Adriano Paiva e a televisão

Em 29 de Dezembro de 2003, escrevi um pequeno texto aqui sobre Adriano Paiva, a quem se atribui uma parcela da invenção da televisão, quando disse: "Com o novo telescópio, [...] transformado em corrente eléctrica, o movimento luminoso percorreria docilmente o caminho que nos aprouvesse dar ao fio destinado a conduzi-lo; e de um ponto do globo terrestre seria possível devassar este em toda a sua extensão". Hoje, volto a recordar a figura do cientista, servindo-me de um texto publicado na revista Flama, a 12 de Setembro de 1969, assinado por Pinto Garcia.

Adriano Paiva Faria Leite Brandão, conde de Campo Belo, propusera uma solução para a televisão, em carta de 27 de Abril de 1878. A isso chamou telescópio eléctrico. Adriano Paiva descobrira que o selénio poderia ser um material transmissor. Docente de Física na Academia Politécnica do Porto, ele precisava de dinheiro para apetrechar o seu laboratório, o que não conseguiria. O inventor estava no domínio da técnica. Depois, com experiências na Europa e nos Estados Unidos, pelas mãos de outros inventores, chegava-se à televisão. Primeiro, o aparelho, depois os conteúdos, como reflectiu Raymond Williams.

Flama, 12.9.1969 (2)Flama, 129.1969 (3)

Raymond Williams (2)

Raymond Williams (1921-1988) foi um dos mais importantes intelectuais do Reino Unido (País de Gales). Inicialmente ligado a F. R. Leavis e a cultura literária inglesa e influenciado pelo marxismo, ele evoluiu para um pensamento próprio. As relações com Richard Hoggart (o primeiro director dos Cultural Studies de Birmingham), Edward Thompson e Eric Hobsbawm, entre outros, são bem esclarecidas na biografia escrita por Dai Smith (Raymond Williams. A Warrior's Tale, 2008, Cardigan: Parthian) . De Williams conhecia os trabalhos ligados à cultura, à sociologia e à comunicação, mas não sabia da importância no domínio da literatura, que o catapultaria para o ensino de teatro na universidade. Aliás, Williams queria ser conhecido como autor literário.

Smith estuda o percurso de Williams desde a frequência da escola primária em Pandy, a sua evolução para a escola de Abergavenny e a sua entrada no Trinity College, em Cambridge. A relação com o pai, um ferroviário ligado ao Partido Trabalhista e que se dedicava nas horas vagas à produção de mel e a tarefas hortícolas, a reflexão sobre a origem de classe da família, a greve geral de 1926, a vida como militar destacado na frente de batalha em França, Bélgica e Alemanha nos anos trágicos da II Guerra Mundial, onde chefiou um grupo de força anti-tanques, e a recusa posterior de reservista para combater na guerra da Coreia em 1951, de que se tornou objector de consciência, aparecem bem definidas na obra literária que escreve e reescreve continuamente, com um grande sentido autobiográfico. A obra que Williams vai construindo reflecte igualmente a melhoria das condições de vida dos britânicos após a II Guerra Mundial, o que o leva a reformular as posições do marxismo (e a ter um pensamento não crítico no sentido de Theodor Adorno), embora se mantenha no interior da Nova Esquerda. Smith esclarece bem essas ligações, mas não vai além de 1961. Por isso, somos informados da sua actividade profissional ligada à educação de adultos (departamento extra-muros da universidade), que visava preparar estes para uma formação mais avançada nos domínios das humanidades e da literatura, actividade itinerante e não muito lucrativa para uma família de pais e três filhos, mas não entramos na sua vida ligada à universidade de Cambridge onde iria ensinar Drama, dados os textos sobre cultura e teatro produzidos por ele. Embora ligado, ele nunca se sentiu totalmente dentro do espírito de Cambridge.

Da obra de Raymond Williams destacam-se Culture and Society (1958) e The Long Revolution (1961). Fora do âmbito da biografia de Smith, não se inclui a análise a Television: Technology and Cultural Form (1974), texto onde Williams reflecte no pensamento de Marshall McLuhan sobre a tecnologia e o rebate. As suas definições de cultura, que incluem a ideia de cultura como "uma  forma total de vida", abrem as portas à variedade de manifestações individuais e de grupo e que elidem a separação entre cultura de elite e cultura popular. Dai Smith acaba a biografia de Williams imprimindo quatro páginas de conclusão do livro The Long Revolution que Williams acabaria por não incluir, com um forte sentido pessoal, a intersecção entre a experiência da sua geração face às gerações anteriores. No livro, em que associou cultura, indústria, democracia, classe e arte, a longa revolução significou o crescimento da democracia e o voto nas eleições e o aumento da educação, os jornais mais baratos e o acesso a livros. Williams reflecte nomeadamente na idade de sair de casa para trabalhar: aos onze anos com o seu avô, aos treze anos com o seu pai, muito mais tarde com ele. Na casa dos pais de Williams havia sete livros, na casa de Williams os filhos já tinham tudo o que queriam. O tempo em que ele escreveu o livro (1961) era de grande confiança no futuro, o que o leva a incluir nessa longa marcha revolucionária a segurança do emprego e das pensões para os reformados. Então, havia fortes valores de tolerância e de decência, conclui nesse texto não incluído na versão impressa.

