Barroso) e análise da carreira internacional de algumas artistas da época.

A actriz em digressão

music-hallComo entrou na personagem, perguntou a jovem espectadora na conversa mantida com os intérpretes da peça Music-Hall (Jean-Luc Lagarce, 1989) logo a seguir à representação. A actriz falou de memórias do cinema e da sua adaptação ao vestido azul justo. Outra espectadora perguntou como treinara o olhar que parecia fuzilar a assistência – ou quando não havia assistência ao espectáculo.

No palco, a rapariga – que já não era tão nova assim – recordava os tempos áureos em que cantava e bailava, acompanhada de dois ajudantes (os boys), então marido e amante, depois substituídos por outros ajudantes. A peça, em si, não tem história, mas revela os bastidores, a luta quotidiana, a vida. O banco, central à acção da actriz, é um dos motivos sobre que discorre. O espaço de circulação dos intérpretes é curto. Os boys acompanham a rapariga, ajudam-na, cantam Joséphine Baker “Ne me dis pas que tu m’adores / Mais pense à moi de temps en temps”.

Jean-Luc Lagarce recorda como ocorreu a ideia da peça. Um dia, avistara junto à estação ferroviária de Besançon, o cantor Ringo Willy Cat, que fora casado com Sheila, num momento em que foram vedetas da canção francesa. Ringo ia duas vezes por semana cantar os antigos sucessos num bar da cidade.

A peça, encenada por Rogério de Carvalho para a companhia portuense As Boas Raparigas em cena no Teatro Carlos Alberto (Porto), tem como actores Maria do Céu Ribeiro, Paulo Mota e António Júlio. A companhia As Boas Raparigas está estabelecida há 20 anos e tem nova peça a estrear em Março no Armazém 22 (V. N. de Gaia) e uma presença em próximo festival em Manaus, Brasil. A actriz Maria do Céu Ribeiro lecciona aulas de voz e foi premiada pela SPA (Sociedade Portuguesa De Autores) em 2012, pelo desempenho na peça Devagar.

Tchekhov em ensaio geral

O Cerejal, de Anton Tchekhov, não foi representado mas ensaiado. Os atores situavam-se na plateia, no meio do público, e repetiam sempre que o encenador pedia. Foram longos os quatro atos da peça.

Apesar de ter sido publicada em 1904, na peça há uma grande modernidade política. Então, o regime feudal na Rússia era substituído pela nova forma de sociedade, o capitalismo. A venda do cerejal e da propriedade adjacente, para fazer face à bancarrota da família, é a metáfora que encobre essa rápida transição. O burguês Lopákin, filho de escravos, acaba por comprar o cerejal para o abater e transformar em urbanização com casinhas para veraneantes. As cerejas nasciam uma vez no ano, as casas seriam alugadas todo o ano, com rendimento muito maior.

Retiro do autor do texto que acompanhava o programa algumas ideias. A peça celebra dois acontecimentos. Num deles, Lopákin resgata a dignidade dos ascendentes, celebrando a nova classe poderosa, enquanto Trofímov, eterno estudante, fala de liberdade e justiça para o futuro. Em 1917, as posições alterar-se-iam, com a revolução de Outubro. No outro, o amor nascido entre Trofímov e Ánia conduz esta à descoberta da consciência social. Outras personagens ganham densidade, como Charlotta, órfã de saltimbancos tornada perceptora, e Vária, filha adotiva de Andréievna. Esta, com a filha Gáev, não compreenderiam a mudança dos tempos e recusavam transformar o pomar numa outra atividade produtiva.

João Sousa Cardoso, o responsável pela representação em forma de ensaio, quis desconstruir o teatro “bem-feitinho”, mostrando a carpintaria do ensaio, e elogiar a importância do cinema como indústria cultural prevalecente na nossa memória, pelo que o palco tinha uma tela apenas mal iluminada.

O último ato foi de grande desassossego. Os atores circulavam pelas filas onde estavam os espectadores, riam, chamavam-se pelos nomes próprios e não das personagens. As repetições, para melhorar a performance, perturbavam o desenrolar da ação. Algumas vezes, porque os atores estavam voltados para o palco e de costas para o público, não se faziam perceber, por falarem baixo e por não abrirem suficientemente as vogais (problema da língua). Depois, em especial no primeiro ato, a iluminação era escassa (a lembrar a fraca luz numa casa à noite antes da existência da eletricidade doméstica). Embora muito jovens, estudantes na maioria, atores e atrizes aceitavam pacientemente as recomendações do encenador e repetiam e voltavam a repetir a partir das deixas da personagem anterior.

Criação do Teatro Expandido!, de João Sousa Cardoso, na Sala do Teatro do Campo Alegre (Porto) ontem, com plateia muito composta. Experiência inolvidável.

Lançamento do livro Orpheon Portuense

Hoje, ao fim da tarde, foi lançado o livro A Sociedade Orpheon Portuense (1881-2008). Tradição e Inovação, de Henrique Luís Gomes de Araújo e Rui Vieira Nery e ainda com textos de Christine Wassermann Beirão, Constança Vieira de Andrade, Gonçalo Vasconcelos e Sousa, João-Heitor Rigaud, Jorge Castro Ribeiro, Manuel Deniz Silva, Maria do Rosário Pestana, Sofia Lourenço e Tiago Manuel da Hora. Na mesa de apresentação do livro (esquerda para a direita): Henrique Luís Gomes de Araújo, Anabela Antunes (editora) e Rui Vieira Nery (abaixo vídeos com comunicação dos dois apresentadores).