Leitura: Dai Smith (2008). Raymond Williams. A Warrior's Tale. Cardigan: Parthian

Raymond Williams (1)

No capítulo "Technology and the Society" do livro Television, Williams escreve que a televisão alterou o mundo, o que leva a que se fale de um novo mundo, uma nova sociedade. Ele considera causas e efeitos. As questões relacionadas com causa e efeito são entre tecnologia e sociedade e têm uma acção prática. O autor refere-se à tecnologia e aos usos da tecnologia, a instituições relacionadas com tecnologia e aos seus conteúdos. Ora, a televisão é uma tecnologia cultural particular.

A análise de Williams parte de três pontos (os subcapítulos): 1) versões de causa e efeito na tecnologia e na sociedade, 2) história social da televisão como tecnologia, 3) história social dos usos da tecnologia da televisão.

No primeiro ponto, das versões de causa e efeito na tecnologia e na sociedade, há afirmações como:
1) a televisão foi inventada como resultado da investigação científica e técnica. Em vez de apenas um meio de notícias e entretenimento é o meio fundamental das notícias e entretenimento,
2) adquire a forma de meio institucional fundamental,
3) alterou as nossas percepções da realidade,
4) articula-se com outros factores como a mobilidade física,
5) adquire um papel central na vida da família, da cultura e da sociedade,
6) o investimento e desenvolvimento da televisão leva-a a um novo tipo de sociedade,
7) tornou-se numa nova fase lucrativa da economia doméstica do consumo,
8) realça elementos de passividade e desadequação cultural e psicológica,
9) explora as necessidades de uma sociedade complexa e atomizada.

A afirmação sempre presente é “a televisão alterou o nosso mundo”.
As cinco primeiras afirmações são vistas como determinismo tecnológico, que é uma perspectiva ortodoxa da natureza da mudança social. As outras quatro afirmações são menos deterministas. Aqui destaca outros factores na mudança social. Williams fala do grande debate entre estas perspectivas, a do determinismo tecnológico, em que as novas tecnologias são uma variável independente, e a da tecnologia sintomática, em que essa independência é mais marginal. Williams propõe uma interpretação diferente.

No segundo ponto, a história social da televisão como tecnologia, Williams entende que a invenção da televisão não resulta de um acontecimento isolado ou de um conjunto de acontecimentos. Ela depende de um complexo de invenções e desenvolvimentos na electricidade, na telegrafia, na fotografia e cinema, e na rádio. Ele identifica dois períodos principais (1875-1890; décadas de 1920 e 1930). As vantagens da electricidade relacionam-se com as necessidades industriais, mobilidade e transferência da electricidade e flexibilidade. A electricidade, além das fábricas, vai servir as cidades e os lares. O desenvolvimento do telégrafo foi mais simples, com a transmissão de mensagens através de equipamentos eléctricos. A telegrafia eléctrica ocorreu na década de 1870, a mesma década em que o telefone se desenvolveu [há uma imprecisão de datas, pois o telégrafo é anterior].
Williams junta a ideia de imagens em movimento (cinema) com o efeito da persistência na visão humana. Ele descreve depois a televisão e as suas etapas anteriores. Apesar da previsão do seu aparecimento, foram necessárias a existência da válvula electrónica e do amplificador multi-etapas.

O autor refere um conjunto alargado de invenções (e descobertas) científicas e a rivalidade entre sistemas mecânicos e electrónicos (hoje objecto apenas da história, pois a digitalização ultrapassou esses sistemas). Williams destaca o número de campos complexo e relacionado em termos de sistemas de mobilidade e transferência de produção (eléctrica, radiodifusão) e comunicação. Isto é: uma característica dos sistemas de comunicação é que foram previstos – não em termos utópicos mas técnicos – antes dos componentes fundamentais dos sistemas desenvolvidos terem sido descobertos e melhorados. Isto liga-se a uma longa história da acumulação capitalista e ao trabalho de melhorias técnicas, criando novas necessidades e novas possibilidades.

Quanto ao terceiro ponto, a história social dos usos da tecnologia televisiva, Williams coloca a questão de uma relação entre uma nova sociedade móvel e complexa e o desenvolvimento da moderna tecnologia de comunicação. Os incentivos nasceram de problemas de comunicação e controlo militar e de operações comerciais.
As tecnologias permitem passar informação específica e manter contacto e controlo. Isso foi visível na segunda fase da tecnologia (electrónica) – a rádio, mais tarde tornada uma tecnologia para o público geral. Williams indica um conhecimento crescente da mobilidade e mudança como marcadores no processo social de comunicação. O autor reflecte sobre a palavra massa: organização de massa, comício de massa, produção de massa. Mas a rádio sonora e a televisão foram desenvolvidas para a transmissão para lares individuais, embora nada na tecnologia o tornasse inevitável. Se a comunicação social está ligada à comunicação de massa, com os media a irem alcançar muita gente, a massa é ultrapassada pela oferta de aparelhos individuais.

Ao contrário de todas as tecnologias de comunicação anteriores, a rádio e a televisão eram sistemas inicialmente previstos para transmissão e recepção como processos abstractos, com uma pequena ou nenhuma definição de conteúdo. Este, quando muito, era parasitário – eventos do Estado, acontecimentos desportivos, teatro [eu tenho uma posição mais moderada que Williams, embora o entenda. A rádio deve a tecnologias anteriores, mas também a práticas culturais anteriores. Os intervalos na transmissão de uma ópera seguiram o protocolo das representações no palco]. Williams insiste: a oferta da radiodifusão antecede a procura; os media precedem o conteúdo. Depois da tecnologia pública (como o caminho de ferro e a iluminação eléctrica), veio a tecnologia privada, a privatização móvel.

Por mobilidade, entende-se o ir e vir e procurar novos locais. Uma maior mobilidade interna, a um primeiro nível, trouxe consequências secundárias em termos de dispersão das famílias e a necessidade de novos tipos de organização social. A rádio era um novo tipo de comunicação – as notícias de fora, de fontes inacessíveis. A nova tecnologia de consumo atingiu a sua primeira etapa decisiva na década de 1920. Aos novos bens, como o transporte privado, correspondeu a rádio, que trouxe notícias e entretenimento para o lar. Nessa altura inicial, a questão era a transmissão; depois, veio o conteúdo [aqui, discordo de novo de Williams: a cultura tecnológica era a troca de cartões entre emissores amadores que levavam a sua voz mais longe do que nunca. A rádio é uma tecnologia que começa por herdar isso]. Já na década de 1930, há avanços significativos na produção de conteúdos. A radiodifusão oferecia um todo social – música, notícias, entretenimento, desporto. A televisão seguiu etapas semelhantes à rádio.

Leitura: Raymond Williams (1974/2008). Television: Technology and Cultural Form. Londres e Nova Iorque: Routledge, pp. 1-23

Al Pantalone

O texto é de Mário Botequilha, a encenação e desenho de luz pertencem a Miguel Seabra e a interpretação está a cabo de Guilherme Noronha, Rui M. Silva, Sofia Correia e Vítor Alves da Silva. As personagens são Al Pantalone, um banqueiro moderno (como têm aparecido nos media), um Doutor (muito ligado a Al Pantalone, o que significa igual actualidade política e mediática), Flávio e Isabela, descendentes daqueles, por vezes tornados Zani e Columbina, empregados dos primeiros.

A Commedia dell'Arte deixou "uma tipologia muito vasta de personagens susceptíveis de serem encontradas em todas as histórias e períodos históricos", escrevem Miguel Seabra e Natália Luiza, responsáveis do Teatro Meridional, onde se representa a peça. As personagens apresentam-se voltadas para o público, definem situações, trocam posições deferenciais e/ou grotescas, sem deixarem indiferentes o público. Salamaleques, com "vossa excelência para aqui, vossa excelência para ali", mundo transparente na aparência mas sórdido na realidade. Num dado momento, uma das personagens identifica a burguesia que se senta diante deles em boas cadeiras de veludo; outra personagem pergunta ao público se aprova com mão no ar as contas da entidade bancária. O mais imperdível são as figuras das personagens: Al Pantalone a andar com os pezinhos cada qual para seu lado e a mordiscar os lábios, o respeitável volume do estômago do doutor e a sua pertinácia em definir objectivos, os movimentos de dançarino tonto da personagem de Zani ou a ingenuidade expressa por Isabela. Mas igualmente o que significam: as duas principais personagens, gananciosas, enganaram os outros, os que trabalham e descontam sempre. O embuste foi perfeito: ficaram com o dinheiro de Zani e Columbina para melhor rendimento. Mas o banco faliu e as poupanças sumiram-se.

O teatro é a arte da mensagem. A sério ou a brincar, a ironizar ou a mofar - a mensagem está ali. Daí o permanente perigo do teatro. E a sua importância. A Commedia dell'Arte não é Brecht, mas a mensagem existe. E Miguel Seabra dedica a encenação a Américo Rodrigues, antigo director do Teatro Municipal da Guarda (2005-2013), despedido pelo actual presidente daquela Câmara.

Recuperar memórias da rádio

Falei do locutor Rui Pedro no passado dia 8 de Setembro de 2014. Recupero hoje outra peça jornalística sobre o mesmo locutor, editada na revista Flama, de 3 de Abril de 1970. Então, Rui Pedro era (fora) redactor-publicitário nos Parodiantes de Lisboa e locutor e assistente do programa PBX (embora num curto período de tempo em 1968). Na peça, o locutor distingue dois tipos de rádio - oficial (pública) e comercial, esta a viver então um importante momento através do trabalho de novos e bons profissionais.

James Brown (1933-2006)

Dele, conhecia alguma música e a roupa extravagante que usava. Mas desconhecia a infância e adolescência difíceis mas ricas para a sua
postura diferente (e as prisões na adolescência e na década de 1980). Um génio, diz dele um dos músicos que mais o acompanhou ao
longo da carreira (Bobby Byrd), e que James Brown eclipsara logo no começo da sua atividade. O estilo musical e de dançarino repercutir-se-ia noutros artistas, caso de Michael Jackson.