Eugénia Maria

Vera Lagoa (pseudónimo de Maria Armanda Falcão, a primeira apresentadora das emissões experimentais da RTP em Setembro de 1956) teve uma coluna popular no Diário Popular, chamada Bisbilhotices. Na de 7 de Fevereiro de 1968, ela escreveu sobre uma locutora – Eugénia Maria – e a sua homenagem por ter ganho um prémio da Casa da Imprensa. Como coluna de mexericos sociais, retiro uma frase do texto: “Eugénia estreou um vestido que a emagrecia imenso, de gola e punhos brancos, que foi muito admirado”. Na prosa, não sabemos qual o prémio que ela ganhou, nem o programa (Talismã, Rádio Clube Português) nem o produtor (Gilberto Cotta, e não somente Cotta), mas ficamos a conhecer a impressão causada pelo vestuário. Vera Lagoa foi, no meu entender – para além das opiniões políticas que ela produziu em semanário muito posterior a esta data -, o modelo de comentário das revistas populares, de televisão e cor de rosa que existem hoje.

Rever a história da rádio

E se eu atrasasse o começo da história da rádio em Portugal para 1923 (e não 1924) e o começo das emissões regulares da Emissora Nacional para bastantes meses antes de Agosto de 1935? Não seria mais confortável para a ideia de modernidade tecnológica da rádio no país? O artigo do Diário de Notícias de 27 de Fevereiro de 1929 refere que CT1AA começou a emitir experimentalmente em 1923, um documento (cópia) indica que CT1AB começou a experimentar emissões de rádio em 1924. A programação da Emissora Nacional de 22 de Março de 1935 parece-me muito bem alinhada com dois períodos de emissão (à hora de almoço e ao fim da tarde e noite), como se lê ainda no Diário de Notícias de 21 de Janeiro de 1935. Já a transmissão de jogos de futebol parece também alicerçada em 1935 (Diário de Notícias de 6 de Janeiro de 1935).

Do programa da Emissora Nacional, destaco os noticiários às 12:35, 20:30 e 22:30, a cotação da Bolsa de Lisboa, a informação meteorológica e o sinal horário (21:30). Seis períodos de música em discos e igual número de períodos de música em directo com as orquestras da estação relevavam o equilíbrio musical entre gravação e ao vivo, tendência que iria pender para o primeiro tipo de música. O director era ainda António Joyce, antes da nomeação de Henrique Galvão. Mozart, Granados, Verdi, Mendelssohn, Massenet, Strauss, Brahms, Beethoven (em disco) e Leoncavallo seriam compositores interpretados nesse dia. Se a música séria (ou clássica) tinha identificação, o mesmo não acontecia com a música de discos, então ainda com menos dignidade. Quanto a CT1GL (Rádio Clube Português), a emitir ao fim da tarde e noite, mantinha uma forte programação de música clássica, em especial a tocada pelo quarteto da estação. Um noticiário e música ligeira (de baile) eram outros elementos constituintes da sua programação. Esta tornar-se-ia mais popular poucos anos depois, ao passo que a Emissora Nacional começaria em 1948 a ter desdobramento de programas de música ligeira e música clássica.

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A cultura no período de “olhar para dentro”

O título do volume 4 da História Contemporânea de Portugal – 1808-2010, dirigido por António Costa Pinto e Nuno Gonçalo Monteiro, é muito interessante: Olhando para Dentro, 1930-1960. O volume tem coordenação de José Luís Cardoso e contém capítulos assinados por José Luís Cardoso (“As chaves do período”; “O processo económico”), Bruno C. Reis (“A vida política”), Pedro Aires Oliveira (“Portugal no mundo”), Álvaro Garrido (“População e sociedade”) e Daniel Melo (“A cultura”).

O texto que mais interesse me despertou seria o de Daniel Melo pelo tema, com 33 páginas. Destaco os subtítulos: “Introdução: discursos e instituições oficiais de enquadramento”; “Literatura, imprensa e leitura”; “Artes plásticas e arquitectura”; “Teatro e cinema”; “Música e dança”; “Rádio e televisão”; “Mostrar Portugal a si mesmo e aos outros”; “Tertúlias, cafés e tabernas”; “Festas, desporto e lazeres vários”; “Universos socioculturais alternativos”; “Educação”. Daniel Melo identifica autores, obras, acontecimentos, interliga grupos e correntes, tudo com uma escrita leve e muito atraente. Da minha leitura, o subtítulo sobre a rádio e a televisão é menos importante, talvez porque eu tenha trabalhado esses tópicos e não há surpresas, mas os últimos subtítulos fornecem informação e, acima de tudo, mostram uma riqueza de propostas e realizações de trabalho cultural mesmo sob a tutela de um regime político opressor e conservador.

Leitura: José Luís Cardoso (coord.) (2014). Olhando para Dentro, 1930-1960. In António Costa Pinto e Nuno Gonçalo Monteiro (dir.) História Contemporânea de Portugal – 1808-2010, 4º volume. Madrid e Lisboa: Mapfre e Penguin Random House, 252 páginas, 17,5 euros

Do blogue: reflexões e actualidade sobre indústrias culturais (imprensa, rádio, televisão, internet, cinema, videojogos, música, livros, centros comerciais) e criativas (museus, exposições, teatro, espectáculos).