O filme Get on Up apresenta frequentes retornos na sequência temporal, o que facilita a compreensão da evolução de Brown (papel desempenhado por Chadwick Boseman). Dele fica a música (funk,
muito à frente na sua época), a liderança (autoritária), a força emancipadora (o concerto em Boston no dia seguinte à morte de Luther King e que se pode ver no Youtube) e, resultado disso, a relação racial com os editores e proprietários das companhias discográficas. Brown foi ainda alguém que conciliou o lado do artista musical com o homem de negócios, caso da gravação ao vivo de espetáculo no palco do Apolo em 1963, da gravação da música Please, Please, Please, e na colocação da promoção discográfica em rádios.

Música gravada em Portugal

Hoje ao fim da tarde no Palácio Foz foi lançado o livro de Leonor Losa, Machinas Falantes. A Música Gravada em Portugal no Início do Século XX, uma edição da Tinta da China.

O livro divide-se em três partes: implantação do mercado de fonogramas no país, música gravada como prática social e mobilidade social da fonografia e criação de uma indústria nacional. Retiro da introdução, a seguinte perspectiva: "De modo interpretativo, este volume pretende constituir uma aproximação ao fenómeno de modernização do som, localizando-o no contexto cronológico, local e social de Portugal nas primeiras décadas do século XX" (p. 18) (sobre o trabalho de Leonor Losa já escrevi aqui). Como diria na sua apresentação do livro, a professora Salwa Castelo-Branco, o livro apresenta três níveis discursivos: texto, iconografia e disco com gravações antigas digitalizadas. Reforço que o livro, além do texto, tem uma muito boa qualidade gráfica com reproduções de capas de discos, publicidade e fotografias de artistas, nomeadamente, que o tornam um objecto a possuir.

Por seu lado, Rui Vieira Nery elogiaria a autoridade legítima da autora no livro, traduzida na segurança na pesquisa e reflexão. De ora em diante, obra de referência na matéria, o livro traça uma cronologia rigorosa da implantação da indústria discográfica, a sequência das marcas, a lógica empresarial, as estruturas do negócio e a sequenciação do repertório das músicas. O texto inclui ainda os processos técnicos da gravação sem ir ao pormenor tecnológico e discute as dinâmicas por detrás da discografia. Para Vieira Nery, a autora, além de etnomusicóloga, é uma historiadora da música e da economia, pois tratou das dimensões da produção, mediação e retalho da actividade discográfica. O meio século inventariado no livro revela um grande dinamismo, primeiro enquanto fenómeno restrito das elites urbanas com sede de modernidade pelo acesso às novas tecnologias, com o disco associado ao teatro e à dança de salão. Na fase posterior, nas décadas de 1930 e 1940, a indústria discográfica liga-se também à rádio e ao cinema sonoro, formando uma teia de indústrias culturais, culminando na terceira fase, em que surgem empresas dedicadas à produção de discos. Rui Vieira Nery nota ainda que, na questão dos conteúdos, o intérprete surge como elemento secundário se comparado com o meio tecnológico.

[Na mesa, da esquerda para a direita: Leonor Losa, Salwa Castelo-Branco, Rui Vieira Nery e Inês Hugon, representando a editora)]

Os dois apresentadores da obra destacariam a necessidade da preservação do património do registo sonoro. O disco, cujo suporte é frágil, precisa de ser guardado, registado e digitalizado. Os apresentadores destacaram igualmente a qualidade do trabalho do conjunto de investigadores do INET (Instituto de Etnomusicologia), de que a obra agora lançada é um exemplo. A importância da música gravada na configuração da indústria fonográfica foi um dos desenvolvimentos de investigação depois da publicação da Enciclopédia da Música em Portugal no Século XX, dirigido por Salwa Castelo-Branco (ver aqui). Etapa seguinte, bastante avançada no presente, é o projecto de digitalização de música do começo do século XX e a pesquisa em torno das gravações em discos de goma-laca.

Nova Caledónia

Louise Michel (1830-1905) foi professora, poetisa, enfermeira, escritora e blanquista da França, reconhecendo-se anarquista durante a Comuna de Paris na qual foi uma das mais importantes communards. Michel foi ainda a primeira a adoptar a bandeira negra como símbolo dos ideais libertários. Após a Comuna e presa, a 8 de Agosto de 1873 ela é colocada no navio Virgini e deportada para a Nova Caledónia,  Quatro meses depois chega ao destino. A bordo, conhece os prisioneiros Henri Rochefort, figura polémica, e Nathalie Lemel, outra anarquista activa na Comuna. Ela permanece na Nova Caledónia durante sete anos, aproximando-se da população local, da etnia kanak. Cria a revista Petites Affiches de la Nouvelle-Calédonie e publica o livro Légendes et Chansons de Gestes Canaques. Ao contrário de outros communards deportados, ela toma parte ao lado dos kanaks na sua revolta de 1878. Posteriormente, afirmaria ter enviado ao líder da rebelião, Ataí, um pedaço de sua manta vermelha (toda a informação sobre Louise Michel a partir de Wikipedia).

Este é o tema da peça Nova, Caledónia, de André Guedes e Miguel Loureiro, com múltiplos excertos de materiais como textos de exílio, de revolução (Bakunine), poemas (Brecht), canções (La Cannaile), valsas (Heiter auch in ernster Zeiter) e árias (Summertime), excertos de peças de teatro, cartas, ensaios, bailados (A Sagração da Primavera). Actores e actrizes: Crista Alfaiate, Cristina Carvalhal, João de Brito e Miguel Loureiro.

No texto de apresentação, escrevem os autores que projectaram "um itinerário múltiplo sobre o fim dos projectos comunitários de pendor bélico e romântico que são as revoluções; sobre a influência do espaço geográfico na estrutura de uma ideia; a noção de paraíso terrestre ligada aos mares do Pacífico Sul". Aqui, o projecto social dos communards perdia qualquer importância.

A representação tem dois momentos distintos, o primeiro aproximando-se da história de Louise Michel e dos seus companheiros deportados, o contacto com a nova realidade social e geográfica, as tentativas de reconstituição de um ambiente cultural levado de Paris, condenado ao fracasso, pela existência de uma relação de subjugação a um poder colonial ainda que possivelmente difuso. Esta primeira parte é muita rica do ponto de vista cénico. O segundo momento, quase no final, é o do regresso do degredo e do assistir à derrocada do mundo cultural deixado após 1871. Ele é feérico, porque revê a Belle Époque e a barbárie da Primeira Guerra Mundial, as luzes, os gases, a morte e os estropiados, a estupefacção final da humanidade. Aqui, o papel dos actores é substituído pelos efeitos de multimédia, que, por vezes, nos remetem para a cultura do cinema e das artes visuais, como uma expressão sobre Lautrec.

Fátima Mendonça no Centro de Arte Manuel de Brito

Fátima Mendonça (1964) estudou Pintura na Escola Superior de Belas-Artes (Lisboa). Algumas exposições individuais: Auto-retratos com dedicação e afecto, da Fátima (Galeria 111, Lisboa, 2007) e Assim... Assim... para gostares mais de mim (Culturgest, Lisboa, 2005) e Centro de Arte Manuel de Brito (Algés, 2014). Exposições colectivas: À Volta do Papel - 100 Artistas (Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, 2008) e Arte Contemporânea - Novas Aquisições (Culturgest, Lisboa, 2002). A sua obra está representada em colecções públicas e privadas: Fundação de Serralves (Porto) e Colecção da Caixa Geral de Depósitos (Lisboa). Agora, apresenta no Centro de Arte Manuel de Brito obras de 1988 a 2010, marcantes do seu percurso artístico. Redes e sacos, vermelhos e azuis, pássaros, bolos de chocolate e morangos, mensagens escritas para o Rui, sobreposições, saias rodadas, a relação da menina com a religião e os sonhos, medos e pesadelos são alguns dos tópicos na pintura colorida e dinâmica de Fátima Mendonça. Ler mais sobre a exposição aqui.

Fátima Mendonça, Auto-retrato (Sossega), 2007.

Sinceridade e intimidade nos programas em directo da rádio e da televisão

A fenomenologia é um modo de pensar que pode aplicar-se a qualquer campo académico, funcionando como crítica a ideias tomadas como garantidas (p. 9). O projecto da fenomenologia é questionar o significado de "vida". Scannell parte de Martin Heidegger com grande desenvoltura, do mesmo modo que se apoia em Raymond Williams. Este último, na sua análise da "longa revolução" na Grã-Bretanha, observou os benefícios económicos e tecnológicos na classe trabalhadora, em termos de rendimentos, bens, cultura e lazer. Daí, se referir em capítulos sucessivos ao mundo, ao indivíduo e ao tempo para avaliar o impacto da rádio e da televisão.

Para mim, o mais interessante é o seu discurso sobre a conversa (e a arte da conversação), nomeadamente nos anos iniciais da rádio e da televisão, quando a maioria da emissão era em directo (p. 104). Scannell analisa o programa radiofónico The Brain Trusts e questões importantes como falar em público, emissões com e sem guião, planeamento dos temas a discutir e sua condução ao vivo, sinceridade ao microfone e ontologia da voz. Esta aproxima o locutor ou seu convidado face ao ouvinte, personalizando ou tornando íntima aquela voz no altifalante da telefonia no lar de cada um.

Quanto à televisão, o autor estabelece uma comparação entre o programa americano Person to Person e o inglês At Home. A competência do locutor que entrevista em directo é relevada por Scannell, que nos leva à arte da conversação como foi cultivada desde o século XVII, em especial em França (p. 135). O objectivo do salão de cultura, frequentado por mulheres aristocratas interessadas em manter um serão agradável [Scannell não cita Habermas mas Craveri, The Age of Conversation, em 2005, texto que eu não conheço]. Igual valor têm a conversazione italiana, onde se discutiam arte, literatura e ciências, e o convite a "profissionais" da conversa, como Oscar Wilde na Grã-Bretanha, onde se dava a ideia do prazer espontâneo da troca de ideias num espaço. A conversa incluía anedotas e piadas sobre a época e os costumes. A rádio e a televisão recuperaram essas formas mais antigas de comunicação interpessoal e de grupo, do mesmo modo que adaptaram o olhar da câmara. Se o locutor olha a câmara de modo frontal é o renovar do espírito de contacto com o espectador (p. 149).

Scannell debruça-se ainda sobre a formatação do "ao vivo" e do uso de múltiplas câmaras de televisão na cobertura desportiva, empregues por exemplo na mostração de golos (ou uma falta grave), e a narrativa da catástrofe. Mas essa leitura fica para outra ocasião.

Leitura: Paddy Scannell (2014). Television and the meaning of live. Cambridge e Malden, MA: Polity, 264 p.

Rádio Ribatejo - apontamento sobre a estação de Santarém

Jaime Varela Santos foi o fundador da Rádio Ribatejo em 15 de Março de 1951. Quase vinte anos depois, a estação emitia onze horas diárias (9:00-20:00). Segundo um texto da revista semanal Flama (31 de Janeiro de 1969), o capitão, já na reforma, tinha como colaboradores os locutores Maria Isilda e Francisco Robalo, este também operador, Adelaide André Marques, operadora auxiliar, e Emília da Silva Marques, com funções de escritório. Nunes Forte, um dos mais conhecidos locutores à época, passara também pela estação. Varela Santos fora o criador da popular estação Rádio Graça, em Lisboa, depois propriedade de Américo Santos. Varela Santos também venderia a sua estação, integrada na Emissora Nacional na nacionalização das rádios em Dezembro de 1975.

Apresentação do livro A Rádio em Portugal

Ontem, ao fim da tarde, na Sociedade Portuguesa de Autores, quando Adelino Gomes apresentou o meu livro Sempre no Ar, Sempre Consigo. A Rádio em Portugal, 1941-1968. Na mesa, além de mim e de Adelino Gomes, João David Nunes (em representação da SPA) e Fernando Mão de Ferro (editor da Colibri).

Agradeço a presença dos elementos da mesa e todos(as) que apareceram na sessão. Fotografia de Sérgio Cavaleiro e vídeo de Patrícia Cardoso.

A busca de consenso em Péguy

No prefácio a uma obra de Péguy, Tolentino de Mendonça escreve que aquele viveu a implodir consensos. Ele era demasiado socialista para os conservadores e demasiado idealista para os seus companheiros socialistas, demasiado republicano para os católicos e demasiado católico para todos os outros, demasiado amigo dos judeus e demasiado livre face aos poderosos. Licenciado em Letras e um dos defensores do caso Dreyfus, ingressou simultaneamente no Partido Socialista e nas Conferências de S. Vicente de Paulo. No começo do século XX, edita os Cahiers de la Quinzaine, de que seria redactor, administrador, topógrafo e revisor. Nascido em 1873, morreu em 5 de Setembro de 1914, na frente da batalha da I Guerra Mundial. A busca de consensos em Péguy cessaria, pois.

No caso presente, não me interessa a exegese para comentar a obra de Péguy, mas apenas acompanhar a leitura de poemas como ela foi feita esta semana por Luís Miguel Cintra [na fotografia com o padre José Tolentino de Mendonça]. Como se escreve na contracapa do livro, citando Paul Claudel, o essencial é a tomada de consciência em Péguy de se ter tornado cristão, que se aplica a Cintra. Da última vez que o vira foi no palco, a representar Pílades, a partir da obra de Pasolini. Agora, ele aparece a falar da fragilidade da condição humana e da iluminação da obra.

Punk rock no teatro

A linguagem daqueles sete adolescentes do ano final do secundário é muito dura. As relações entre eles são violentas, um porque tem o nariz grande, outra porque é gorda, outra porque rejeita o amor de um dos rapazes, outro porque tem uma história pessoal e familiar de psicopata. A cena decorre na biblioteca da escola, onde uma aluna recentemente chegada é logo informada do ambiente e partilha-o. Diz a certa altura que já conheceu escolas bem piores, devido à profissão do pai (professor universitário) (fotografia de Jorge Gonçalves).

No final, um dos rapazes assassina três colegas. A aluna por quem ele se apaixonara desaparecera. Parecia a história de uma escola americana, por vezes acossada por tresloucados que matam todos os que encontram à sua frente. Na sequência final, na prisão ou no hospital, ele questiona o seu comportamento.

Punk Rock, de Simon Stephens, com tradução de Joana Frazão, e com Ana Luísa Amaral, António Simão, Íris Macedo, Isac Graça, João Pedro Mamede, Marc Xavier, Pedro Carraca, Pedro Gabriel Marques e Rita Cabaço. Cenografia e figurinos de Ângela Rocha, com a colaboração de Rita Lopes Alves Luz e Pedro Domingos, assistentes de encenação Marc Xavier e Isac Graça, produção executiva de João Chicó e encenação de Pedro Carraca. No teatro dos Artistas Unidos à rua da Politécnica, em Lisboa.

Rigoletto

Rigoletto, ópera do compositor romântico italiano Giuseppe Verdi, com encenação de Giulio Ciabatti e direcção musical de José Ferreira Lobo, encheu a sala.

Conhecida pela ária La donna è mobile, a história anda à volta da conduta libertina do duque de Mântua, do seu bobo da corte e corcunda, Rigoletto, que protege as suas extravagâncias, e de Gilda, a filha escondida do bobo, que o duque acabaria por conquistar. O bobo pretende matar o duque mas quem acaba por ser assassinada é a jovem Gilda. Com Luís Rodrigues (Rigoletto), Cristiana Oliveira (Gilda) e San-Jung Lee (duque).

AmadoraBD - 25 anos

O Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora foi criado em Novembro de 1990. na 25ª edição, a autora em destaque seria Joana Afonso, responsável pelo desenho d’O Baile, premiado como melhor álbum no prémio nacional de BD da Amadora em 2013.

Núcleos: 1) os grandes mercados: EUA e Japão, 2) a BD para além da BD: biografia, graphic novel, não-ficção, 3) novos suportes: BD no ecrã, 4) regresso às origens: tinta no papel, 5) editar e distribuir ao alcance de todos, 6) trabalho colectivo: a internet quebrando fronteiras, 7) o colosso franco-belga, 8) BD no Cinema. Comissariado por Sara Figueiredo Costa e Luís Salvado, retiro do texto deles no catálogo:

"Ao lado de modelos de produção e distribuição de banda desenhada com algumas décadas de consolidação, como os grandes mercados dos comics nos Estados Unidos da América, da mangá no Japão, ou do mercado franco-belga, outros modos de trabalhar foram ganhando espaço. A democratização dos modos de produção e impressão de livros e revistas preconizada pela impressão digital, pela vulgarização das ferramentas de paginação e pelos serviços de print-on-demand permitiu que mais gente acedesse ao trabalho de edição, sem necessidade de uma grande estrutura a apoiar o seu trabalho. Por outro lado, a enorme expansão da internet, quer como plataforma de divulgação, discussão e venda, quer como ferramenta de comunicação que coloca gente em contacto em qualquer parte do mundo, permitiu uma liberdade de contactos cujos resultados estão à vista em trabalhos colectivos, parcerias e redes de divulgação que podem chegar a qualquer parte do mundo"(ver aqui catálogo e programa).

R & J, a versão de Joana Linda da peça de Shakespeare

Um palco despido (tem apenas duas escadas de palco) e o fundo a funcionar com três ecrãs gigantes onde os pais de Julieta a consultam, além da aia, e o príncipe Escalo, responsável pela gestão de Verona, a cidade italiana onde decorrem os acontecimentos, tornam a peça em espectáculo multimédia. Tal obriga a uma gestão meticulosa da acção e do tempo e a uma narrativa que se aproxima o trabalho dos filmes de ficção científica com diálogo entre a Terra e um local longínquo. Os figurinos, saídos da cultura da época e recuperados na mesma cultura cinematográfico, reincorporam a encenação de Joana Linda. Ao minimalismo do palco corresponde uma igual bem conseguida estilização de figurinos e figuras, casos da personagem de frei Lourenço, mistura de sábio católico e praticante de ioga, e da aia, que se torna a ligação entre os dois apaixonados levando uma mala transparente onde se vê um queque que serve de alimento durante as deslocações. Vejo também outra referência, a da pintura dos pré-rafaelitas, de papéis místicos e situações simbólicas. 

O uso do vídeo é fulcral, como disse atrás. Ele é um dos materiais mais empregues por Joana Linda na sua carreira ligada à arte (fotografia, moda, design, onde assinou cartazes de filmes como Rafa, de João Salaviza, e É o Amor, de João Canijo). Tendo estudado Ciências da Comunicação, ela sempre se interessou pela fotografia, cinema (actriz e realização) e, agora, encenação. Numa entrevista que deu a Sabrina D. Marques, em Maio de 2010 (http://www.ruadebaixo.com/joana-linda.html), disse: "Comecei por fazer uma exposição no castelo de S.Jorge, uma mostra internacional de fotografia, e nesse momento comecei a detectar um grande movimento na internet, situado no advento da fotografia digital, das máquinas digitais. Especialmente vindo de raparigas, que faziam auto-retratos. Reuni-me então com mais trinta raparigas e fizemos uma exposição no S. Jorge. Há pouco tempo, fiz uma exposição no Barreiro, no Outfest, e depois fiz uma exposição no Porto, no Maria Vai Com As Outras. De seguida, expus a propósito do lançamento de um livro de uma poetisa italiana que tinha uma fotografia minha na capa. Houve uma outra exposição, a título individual, no Teatro Taborda, e ainda uma outra, que comissariei com uma fotógrafa espanhola, a partir de um intercâmbio de artistas entre Lisboa e Córdova".

Elenco: Ágata Pinho, Anabela Moreira, Cláudia Efe, Caroline Dawson, Diana Nicolau, Filipa Matta, Katrin Kaasa, Maria João Pinho, Miriam Santos, Patrícia Andrade, Patrícia Couveiro, Paula Garcia, Priscilla Devesa, Sara Graça, Sofia Arriscado, Sónia Balacó, Sónia Baptista, Suspiria Franklyn, Tânia Alves, Teresa Coutinho e Vanda Cerejo. Adaptação e encenação de Joana Linda, assistência de encenação de Sara Graça, produção de Cedro Plátano e Joana Linda, produção executiva de Renata Sancho. Figurinos de Fernanda Pereira, cabelos de Ana Sousa Atelier e banda sonora original de João Alegria.

Os meus dez segundos de glória

Ontem, no seu comentário político habitual na TVI, dentro da secção de livros, o professor Marcelo Rebelo de Sousa falou do meu livro A Rádio em Portugal 1941-1968 usando a palavra ternura. Muito obrigado!

Andy Wharol falava dos quinze minutos de fama em cada artista, glorificado num momento e esquecido no instante seguinte. No meu caso, foram talvez dez segundos. Fico vaidoso à mesma. E, a propósito, começo a divulgar que o livro vai ser lançado no dia 26 deste mês de Novembro, na Sociedade Portuguesa de Autores.

Melissa Oliveira

O concerto de Melissa Oliveira na Casa da Música (Porto) foi uma revelação para mim. Eu não conhecia o seu trabalho. De ascendência australiana e portuguesa, ela tem repartido a sua vida entre Portugal e Holanda. Obteve uma bolsa de estudo em Boston e gravou o disco de estreia In My Garden com Greg Osby e Jason Palmer como convidados especiais. Antes estudara jazz na ESMAE (Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo), o que justificaria o grande entusiasmo em torno dela durante e depois do concerto. Ela usa uma linha própria de loops, guitarra portuguesa, mesas giratórias e vídeos, que tornam a música uma arte total. Saber mais dela aqui.

Alain Resnais

Amar, Beber e Cantar, último filme de Alain Resnais (1922-2014), conta a história de três casais e uma peça de teatro amador que dois deles interpretam, além de George, personagem que nunca aparece, mas das quais as mulheres têm fortes sentimentos afetivos e apaixonados. O filme, que combina o teatro filmado e o cinema (com alguns cenários a serem cortinas de teatro), anda todo em torno desse George. Ele fora amante de uma das atrizes, Kathrin (Sabine Azéma), casada com o médico Colin (Hyppolite Girardot), que ignorava por completa a paixão antiga dela. O outro casal é um homem de negócios Jack (Michel Vuillermoz) e Tamara (Caroline Silhol). Jack tinha uma amante que telefonava a qualquer hora e Tamara estava a sentir-se seduzida por George, com quem contracenava na peça de amadores. Todos sabiam que George estava a morrer, restando-lhe apenas algumas semanas de vida. Por isso, ele decide empreender uma última viagem e decide convidar as mulheres a acompanhá-las. Cada uma, de modo isolado, aceita por condições relacionadas com a sua vida conjugal. Mas George resolve também convidar a sua última mulher (Sandrine Kiberlain), muito mais jovem do que as outras duas, e que então vivia retirada no campo com um agricultor. As três disputam a pertença da viagem e empreendem a arrumação da casa de George, em estado calamitoso desde que ele vivia sozinho. O espectador nunca vê nem a personagem nem o interior da casa, mas nota a luta entre as mulheres e, simultaneamente, a sua cumplicidade. Os maridos de cada uma acabam por contar uns aos outros os seus sentimentos e procuram convencê-las a não viajarem com George. Este acabaria por ir passear com a filha adolescente de Tamara e Jack, o seu melhor amigo de sempre, que ficou furioso pela traição. Mas George acabara por morrer na viagem.

A metáfora do filme é o da busca da juventude nas pessoas que envelhecem. George seria o único a não envelhecer, porque tratara sempre a vida com um sorriso, nunca fora sério. As outras pessoas tinham-se enredado nas suas vidas, nas suas visões individualistas e mesquinhas. As cortinas do teatro revelam isso: a diferença entre bastidor e palco. As imperfeições e os tiques dos bastidores revelam-se mais dolorosos (e cómicos) no palco. O filme é uma representação de representação, onde os papéis se revelam em cada um desses níveis de espetáculo. Resnais faleceria quinze dias depois da sua estreia.

Graffiti

Ricardo Campos escreveu no último número da Análise Social um texto A Luta Voltou ao Muro que começava assim: "As cidades portuguesas, principalmente os grandes centros urbanos, foram invadidas nas últimas décadas pelo graffiti de tradição norte-americana. Composto por tagsthrow-ups e murais figurativos de grandes dimensões, esta é uma manifestação visual que faz hoje parte da nossa paisagem. A globalização deste formato de graffiti significa que, disperso pelo planeta, encontramos uma linguagem comum, com mecanismos de produção e avaliação estética idênticos. A hegemonia desta expressão mural não nos deve fazer esquecer aquela que é a manifestação mural mais marcante da nossa história recente: o mural pós-revolucionário. O período que se seguiu ao 25 de Abril de 1974 foi marcado por uma profusão de propaganda política que recorria ao muro como principal suporte. A iconografia de então, em que se destacavam Marx, Lenine ou Mao, acompanhados por representações coletivas do povo, do operariado ou campesinato, cedeu paulatinamente o lugar aos politicamente inconsequentes tags. Porém, nos últimos anos parece ter despontado nas paredes uma nova vontade de comunicação política".

Por causa não do texto mas das imagens que o acompanhavam, a revista em papel foi retirada e destruída. A notícia sobre esta polémica dizia que José Luís Cardoso, diretor do Instituto de Ciências Sociais (ICS) da Universidade de Lisboa, decidira suspender esta terça-feira a publicação, alegando conter um ensaio visual considerado "linguagem ofensiva", de "mau gosto e uma ofensa a instituições e pessoas que eu não podia tolerar". O texto incluía graffitis de contestação ao Governo, à austeridade e a empresários e banqueiros. João de Pina Cabral, diretor da revista agora demitido, falaria de "gesto de censura".